Share
Karaktärsdesign finns i många stilar, men alla börjar med den grova skissen. Ofta förbises i online-handledning, teknik och processvideor, de är grunden för att skapa kvalitativa tecken. Nedan följer en översikt av grova skisser från några fantastiska karaktärsdesigners, med många olika stilar och tillvägagångssätt.
Denna post är dag 3 i vår karaktärsillustrationssession. Creative SessionsDenna artikel ger läsaren insikt om inte bara linjerna själva på papper - eller bara den färdiga illustrationen - men snarare en titt på de här konstnärernas tankeprocesser på det grova skissfasen. Jag har frågat ett antal få karaktärsdesigners vars arbete jag beundrar att dela med oss hur deras karaktärer kommer till liv. Jag ska börja med min egen process och fortsätta sedan med att dela med mig av mina karaktärsdesigners inspirerande arbete.
Jag tycker om att jobba väldigt lös på det grova skissfasen. I själva verket beställde jag ledare från Ryssland med feta 5,6 mm ledningar för att säkerställa att jag inte kan gå in i detalj på detta stadium i processen. Denna svanshuggning med stilen på linjekonst jag använder i mitt illustrationsarbete också.
Som du kan se från den grova skissen av den här tecknade karaktären som jag nyligen skapat för en klient är den ursprungliga skissen mycket, väldigt lös. Vad jag ser för att uppnå här är energi, flöde och rytm. Jag letar efter att hitta övergripande proportioner att arbeta med och för att se hur formerna fungerar tillsammans, inklusive negativt utrymme.
Jag ska jobba på 5-10 av dessa till att börja med. Ingen suddgummi, bara grafit. Jag gör detta speciellt för att undvika att omarbeta skissen eller fokusera för mycket på detaljer. Det kommer nästa.
Nästa steg är att föra den lätta skissen till Photoshop och förfina allt. Med en Wacom Intuos4 grafikplattform och den nya Rotate Canvas-funktionen i Photoshop CS4 gör det det mycket lättare att efterlikna processen med skissering på papper, med den extra fördelen av lager och alla andra verktyg som finns tillgängliga..
När den slutliga skissen är klar används den mycket nära som en mall när man skapar den slutliga illustrationen i vektorform.
George Coghill är en illustratör och tecknare som specialiserar sig på tecknade tecknad design för maskot och logotyper. Hans arbete kan ses på CoghillCartooning och hans blogg, och du kan följa honom på Twitter @gcoghill.
Efter att ha studerat projektets kort och letat efter referenser börjar jag doodling i Photoshop med min Wacom Cintiq. Sedan jag köpte det har jag glömt bort papper och penna och jag gör allt digitalt för att det är snabbare. Jag kan göra många transformationer och korrigeringar som jag inte kan med traditionella medier.
Det första jag gör är att försöka få det rätta stället som kommunicerar den efterfrågade attityden, för Otter Ninja jag letade efter en genuin och edgy men ändå söt attityd. Jag gör den traditionella dummyn och jobbar i stället tills det är klart, tar hand om proportioner och handlingslinjer.
När jag är nöjd med skissen lägger jag upp sin opacitet, lägger ett lager på toppen och omarbetar skissen om och om igen, lägger till mer och mer detaljer tills jag får den slutliga skissen.
När jag får den sista skissen jobbar jag den sista linjekonsten i hög upplösning (cirka 7000x7000 pixlar) med min Wacom Cintiq och Photoshop. Om det behövs använder jag Illustrator för att vektorisera linjeskartan och ändra linjevikt.
Sergio Ordóñez är en 31-årig spansk frilans webbdesigner och Illustrator med bas i Berlin. Kolla in hans blogg, portfölj, Twitter och DeviantArt sidor.
Nästan alla mina projekt börjar som penna skisser. Det mesta av mitt arbete handlar om 3D-modellering men jag tränar karaktärsdesignen i en Moleskine skissbok med en HB-penn eller en Faber Aquarelle. Jag skisserar ibland med min Wacom i Photoshop, men jag gillar den avslappnade känslan av penna på papper.
Efter att jag har den första korten spenderar jag lite tid på att bara kasta ner några linjer på ett mycket löst sätt, bara att fokusera på form och form och inte mycket annat. När jag slår på en fin form eller silhuett som uppfyller behoven hos jobbet börjar jag raffinera det lite och träna mer av detaljerna, ögonen, funktionerna, tillbehören, etc..
Om designen börjar fungera, gör jag några grova vridningar för att få känslan av karaktären i 3D-rymden. Om det ska modelleras måste jag tänka i 3D direkt från början. För en teckenmodell kan du antingen göra en modell från referensbilder importerade till visningsportar, i vilket fall behöver du en bild som representerar front- och sidoprofilerna.
Med boxmodellering är det mycket mer som att arbeta med lera och du förfinar ett tecken från en grundläggande primitiv i en perspektivvy.
Att veta hur jag tänker modellera ett projekt dikterar hur jag ska förbereda den ursprungliga skissen. Att ha en karaktär utarbetad i 3D-dimensioner vid penna-scenen sparar tid senare nerför linjen.
Exemplet jag har använt här är ett tecken som heter Spring Heeled Jack och jag ville spika en lång, spöklik kille med rött hår. Jag gjorde ungefär fem sidor av former och två av dem blev basen för Jack (se Moleskine sidor). Jag bekräftade några av hans skisser och detaljer, sedan gick vidare och skissade hela sin kropp i några olika ställen. Jag använde en stark bläck skiss över mina penna linjer.
Glen Southern är en frilans karaktärsmodellare som arbetar från sin hemmabio i Cheshire i Storbritannien. Hans arbete används i tv-, film-, spel- och leksaksdesign.
Kolla in honom online på southerngfx.co.uk, hans blogg och på Twitter som @southerngfx.
Grov skiss till mig är som att öppna upp mina flodportar. Några av de bilder jag skriver ut är lämpliga och andra är inte och det är okej. På detta specifika projekt snubblade min dotter in i min studio och hon kom också in i flödet av saker. Jag gillade hennes idé så mycket jag slog det av och repurposed det. Jag kallar detta "Genetisk upphovsrätt."
Allvarligt använder jag vanligtvis en vanlig gammal 2B-penna. 2B eller inte 2B, det är penna. Jag kan också använda min mekaniska penna, men sällan, eftersom det i det här skedet handlar om att fånga idéer och börja formulera visuella bilder och inte raffinera dem. Jag ritar också på allt som är i inspirationstid, vare sig det är ett stycke bondpapper, notapapper eller servett. Inspiration träffar mig hela tiden på dagen och jag kan sällan planera för det, så jag är bara säker på att fånga den när det gäller.
Jag är också en klotterhöder. Jag menar att även om jag skissar något jag inte kommer använda, sparar jag den, lägger den i en mapp så jag kan referera den senare. Jag brukar använda den som ett springbräda för en annan idé. Förnybar kreativ energi, om du vill.
Von Glitscka finns online på GlitschkaStudios.com och twitter som @vonster.
När jag påbörjar ett projekt försöker jag få så mycket information från kunden som möjligt. Därifrån börjar jag med mycket små grova skisser. I det här inledningsskedet försöker jag bara utarbeta karaktärernas former och snabb gest.
Arbeta små hjälper mig att inte fånga mig i detaljer (något jag brukar göra).
När jag har en liten skiss som jag känner kommer att fungera, börjar jag jobba större för att dra åt gesten, lägga till detaljer och uttryck. Ofta omvandlas detta andra skede till slutskissen (beroende på hur komplicerat karaktärsdesignen är) eller det kommer att bli en, större och ännu mer stram ritning.
När jag har en slutlig skiss skickar jag det till kunden för godkännande och då är det färgtid! Mina favorit skisspennor är blå Col-Erase pennor av Prismacolor och vanliga ol 'Bic mekaniska pennor.
Du kan se de saker och skräp som Katie tycker om att dra på sina webbplatser: katiemcdee.blogspot.com och katiemcdee.com.
Denna ninja skapades för en kunds e-postkampanj. Han gör icke-sucky ljudläkning. Som i inte-särskilt-nutty-and-hippie ljudläkning arbete. Han älskar att använda choklad och ninjor som apparater för att förklara sitt arbete, alltså ninja och rekordkaka.
Vanligtvis skickar jag en klient grov skisser innan jag dyker in i den slutliga konsten, men det beror också på vem jag jobbar med. Ibland kan människor bli förvirrade och rädda av roughs, så att skicka "sista" konsten att tweak är bättre för vissa. Det krävs mycket att lära känna en klient för att fatta beslutet, och båda kan fungera bra när de används tillsammans med lämplig person.
I det här fallet var alla skisser jag gjorde bara för min skull, så jag arbetade mycket hårdare än jag skulle om jag visade dem för kunden. Sedan jag arbetade under resan använde jag min iPhone för att snäppa ett bild på skissen. Detta projekt använde ghettoskanning och den hårdaste skissen någonsin. De viktigaste delarna för mig att komma ner på papper var energi och grundläggande placering av föremål. Jag ville också skapa den här karaktären i ett kvadratiskt utrymme för att ge min klient de flesta alternativen för att placera den i hans e-post och hemsida, så jag var tvungen att få ner det i skissen.
Min process i Illustrator är enkel. Jag lägger skissen på ett lager, minskar opaciteten och låser den. På ett nytt lager börjar jag skapa enkla former för att skissera figuren. Sedan börjar jag justera formerna (ingen fyllning ännu) för att skulpta karaktären. I sista steget använder jag penselsträngar för att skapa accenter och saker som kräver lite känsla, som hans bälte, ögonbryn och manschetter. Dessa kräver mer av en målarteknik, vilket är mestadels där min penntablet är till hands. Sedan börjar jag röra med färger, vilket du kan se i det här fallet är minimal.
Läs mer om hur David skapar konst för kunder på hans webbplats på sparkyfirepants.com.
Jag arbetar i allmänhet lös när jag börjar karaktärsdesignprocessen. I detta skede fokuserar jag på form, proportioner och hitta en övergripande siluett som läser bra - något som fångar karaktärens karaktär. Blanketten ska lägga till visuell information som fångar karaktärens personlighet eller karaktär.
Minotauren, som avbildad i historien, var låst i labyrinten från en mycket tidig ålder. Han var av kungligt blod, halv man och halva tjur. Han festade sig på oavsiktliga offer som skickades till labyrinten. Jag försökte höja sitt truende utseende genom att dra tecknet med skarpa, vinklade linjer. Min karaktärsdesign påverkas till stor del av animering. Detaljerna är minimala till förmån för enkelheten.
Jag experimenterar ofta med olika former för både huvud och kropp. För huvudet, förutom den övergripande formen, gillar jag att se effekterna av att flytta den horisontella ögonlinjen upp eller ner eller variera mellanrummet mellan ögonen. Dessa tekniker kan, när de används singulärt eller kollektivt, skapa en dramatiskt annorlunda karaktär. Det övergripande målet för mig är att hitta en design som fångar karaktärens personlighet. Utforskningsprocessen är den del jag tycker mest om!
Jag lämnar alla detaljer för bläcksteget, som utförs digitalt med en Wacom Intuos4 tablett och Corel Painter X. Färger appliceras med Photoshop. På senare tid är mitt arbetsflöde 100% digitalt, med en tablett, Painter X och Photoshop CS4.
Krishna M. Sadasivam är en frilans digital illustratör och tecknare baserad i Tampa, Florida. Hans arbete finns på SivamStudios.
När jag först uppfattar en egen karaktär av en karaktär är jag vanligtvis mycket upphetsad, och bilden, karaktären i åtgärd, utgör alla typer av galna saker. De verkar mycket levande för mig, även om jag i själva verket väldigt lite vet hur de faktiskt ser ut.
När jag uppmanas att skapa en karaktär för någon annan kastar jag vanligtvis några grova former, eller ett ansikte, och så småningom övervinnas jag med samma känsla av spänning som jag får om mina karaktärsidéer. De verkar sedan mycket levande igen och jag ser och känner att de rör sig och pratar.
Min inställning till det grova skissfasen börjar med slumpmässiga grafiska former som förhoppningsvis visar den personliga eller en del åtgärder jag ser karaktären gör i mitt sinne. Jag försöker att arbeta ut det här väldigt snabbt och lossa först och försöker fånga karaktärens energi och entusiasmen jag har för att dra dem.
Dessa former hamnar i många cirklar och rakt till kurvan former för att skapa en mycket platt grafisk UPA-typ av design. Ibland är dessa grova ritningar de bästa ritningarna jag skapar och jag spenderar mycket tid på att försöka kopiera dem senare i en renad version tillsammans med andra detaljer som kläder mm.
Frank är en frilansillustratör / konstnär som bor i Los Angeles-området. Du kan besöka hans webbplats eller hitta honom på Twitter.
Min tankeprocess varierar ganska mycket från projekt till projekt. Vid många tillfällen kommer en karaktärsinställning bara att bli pop i mitt huvud och jag måste skissa ut det så fort som möjligt. Så här är mastodon-ish cyclopsbergen som fungerar som kontaktpunkt för ett stycke jag kallade "Sanctuary" föddes.
Jag skapade biten speciellt för en gallerihow jag deltog i juli 2009. I princip visste jag att jag ville skapa en karaktär som var en levande struktur av något slag, något som var stort, måttligt snyggt och jag ville definitivt ha en elefantens bagage fungerade. Om jag minns rätt, slutade jag att dra i de böjda hornen i den ursprungliga skissen för att lägga till en liten vinkelskärpa och maskulinitet (formerna var lite klara och säkra för min smak) och balansera den tunna toppen med den bredare bergsbasen.
Många gånger kan bizarre begrepp och blandningar av element ge några ganska olikartade, dementerade karaktärer, men jag ville verkligen att den här killen hade en välvilja mot honom. Jag tycker att ögatets storlek och öppenhet bidrar till att förmedla det. Också bristen på axlar (det är ett berg, trots allt!) Hjälper ganska lite. Djurets sköna natur är ännu mer accentuerad i slutstycket, där jag med vilseledande gav alla de andra djuren, med undantag av kaninen, en slags vild-ambivalent stirra. Kontrasten ger lite mer visdom och känslor till mastodonberget, jag tror.
För det mesta, när jag skissar, är det bara för att få idéer ut. Jag använder mina skisser som referenser till mitt slutliga arbete (som jag förfinar och skapar digitalt med hjälp av Adobe Illustrator), inte spårbara mallar. Jag brukar bara sitta min sketchbook på min dator skrivbord och redraw den ursprungliga grov, gör justeringar och ändringar, lägger till i färg, skuggning, etc..
Som ett resultat tenderar mina skisser att vara mycket grova och slarviga (det här är en av mina snyggare, tro det eller inte!). Tvärtom tenderar jag att försöka hålla min vektortegning så ren och exakt som möjligt, även när de ser löst och fritt ut. Så det mesta av min tankeprocess och den faktiska konceptualiseringen kommer bra efter den första skissen är född.
Chris Leavens, baserat i Los Angeles, arbetar främst som en illustratör av bisarra varelser och nyckfulla scener. Mer information och bilder finns på hans portfölj, på Flickr eller via Twitter.
Jag tar hänsyn till flera saker innan jag börjar arbeta med en karaktär. Vilken är den här arten för? Vad är åldersgruppen och vem ska det vädja till? Hur och var ska det användas? Alla dessa frågor hjälper mig att bestämma vilken typ av konst jag kommer att behöva producera.
Jag börjar rita ut mina skisser efter att jag har grunderna. Varje projekt är annorlunda, men för det mesta är processen samma. Jag arbetar upp alla mina grova skisser med hjälp av en röd mekanisk penna. Det är här jag gör mina misstag och provar olika saker. Nästa Irefine med en 2mmredlead hållare. Obs! Anledningen till att jag använder rött är helt enkelt för att det är den enklaste färgen att hitta.
När teckningen ser bra ut spårar jag över den med en grafitpenna 2 eller 3b. Det sista steget är att skanna bilden och ta den in i Photoshop där jag använder nyans och mättnadsknapparna för att ta bort alla de grova röda penna linjerna. Denna process sparar mig en enorm tid och gör det möjligt för mig att presentera en bra ren penna till min klient för godkännande innan jag går vidare till finishen.
Jag heter Bob Ostrom. Jag har det bästa jobbet i världen. Jag är konstnär. För de senaste 21 åren har jag gjort alla sorters coola saker ... logotyper, spel, leksaker, design av spannmålspåsar och till och med videospel, men min favorit sak att arbeta på är barnböcker. Du har kanske sett några av mina böcker online, på biblioteket eller i din favoritbokhandel. Kolla in min webbplats eller följ mig på Twitter @ bobostromstudio.
Som med vilken design som helst, börjar jag med att samla referensbilder med hjälp av ett av de mest kraftfulla och användbara verktygen i min samling, som är Google. Tillbaka till dagen före internetkomsten kom alternativet att skura bibliotek och bokhandlar i en dyr, tidskrävande och ofta meningslös uppgift. Internet tillåter mig att göra detta med oändligt mer fart och produktivitet.
Efter att ha samlat mina referenser börjar jag få mina idéer och första skisser på papper, vanligtvis bara med hjälp av billigt kopia papper som jag också använder för min skrivare. Även om jag äger en Wacom grafikkort jag tycker att den här metoden passar mig bäst eftersom den är bärbar och jag hittar enkla pappersark är lättare att organisera mina idéer eftersom jag kan taraa avsnitt från en sida som jag gillar vilket jag är ovillig att göra när med hjälp av en skissplatta.
Jag använder en 0,5 mm mekanisk penna för att rita med HB-ledningar. De som har tjänat och varade mig bäst är Pentel P205 pennor. En av dem har varit med mig sedan collagen och fungerar fortfarande perfekt idag trots att de används och missbrukas av mina två unga söner för sitt eget konstverk. Jag försöker köpa anständigt kvalitetsledning eftersom billiga alternativ ofta ger dåliga resultat.
I de tidiga skedenivåerna har jag en egen mentala kort för känslan av karaktären, som hur grafisk eller illustrerande jag vill att den ska vara och vilka egenskaper jag skulle vilja ha den. Alla mina skisser börjar med enkla former för att bygga formen och kompositionen och det här är scenen där jag försöker få karaktärens känsla. I denna design försöker jag visa Monkey moody, arg sida, men också fånga ett element av reflektion i sina tankar. Typ av efterkrig, inre oro.
När jag har uppnått någonting som jag kommer att tycka om, flyttar jag över till en layoutplatta. Min egen preferens är Goldline A4 layout pads. Dessa är gjorda av halvtransparent (50gsm) papper som är slät att dra på och relativt billigt. De tar också bläck och markörer mycket bra och är perfekta för grafik.
Jag lägger den grova skissen under arket med layoutpapper, och det här är den punkt där jag förfinar skissen och innehåller mer detaljer. kan ofta göra flera visuella, göra revideringar som jag går tills jag är nöjd med resultaten. Det är också den tid jag börjar tänka på hur jag ska konvertera den till vektorer. Det finns dock inget i sten här och saker kan ofta förändras under vektorprocessen och de brukar göra.
Scott Jacksons illustrationsarbete kan ses på iamscotty.com.
Detta är en skiss och slutkonst av Futureboy, en karaktär som jag skapade runt 1997. Den ursprungliga versionen av honom var lite klumpig och komplicerad, så i fjol bestämde jag mig för att uppdatera och förenkla honom. Det var en tid då jag skulle rita otroligt detaljerade skisser. Nu när jag drar mest av min konst digitalt istället för på papper blir mina skisser ojämnare. De är mer som påminnelser att rita något senare, som en "Glöm inte att köpa mjölk" anteckning.
För mig ger en grov skiss mig mer kreativ och spontan när jag gör den slutliga ritningen.
Bob Canadas arbete finns på Flickr och på hans illustrationblogga.
Accentsconagua