Share
Du har tillbringat timmar, möjligen dagar på en illustration. Det här är den enda vektorn du är galen av, men något är inte rätt. Någonting sitter inte bra och du har ingen aning om vad det är. Så länge du vet finns det något fel med din illustration, du är halvvägs där för att förbättra den.
I den här artikeln ska jag berätta om de sju vektorns synder. Synder som du kan vara skyldig till och varför gör du fel. Ännu viktigare, hur man får på rätt väg till vektorgrafik. Jag ska ge dig några exempel på att episk vektor misslyckas, tack vare något av mitt mycket äldre arbete som jag nu kan se tillbaka på och möta handflatan. Den här artikeln kan vara den enda sparken du behöver för att ta ditt jobb till nästa nivå, så låt oss ta itu med det redan!
Låt oss börja med förmodligen det svåraste att fixa. Om du har problem med färger, så är chansen att du behöver några lektioner i färgteori. Att lära sig att balansera färger och använda dem på ett effektivt sätt för att förmedla ditt koncept och känslor är en konst i sig.
När jag talade om balanseringsfärger gick jag igenom en fasad av att lägga slumpmässiga gradienter i bakgrunden av mina porträtt eftersom jag inte visste vilka färger som var så bra med vad. Så jag skulle prova två färger från porträttet (nedanifrån ögonen och ögonskuggan) och fyllde helt enkelt bakgrunden. Självklart var den här metoden inte alltid effektiv och jag skulle hamna i konfliktfärger ... ljusa röda läppar med den bakgrunden? Verkligen? Du kan cringe, men det blir inte sista gången i den här artikeln att du gör det.
Det finns ingen enkel lösning på detta eftersom det kan kräva att du trycker på dig för att ändra hur du närmar dig färg ... Jag borde veta som det har varit något jag har svårt att göra själv. Det finns många tutorials där ute som pratar om färgteori och hur man ansöker om det på ditt hantverk. Till exempel har vi många på Tuts +: färgteori i illustration, färgteori i webbdesign och till och med vår Mobiletuts + -sida är där eftersom de informerar sina läsare med deras introduktion till färgteori. Det är inte något du kan bara läsa en artikel om och det är det, du är årets färgdesignguru. Du måste sätta dessa färdigheter i praktiken för att göra dem perfekta. Det kommer med tiden.
Om du är angelägen och behöver fixa dina färgproblem pronto, så finns det flera sätt att hjälpa dig inom vektor, särskilt i Adobe Illustrator. Jag rekommenderar att du kolla in min artikel om hur du använder Adobe Kuler, som också går över Illustrators färgresurser.
Detta kommer att låta extremt, men vet du hur jag lär mig om balansering av färger? Jag färgar mitt hår ljusa färger. Det tvingar mig att samordna mina kläder, smink och hår. Det är en ytlig sak att göra och säkert, jag älskar att ha ljust rosa hår dessa dagar, men det har tvingat mig att bokstavligen komma ansikte mot ansikte med någonting jag behöver för att lära mig ordentligt och säkert.
Relaterade till färger, men inte strikt något du kan ändra med att lära dig hur du använder dem korrekt. Det här handlar mer om hur vi tittar på olika delar av en illustration. Du har ofta en process för en yta av en illustration och sedan en annan för en annan yta. Dessa processer kan innebära olika sätt att välja de färger du tillämpar på din illustration, eller det kan vara att du har antagit andras process som din egen, vilket inte hade tid att ändra det för att följa den stil du är van vid. Låt mig visa dig ett exempel från mitt förflutna, kanske du kan se vad jag ska påpeka.
Jag förvirrade detta porträtt för omkring 10 år sedan av Alyson Hannigan. Rendering problem åt sidan har detta porträtt problem med kontrast. Jag har inte lagt till tillräckligt med kontrast till huden, men jag har lyckats lägga till kontrast till håret. Du kan tydligt se till höger om porträttet, det finns skugga under hennes hår och det finns skugga vid rötterna och en glans till håret. Men det finns liten kontrast i huden, vilket får henne att se ut som om hon inte har någon näsa och hennes käke saknar definition. Inte mycket smickrande är det?
Kontrollera först dina bildskärmsinställningar, se till att du faktiskt ser kontrasten korrekt. Låter dumt, men det kan spara dig mycket frustration och tid!
Det finns en snabb fix om du har kontrastproblem över hela illustrationen. Du kan lägga en form över hela tavlan, fyll den med färg och spela sedan med Färg Dodge och Färgförbränning Blandningsmetoder, justera sedan Opacitet. Detta kommer att bidra till att justera din kontrast i en fråga om klick.
Med mitt Alyson-porträtt, ser jag tillbaka, kunde jag duplicera formen för hela huden och placera den under ögonen och läppskikten. Jag kunde sedan fylla den med färg och sedan leka med Färg bränna - Färgbränna som ger möjlighet att mörka färgerna. Så låt oss ta en titt på vad detta kan göra.
Eftersom det här är en mycket gammal fil och jag inte längre har den ursprungliga källfilen, kan jag inte gå in och justera det exakt. Men jag har lagt en fyllning av # 156d86 över toppen av hela porträttet och sätta det på Blandningsläge Färgbränning, Opacitet 16%. Detta har fört ut kontrast i ansiktets skuggor.
Vi borde inte förlita oss på snabbkorrigeringar hela tiden och det kan vara ett fall att välja alla former som skapar huden och använder Recolor Artwork för att skapa rätt balans av kontrast. Alternativt, titta på hur du väljer dina färger eller gör varje område. Finns det skillnader i hur du gör det? Om så är fallet, överväga att göra din process konsekvent överallt för att undvika kontrastproblem.
När jag skapar porträtt idag, stöter jag fortfarande på problem med min hudskuggning. Därför är jag säker på att när jag avslutar ett område med hög kontrast, som håret, går jag tillbaka till huden och hjälper till att balansera kontrasten genom att använda gradienter för att tvinga mer skugga och höjdpunkter i områden för att balansera det. Det här kan hända att du händer i mitt porträtthandledning. Det är inget fel med att "avsluta" ett område och sedan återkomma senare för att hålla konsistens hela tiden.
Så efter att ha pratat om kontrast konsistens, låt oss titta på stil konsistens. Du kanske har lagt till för mycket detaljer i ett område och sedan inte tillräckligt med detaljer i ett annat ... resultatet ger dig en inkonsekvent stil och får områden att se ut som om du har kopierat och klistrat in en vektor i en annan.
Detta händer på samma sätt som kontrastproblem ... du kanske har lärt ett område från en källa och inte stämmer överens med din egen stil. Eller kanske du saknar motivation för att göra ett område över ett annat eller till och med, du är inte så säker på att återge det området?
Så låt oss se tillbaka på ett av mina egna ansiktsmallar och se om du kan påpeka stilkonsekvensfrågan här ...
Inkonsekvensen i denna vektor var nog för att Marilyn skulle dra åt slipsen så mycket att hans öga dök ut ur sitt uttag. Ja, jag hade också en Marilyn Manson-fas, men som du kan se är ansiktet "detaljerat" i det som gör stilen, liksom håret ... men det verkar som om jag inte har bestämt mig för att lägga till samma stil i hela ... Jag har även lagt till en liten detalj i handen, men inte tillräckligt för att göra det så klart som detaljerna i ansiktet! Du kan till och med peka på att handen saknar kontrast.
Så varför är det fel? Jag menar att du kan göra en bit som är detaljerad i ett område men inte i resten, men hur det här porträttet ser är halvt färdigt. Jag kunde ha förbättrat det genom att se till att formerna som skapades för de "enkla" områdena var mer raffinerade, vilket gav intrycket av detaljering. Jag kunde ha försökt att göra handen korrekt. Sanning saken är att det här är ett halvt färdigt porträtt och anledningen till att jag inte klarade det är att jag hittade händer svårt och jag hittade att göra kläder tråkigt. Och det visar. smärt~~POS=TRUNC.
Det finns en mängd olika sätt att närma sig den här:
Kolla in min handledning om att upprätthålla en konsekvent stil över en serie vektorporträtt för mer tips.
Stock bilder och referenser är bra ... Jag är en stor fan. Detta beror på att även om jag kan rita behöver jag hjälp från referensbilder. Även om jag inte är lika beroende av dem i dessa dagar (jag avviker ofta från dem och använder dem endast som en guide), för många år sedan brukade jag bokstavligen spåra en lagerbildskurva för kurva, färg för färg och slutresultatet var effektivt en vektorversion av ett fotografi. Det finns inget fel med att använda bilder, bara lära dig hur du använder dem effektivt.
Problemet är, medan en stockbild kan vara en bra guide, kan du hämta artefakter i bilden som är onaturliga eller bilden kanske inte är av hög kvalitet för att du ska kunna hämta de uppgifter du behöver. Den sistnämnda slutar skapa det vi brukar se är blobs of non-descript färg som inte har någon relevans för illustrationen.
Jag är ett försök att falla fel på detta problem ... så låt mig visa dig ett exempel på var jag gjorde fel. Det kan ta ett tag att känna igen, men jag sparkar mig själv för sin dumhet.
Ja, det är de jeansna! Färgblocken har effektivt skapat en suddig blick på kläderna. Bältet har skarpa kanter av färg och i viss utsträckning, så gör ansiktet ... men på grund av att du följer bilden av Kelly Osbourne-formen för form, är linjerna i jeans inte så skarpa som de borde vara. Det finns dock en ännu större vektor synd här. Låt oss se om du märkte det ...
Åh synden! Den bild som jag använde som referens för detta var i gråskala ... och det hade ett vattenmärke av något slag över jeans som präglades i papperet. Jag vectored faktiskt formerna av detta. Ser tillbaka, det var förmodligen numret "35" av någon anledning. Jag cringe så mycket på den här. Jag kommer att förneka det annat än i kommentarfältet i den här artikeln.
Bortsett från att man faktiskt lär sig att dra, kommer den här ner till erfarenhet och en hel del övning. Ännu viktigare, pressar dig själv att gå utöver din komfortzon. Om du vektor varje enskild form kommer du att hämta alla brister i en bild. Att ta sig tid att känna igen mönster och texturer kan hjälpa dig att undvika att jeanavbildningsfrågor låter oss säga, men också hur objekten är konstruerade.
Du har inte alltid den bästa kvaliteten på bilden, speciellt om du gör ett berömt ansikte. Men säkerställer var du kan förvänta dig former och dra dem med självförtroende, oavsett vad referensen säger hjälper dig att ge din illustration ett professionellt utseende.
Från personlig erfarenhet hade jag år av att skapa vektorillustrationer som en hobby och inte betalt för det. Så jag kunde experimentera och leka med porträtten jag gjorde. Det kom till en punkt där jag insåg att jag var kolkopiering av stock bilder och jag fick inte något av det. Så jag lovade mig själv, med varje nytt vektorprojekt som jag började, skulle jag avvika från stockbilden och lägga till något nytt eller ändra det. Härav fick jag självförtroendet för att kunna skapa wacky frisyrer, kläder och ändrade uttryck. Om du inte har förtroende för teckning, tryck på dig själv med varje illustration för att gå utöver vad som är rätt framför dig.
Att kunna göra professionell linjekonst är ingen lätt uppgift. Tydligen glömmer vissa människor att kolla de enklaste sakerna, som gränsbegränsningar och slutar få sina misstag som visas på tv. Jag kan inte titta på denna show på samma sätt någonsin igen ...
John Bishops stand up comedy show i Storbritannien ... med ett tvivelaktigt hörn i det övre vänstra hörnet Miter föreningar, skärande linjer och slagvikt är bara några av de områden du kan behöva ägna mer uppmärksamhet åt. Om du inte gör en skissformad grafik måste du vara uppmärksam på din linjekonst. Att inte spendera tid för att perfekta dessa kommer att göra din konst konst ser slarvig ut, rusade och sänka kvaliteten på ditt arbete avsevärt.
Förutsatt att du inte skapar en skissformad grafik, där det är rörigt, är poängen, det finns några nyckelområden som du måste vara uppmärksam på:
Du kan få några bra tips om att raffinera din linjekonst genom att kolla in min Funky Line Art Portrait tutorial och min tävlingshandledning för Vintage Scooter.
Plattformsutvecklingen är väl över oss och verkar inte sakta ner, men det är inte bara den här stilen som har berodde på smidiga och exakta kurvor. För många illustrationer som beror på ett enkelt och minimalistiskt utseende, är kurvorna ett märke eller en del av designen.
Trots att huvuddelen av mitt arbete har medfört mycket detaljer, hånar Horde-symbolen på den här. De kurvorna ... åh min, de tar ner kvaliteten på detta porträtt.
Ta en närmare titt på symbolernas punkter runt huvudet ... och dess yttre kurvor. Ser snyggt ut, tycker du inte? Tänk dig att du jobbar på ett stycke som bygger på den här stilen hela, inte bara ett element. Det är en vektorbilkrasch som väntar på att hända.
Om du arbetar övervägande med enkla former och minimal design, inte bara i den här plattformstrenden, glöm inte att använda Penverktyg, de Paintbrush Tool eller till och med Penna verktyg. Det är dags att lära av den gamla skolan och bilda dina illustrationer från grundläggande former, raka linjer och effekter. Lär dig hur du använder Offsetväg, Effekt> Warp och Effekt> Förvräng & Transformera. Det är definitivt dags att bli bekant med Stigfinnare panelen medan du är på den.
Dessa grundläggande verktyg och effekter kommer att göra vad det står på tennet, det kommer att behålla dessa linjer och former grundläggande. Penverktyget (och andra) är inte korrekt när du skapar de former du letar efter och noggrannhet är nyckeln till att skapa smidiga kurvor.
Om du går in i denna stil rekommenderar jag starkt handledning av Vectortuts + författare Andrei Marius. Han är en högkvalificerad vektorartist och skapar majoriteten av hans mönster utan att använda Pen Tool. Detta innebär att han är beroende av att använda de nyckelverktyg som behövs för att skapa smidiga kurvor. Ett bra exempel på att "göra det rätt" skulle vara hans fantastiska handledning om att skapa en detaljerad tändare utan att använda Pen Tool.
Varje gång en vektorkonstnär använder Spara som ... för att skapa en JPG, förlorar en ankarpunkt sina handtagsfält. Jag har sett mycket på min tid och jag är tacksam att det här inte är en av de saker jag har fallit i. Du har gått igenom all denna ansträngning för att få din vektorkonst att bli fantastisk, i själva verket misslyckas du inte med någon av de sex andra vektorsynden, men du faller vid den sista hindren. Jag har sett människor som till och med har gått så långt som skärmdumpar på sitt arbete och klistrar in det i Adobe Photoshop och sparar det där, bara så att de får den upplösning de vill ha. Jag skämtar inte.
Varför är det så dåligt? Tja, hur Adobe Illustrator visar ditt arbete i realtid, är inte nödvändigt hur det kommer att visas när du sparar det på rätt sätt och i den upplösning du behöver. Det här är speciellt så när du använder linjekonst, raster levande effekter och gradientmaskor. Om du inte sparar dina webbbildfiler på rätt sätt, går all den tid du har spenderat på att skapa den perfekta vektorgraden ner i avloppet.
Det finns bara ett sätt ... använd Arkiv> Spara för webb och enheter (eller Spara för webben i senare versioner). Om du använder Adobe Illustrator CS4 och bortom, använder du dessutom din Artboard Tool (Skift + O) effektivt som ett beskärningsverktyg och definiera området för din komposition. Då kan du ange dina resolutioner när du sparar på webben Höjd bredd och Clip till Artboard att bara spara inom det området ... Simples!
Det finns en sak som vi alla har gemensamt och det är vi var alla nybörjare på en punkt i våra vektor liv. Det är inte förrän vi gjorde dessa misstag och lärde oss av dem att vi visste rätt riktning att följa. Det har tagit mig över ett decennium för att komma till där jag är nu och ibland faller jag en foul mot en av synderna, men genom att vara medveten om dem kan jag förhindra dem från att se dagens ljus.
Slå inte upp dig själv och kom ihåg att reglerna är gjorda för att vara trasiga. Du kommer att förbättra dig om du har en passion för vad du än gör och du blir bättre. Utan tvekan om du fortsätter att följa det fantastiska innehållet här på Tuts +, kommer du dit snabbare och kanske kan visa oss en sak eller två!
Förhandsgranskningsbilden har skapats med hjälp av en Tuts + Premium Pack: Devil Heads.
Accentsconagua