Share
Vad du ska skapaI dagens handledning ska jag visa dig hur man skapar en skalle med en blomsterkrona med bläckfodrar. En liner liknar en gel- eller kapillärpenna, men medan pennorna är ungefär lika stora har linjerna ett mycket brett spektrum av bredder (från 0,02 mm upp till 1 mm och mer).
Ritning med liners liknar teckning med bläck och spets, men det finns några viktiga skillnader. Till exempel är det omöjligt att tjocka linjens linje med mer tryck som du kan med en spets. En stor fördel med att använda liners är dock deras bekvämlighet. Du kan ta ett fodral med dig och rita dig var du än är, och det finns ingen chans att få en svart bläckpunkt på din kläd eller arbetsyta.
Jag måste bekänna, jag älskar att dra på skalar. Det är extremt användbart för att förstå grundläggande anatomi och skapa realistiska porträtt. Förutom den bokstavliga meningen är en kran också en vanlig symbol. Alla ser något personligt i en skallebild. För mig är det ett tecken på förnyelse, den olösliga förbindelsen med natur och universum, en slags påminnelse att värdesätta varje ögonblick av ditt liv.
För det första, om du inte har en tydlig bild av vilka kranier som är, kan du börja din forskning genom att surfa på Google Images, Pinterest eller andra bra ställen med stor mängd grafisk information.
Skallen för denna handledning är ganska realistisk, men jag har lämnat en liten nyans av stylisering. Jag har stor erfarenhet av att dra skalle i olika förkortade synpunkter, så jag gör ett försök att förklara hur man ritar en skalle skiss från början. Självklart kan du använda en riktig skallemodell från ett foto. Om du bestämmer dig för att använda ett bildskott uppmuntrar jag dig att få en du har laglig tillåtelse att använda.
Jag rekommenderar att du använder en F eller HB (kanske B, om du är ett fan av mjuka linjer som jag) pennan för denna handledning, för att de inte är så mörka på papperet. Mjukare pennor (2B och vidare) föreslås ofta för skiss och grafik, men vi har inte en självständig pennaillustration här, utan snarare en skiss för framtida färgning. Mjuka penna märken är också svårare att radera.
Storleken på papper är upp till dig; Jag använder A4 storlek för denna handledning. Vissa artister känner sig mer bekväma med stora format, vissa med små. Men kom ihåg att bläck (och bläckfibrer som en del av den här tekniken) inte är så snabb att dra med.
Det bästa sättet att få en jämn och proportionell skiss är att börja med en central linje som kommer att dela vår framtida skalle i hälften. Det är också bra att börja med att beskriva skallens botten och övre gränser. Vi behöver här två topplinjer - en där skallen slutar, och en annan där kronan slutar.
Låt oss analysera skalleproportioner. Jag valde en skalle utan käft (underkäke) och tänder för denna handledning, eftersom den övergripande kompositionen med blomkronan på skallehuvudet blir mer balanserad, och jag får mer betraktare på detaljerna längst upp på bilden, där rosor är.
Hösten på skallen (utan nedre käften) är något större än bredden och frontbenet (pannan) är ungefär hälften av skallen. Höjden på ögonkontakterna handlar om näshinnans höjd. Övre käften bildar en kompakt konstruktion under den stora formen på skallens huvudkropp. Försök att tänka i enkla geometriska former - huvudmålet i början är att få en tydlig allmän bild.
Kom ihåg att din skiss inte behöver vara helt jämn. En skalle är också ett naturligt föremål, och naturen har inget som helst ideal. Om du har några tvivel om dina former, mäta proportioner med hjälp av den centrala linjen.
Sedan raffinerar jag detaljer om skallen och lägger till temporära benformer och käftdetaljer.
Låt oss överväga att dra blommorna. Jag föredrar att skildra rosor, eftersom de är en vanlig symbol för naturlig skönhet och liv. Du kan naturligtvis dra några blommor du gillar. Jag ska visa dig ett enkelt sätt att rita en ros.
Om vi försöker att bilda den allmänna formen på en ros kommer det sannolikt att vara en oval eller en cirkel. Jag ritar en rund kontur, så snart blomman dyker upp. Och jag lägger till ett par improviserade trianglar för framtida små löv som syns bakom knoppen.
Antag att mitten av blomman är närmare toppen av formen. Det känns som om vi tittar på det från ovan, med hänsyn till det korta avståndet mellan objektet och en tittare. Alla kronblad växer runt blommans centrum, vilket gör en naturlig flerskiktsform. Jag använder enkla rundade linjer placerade i den tidigare ritade cirkeln för att markera varje kronblad. Du kan radera eventuella överskjutande penna streck och lägga till nya (eller förtjocka redan befintliga) - den här skissen är din konstnärlig forskning.
Kronblad bildar djup, vilket kommer att vara skuggigt. Det är mycket användbart att föreställa sig var de mörkaste områdena är. Detta steg är mer för din referens än för att skriva en kopia, eftersom jag kommer att radera dessa skuggor i nästa steg. Linjen i den ursprungliga cirkelformen raderas redan, för enkelhetssynpunkt av visuell uppfattning.
Blommor och rosor i synnerhet är ofta mycket känsliga, och deras kronblad har vackra kurvor. Jag lägger till lite spontanitet och vågighet mot kronbladet. Löv har små kanter och jags också.
Låt oss överväga hur ljuset sprider sig på blomman. Det kommer definitivt att finnas några mörka, intensiva skuggor (djup mellan kronblad, kastade skuggor). De platser där varje kronblad böjer sig nedåt kommer också att vara skuggigt, men de kommer inte vara lika mörka som de föregående kategorin. Den ljusaste delen av en kronblad ligger mellan de mörkare delarna, eftersom det är en plats där kronbladet böjer och kurvor. Detta är bara en enkel förhandsgranskning av detta koncept.
Nu är det dags att tillämpa vår kunskap på skalleteckning och markera platsen för den framtida kronan av rosor. Jag ritar bara en cirkel där varje blomma kommer att vara.
Hur ser blommorna ut? Kommer de ha fler kronblad eller färre? Vad sägs om löv eller kvistar? Det är upp till dig nu. Om du inte vill rita rosor kan du välja en annan typ av blomma.
Låt oss tänka på skuggor. Antag att ljuset kommer från framsidan av skallen. Accent skuggar med kläckning, medan du lämnar ljuset orörda. Grafik bygger på ljus och skugga (värde), så kontrast är det bästa sättet att uppnå ett imponerande resultat och visa objektets volym och djup. Denna skiss kommer att vara användbar inom en snar framtid, när jag kommer att bläcka den.
Använd ett ljusbord eller ett fönsterglas under dagen och spåra skissens skiss på en ren bit kopipapir. Jag försöker att dra ljusa och korrekta konturlinjer, eftersom ju mindre du raderar några rader på papperet, desto bättre blir utseendet på den slutliga bilden du får. Det är särskilt viktigt att gnugga penna linjerna noggrant när vissa bläckstrålar är på toppen, eftersom du enkelt kan radera bläckteckning, speciellt om bläcket på ditt fodrar inte är resistent.
Låt oss lägga på skallen till sidan för ett ögonblick, och uppmärksamma några användbara övningar. Jag rekommenderar starkt att göra uppvärmning innan du bläddrar i ditt konstverk. Om du bara spenderar flera minuter på detta kommer din kläckning att vara mer självsäker och flytande. Bläcktekniken är komplex eftersom du inte har någon ångrad-knapp, så förberedelsen är väldigt viktig.
Jag har ritat några kläckande exempel. Försök att göra några uppsättningar parallella linjer, kryssa dem i olika riktningar och lägg till prickar. Låt din hand bara rita och observera effekterna du får.
Dots är också ett mycket kraftfullt instrument i en konstnärs händer. Små prickar gör att en ritning verkar mer känslig och sofistikerad, och de är också bra för suddiga effekter. Större prickar är utmärkta för skuggor. Ibland är dotwork det bästa sättet att skapa en detaljerad textur av ett objekt, men den här metoden är tidskrävande. En kombination av olika prickar gör att du kan uppnå komplexa effekter och en mycket smidig övergång av toner.
Jag föredrar en blandad teknik, kläckning plus prickar, eftersom prickar ger mig konsistens och smidiga toner och kläckning gör det möjligt för mig att uppnå skarpa kanter och ett detaljerat utseende. Det finns ingen rätt eller fel sätt att skapa din bläckteckning - alla regler är flexibla och relativa. Du är konstnären och du fattar besluten. Jag tycker att miljöövervakning och försök att föreställa sig allt som en bläckteckning är ett mycket användbart sinneövning.
Jag använder a 0,3 mm liner till bläck en kontur. Detta är inte en kontinuerlig typ av linje-det är ganska intermittent. Jag fyller luckorna senare om det är konstnärlig nödvändighet. Nu är det bra som det är - den här typen kommer att se väldigt levande ut när ritningen är klar.
Sedan lägger jag till prickar med a 0,1 mm liner till de skuggade platserna. Du kan referera till din nyligen skapade penna skiss för att hitta alla de mörka områdena.
Nästa steg är att förfina pricken med 0,05 mm liner punkter. En kombination av större och mindre prickar kan vara mycket imponerande.
Att lägga en liten luktning till prickarbetet gör skuggorna djupare och mer invecklade. Jag applicerar två lager av korsluckning en över en annan med min favorit 0,03 mm liner. På bilden nedan kan du jämföra ögonkontakterna på skalle-en har bara ett lager av kläckning hittills och den andra har två. Ju mer kläckning du skapar desto mörkare och djupare blir det.
Fortsätt med detaljerad kläckning (0,03 och 0,05 mm liners). Något känsligt punktarbete är också lämpligt. Jag försöker lämna ljusa områden orörda eller bara lägga till små och tunna prickar.
En skalle är inte helt slät, den har små sprickor och nyanser. Låt oss lägga till dem.
Nu använder jag en ganska tjock liner (0,5 mm) och skapa en kontur av skallen, blommorna och alla detaljer som ska stå ut, ovanpå den befintliga konturen. Dessutom lägger jag till bredden på de skuggor som ligger i ögonkontakterna och näsöppningen. Tricket här tillåter viss flyt i din linje och markerar bara de mörkaste platserna.
Att släta den tjocka 0,5 mm rader, lägger jag till några tillägg med 0,2 mm liner. Också ett lager av prickar och luckor. Olika bredder är vår bästa vän!
Som jag nämnde tidigare är en skalle inte en idealisk slät och sömlös form. Jag lägger till flera sömmar till näsan och templet.
Antag att du skulle vilja ha ditt konstverk i digital form, inte bara ett foto utan en kontrastbild med hög upplösning som du kan använda på olika sätt, till exempel utskrift på en T-shirt eller lägga till din portfölj. Det bästa sättet att uppnå det är att skanna ritningen med en digital scanner.
Jag föredrar att använda högupplösning, 300 dpi (eller möjligen 600 dpi-för en liten bild kan det vara så användbart ibland). Om din skanner låter dig skapa en förhandsgranskning av bilden, försök att justera dina inställningar för att uppnå det bästa resultatet du kan få. Jag använde -35 ljusstyrka medan du skannar det här konstverket, eftersom min skanner är benägen att göra bilder för ljusa och några viktiga detaljer går förlorade. För denna typ av konstverk är svartvitt läge ett utmärkt val.
Öppna filen i Adobe Photoshop. Nu ska vi förfoga över all smuts, slumpmässiga efterföljande fläckar och penna skissmärken. Gå till Bild> justeringar > Ljuskontrast och få det mest balanserade resultatet du kan uppnå. Vita papperszoner borde vara väldigt vita om du inte vill få en lite rörig grå vy.
Jag valde en vanlig hård rund borste av vit färg och rengjorde vissa områden manuellt. Jag föredrar att rengöra allt väldigt noggrant, och om det finns några ojämna och krossade prickar eller luckor, som i exemplet nedan, målar jag dem. Det är också möjligt att använda Magic Wand Tool (W) för att hitta några svarta punkter som gömmer sig utanför ritningen och bli av med dem.
Jag hoppas att du har hittat handledningen och haft en sketching och ritningsprocess! Om du har några frågor eller till och med handledning temat förslag, informera mig mig i kommentarerna. Tack för din uppmärksamhet!
Accentsconagua