Share
En MIDI-orkester är inte en riktig orkester. Det kanske inte låter väldigt bra: du vet att MIDI inte är ersättare för makt och mänsklighet hos riktiga musiker. Men det verkar som att trots denna verklighet slösar många människor sin tid på att försöka tvinga sin musik att låta som "verklig" som möjligt genom att besegra nyansen av varje enskild anteckning och slå.
Även om dessa oändliga tweaks kan resultera i slutresultat, tar det bara en handfull enkla tekniker för att ta itu med de vanligaste problemen som gör MIDI-ljudet så artificiellt. Om du använder Pareto 80/20-principen kan du hävda att 80% av hur bra din musik låter kommer från 20% av de tekniker du använder, så är det bara meningsfullt att vi ska fokusera på de 20% som kommer att göra en verklig skillnad.
Jag har funnit att de två viktigaste sakerna som kan ge din musik till liv är dynamik och variation. Dynamik är andan och själen i din musik, medan variationer gör att lyssnaren är fascinerad. En bra användning av dynamiken gör att din MIDI-sekvens låter som mindre av en maskin. En riktig balans av variation kommer att hålla din lyssnare alert och intresserad av musiken, så att de inte kommer att bli så inslagna i om ditt engelska horn låter syntetiseras eller inte.
Antalet sätt att förbättra en MIDI-sekvens är att få så mycket körsträcka som möjligt ur dynamiken. Dynamik refererar till volymen av en anteckning, och kan närma sig från en mikronot på notisskala eller som en översikt över hela din bit. Detta inkluderar allt från en lugn vers vs. en hög kör, dramatiska crescendos och decrescendos, subtila hastighetshastigheter i en enda passage och accenter och artikuleringar.
Det mest exakta sättet att spela med dynamiken i din sekvens är genom nothastighet.
Det enklaste sättet att visa variationer i hastighet är med korta, skarpa ljud. I det här exemplet, ett kort utdrag från Scott Joplins magnetiska raka, använder vi pizzicato strängar. Här är de första två fraserna utan variationer i hastigheten:
Det är inte dåligt, men det är lite styvt. Det kan gå, men jag tror att vi kan göra det mer musikaliskt. Genom att använda hastighet kan vi lägga till lite subtilt liv i det. Vi startar den första frasen mycket tyst och bygger upp den i intensitet, accenting den höga plucken i slutet av frasen innan vi släpper ner igen för att bygga igen.
Skillnaden kan inte vara natt och dag, men det finns nu ett visst element av spänning som inte var där förut. Strängarna känner att de snubblar runt först innan de höga pluckarna gör ett ljust uttalande, sedan tillbaka till att smyga igen. Om du tillämpar denna subtilitet över hela din komposition hittar du att det blir mycket mer livligt och intressant.
Slagverk är en annan sektion som drabbar stor nytta av hastighetsjusteringar. MIDI-perkussionsinstrument kan lätt bli offer för "maskinpistol-effekten", där upprepade noteringar av samma prov börjar känna mekaniska och slipande snarare än musikaliska. Justeringshastigheten kan hjälpa till att minska maskinpistolens effekt, vilket visas i det här enkla exemplet på en snara trumma passage:
Det låter ganska falskt, men allt vi behöver göra för att injicera lite liv och kul i delen är att lägga accenter och dynamik med hastighet. Här är ljudet av en mycket mer intressant snare del, med samma mönster som tidigare men spicing upp nothastigheten:
Det låter som en mycket övertygande snare del och känns mer som en riktig person kunde spela det. Samma princip gäller inte bara en konstant linje som den här snare trumman, utan även subtila variationer över alla dina slagverksdelar. Om du använder samma cymbalprov varje 8 bar, det minsta du kan göra för att ändra det är att variera hastigheten varje gång den kraschar.
Ett annat populärt sätt att använda hastighet för att undvika att låta som en maskin är att "humanisera". Detta är en speciellt användbar funktion om du inte är för stark en tangentbordsspelare och brukar sluta behöva rita eller skriva i din musikaliska linjebrev med anteckning. I Logic Pro kan du komma åt humaniseringsverktyget via fönstret Piano Roll, under menyn Funktioner.
Humanize kommer slumpmässigt att justera positionen, hastigheten och längderna på alla anteckningar du har valt med de belopp du väljer (standardvärdena är 10 för alla parametrar). Välj de anteckningar du vill humanisera och välj "Använd endast" för att tillämpa funktionen och se vilken typ av resultat du får.
Låt oss titta på vår pizzicato avsnitt igen. För att överdriva effekten skickar jag våra värden till 25 procent istället för den mindre effektiva 10. Det är svårt att skilja, men om du lyssnar noga märker du att den humaniserade versionen känns lite lösare och mer varierad. Humanize är en annan subtil teknik som bara ger en extra touch av livet.
Vår raka pizzicato-sektion:
Den humaniserade pizzicato sektionen:
Modulation är ett användbart verktyg för att automatisera ett MIDI-instruments uttrycksförmåga. Den är särskilt användbar för instrument med långa anteckningar, så att du kan styra anteckningen och hur den talar. Modulering är en standardparameter på många mjukvaruinstrument idag, ofta används för att styra volymen, filtrera eller överfalla från ett prov till en annan.
För att komma åt modulering i Logic Pro: öppna ett Piano Roll-fönster, klicka på Hyper Draw-knappen längst ned till vänster och klicka sedan på den lilla triangeln för att välja kontrolltypstyp. Välj modulering och vi är bra att gå.
Låt oss ta en titt på en grundläggande men vanlig användning av modulering. Med hjälp av en långsträngad patch, här är några ackord spelade utan justering för modulering:
För den enklaste demonstrationen tar vi moduleringen från 0 till 127 över de två första staplarna, och sedan tillbaka från 127 till 0 över de två sista staplarna. Effekten är en crescendo upp till G majoren och decrescendo tillbaka ner. På detta speciella instrument (Sonic Implants Full Strings) är moduleringen inställd på crossfade-prover, så medan vi börjar med ett pianissimo-prov, kommer moduleringen att blekna oss upp till ett fortissimo-prov.
Det är mer uttrycksfullt, men fortfarande lite konstigt ljudande. Låt oss spela med moduleringen ännu mer för att göra det mer intressant.
Den här gången har vi använt kurvor för att göra förändringarna mycket mer dramatiska och spännande. Strängarna känner nu att de stiger upp i G-huvudkordet och sedan släpper av plötsligt innan de smälter ut smidigt.
Kanske är det mest uppenbara sättet att styra dynamiken genom att automatisera volymen. Även om modulering är effektiv för att styra ljudet av ett instrument, är volymen mer användbar som en övergripande styrning av ljudstyrkan. Jag brukar använda volymen för att inte bara balansera ett instrument mot andra i en mix, utan också för att styra mer globala förändringar, som t.ex. en blekning in eller ut. Används i samband med modulering kan det vara ett mycket uttrycksfullt verktyg.
Genom att använda vår långa strängpassage som ett exempel, automatiserar jag volymen för att få ännu mer dynamisk bredd.
Eftersom moduleringen kontrollerar det mesta av vad jag vill ha ur ljudet, använder jag volymen mer som en bred stroke för att ge den den extra pushen. Ett annat liknande verktyg är Expression controller, men jag brukar inte använda den. Efter att ha kört in i många instrument som inte är uppbyggda för att fungera med Expression, har jag funnit det lättare att förlita sig på volym som ett verktyg som kommer att fungera på något instrument.
Som jag diskuterade tidigare när jag talade om hastighet är MIDI-faktheten mest synlig när noterna upprepas. Fastän hastighet är ett sätt att ta itu med detta problem kan du hjälpa till att hålla sakerna intressanta genom att ändra olika sorters andra element som tonhöjd eller färg.
Tänk på detta exempel på en sträng ostinato. Att spela samma not på samma prov om och om igen, det handlar om så ful som det kan hända. Här har vi "maskinpistolseffekt" för att känna att vi ständigt attackeras av en fast maskin.
Det här är MIDI i värsta fall! Strax kan vi börja ta itu med problemet genom att ändra hastigheten så att varje anteckning känner åtminstone en annan touch. Jag har strängarna crescendo och decrescendo för en stigande och fallande effekt.
Låt oss nu ta det ett steg längre och variera tonhöjden. Här har jag linjen alternerande mellan en D och A nedanför den, vilket inte bara befriar oss från den fruktade maskingevärmen, men ger också linjen en mer rörelsefrihet.
Nu kommer jag att ändra banan ännu mer genom att lägga till en klättring och fallande D E F E linje i toppdelen. Detta gör strängdelen mycket mer intressant att lyssna på, men det är fortfarande inte alltför distraherande eller prickigt för vad som helst du kanske vill lägga över det. Observera också effekten av att ändra tonhöjden så ofta: ju mindre du hör en MIDI-anteckning upprepad, desto mindre kan ditt öra associera upprepningen som identisk med den innan den.
Till sist lägger vi till en extra färg. Vi håller noterna och rytmerna exakt desamma, men genom att lägga en kontrasterande färg kommer det att hålla vårt öra distraherat och ge en ytterligare känsla av rikedom. Jag använder en vibrafon som den andra färgen, eftersom den mjuka och tråkiga attacken är helt unik från de skarpa och ljusa strängarna. Resultatet är ett mer komplext ljud, vilket hjälper till att distrahera vår uppmärksamhet från vad som annars skulle vara mycket utsatta MIDI-strängar.
Ett annat sätt att du kan hålla en upprepad bild intressant och varierad är att byta ut en viss aspekt av det, till exempel att ändra registret eller instrumentet som det spelas på. Låt oss ta en titt på ett annat exempel på en ostinatfigur som upprepas.
I det här exemplet har vi redan en något komplicerad figur med strängar, vibbar och en snare. Vi använder modulering och volym för att ge strängarna och snara en känsla av svullnad och hastighet för att styra dynamiken hos vibbarna. Sammantaget har vi redan ett ganska uttrycksfullt två måttmönster här. Problemet är, för tredje gången vi hör det, börjar vi redan bli uttråkad. Med några väldigt små förändringar kan vi göra det här mycket mer intressant och musikaliskt.
Jag ska bara göra två ändringar. Varje annan stapel ska jag ha strängarna spela tre oktaver högre och jag tar ut snaren. Det låter inte så mycket, men lyssna på hur mycket mer intressant detta är:
Det finns verkligen inga nya anteckningar eller idéer alls, bara en variation på vad som redan finns. Men vi har lyckats göra det intressantare och lyckades med åtta sekunder av musik till sexton. Filmkomponenter: kom ihåg denna teknik nästa gång du behöver effektivt vampa över en scen!
Bara för att köra hem punkten ännu mer, jag gör en liten förändring för de kommande fyra staplarna. Jag tar allt upp en mindre tredjedel. Det är den enda skillnaden, men nu har vi fördubblat längden på vår musik igen!
En enda musikalisk idé har en oändlig potential för variation (Beethovens femtedelar öppnar sig i minnet). Med bara en eller två förändringar kan dina idéer utvecklas och bli mycket mer intressant.
Jag ska erkänna att det talar om att använda levande musiker i en artikel om MIDI är lite av en polis, men det är någonting absolut värt att överväga. Detta är en av de tips som ofta är enklare sagt än gjort, men även den minsta beröringen av ett live-instrument kan lägga till animering i din sekvens. Det enklaste sättet att göra det själv är med slagverk. Jag har alltid en tamburin och skakare till hands, och om det finns någonsin ett avsnitt i ett spår jag jobbar med ett spår eller en hel del framåtrikande rytm lägger jag till ett subtilt lager under allt med ett av dessa instrument. Det faktum att min prestation aldrig kan vara perfekt, med liten skillnad i hela med volym och timing, är exakt vad som tillägger att mänsklig beröring som är mer känd än hört.
Mest sannolikt spelar de flesta av dig redan gitarr eller bas, och om du inte gör det är det dags att seriöst överväga att lära sig grunderna och bli tillräckligt skickliga för att spela enkla delar. MIDI gitarr är en av de fulaste sakerna där ute, och att kunna spela dina egna delar kan göra upplevelsen att skriva ditt spår roligare men också lägga till livet. MIDI-bas är ofta inte så dålig eller märkbar, men om du har chans att spela dina egna delar är det återigen de subtila och oundvikliga mänskliga fel som kan göra stor skillnad i hur frisk din musik låter.
Svårare att uppnå, men med lika stor nytta, är att hitta musiker och sångare att utföra på dina spår. Även en liveflöjtsolo med MIDI-bakgrund kan låta bra, med det uttrycksfulla live-featuredinstrumentet som drar majoriteten av lyssnarens uppmärksamhet. Också användbart för att lägga värme på ett kallt MIDI-spår är att söka dina syntsträngar med livesträngspelare. En eller två tar en levande violin blandad med en MIDI-strängsektion kan göra hela stycket mer påtagligt och verkligt.
MIDI är inte en ersättning för levande musiker och gör allt du kan för att införliva så många riktiga spelare som möjligt kommer att göra en stor skillnad i det totala livet på din bit.
Den sista och förmodligen viktigaste du kan göra är att se till att du inte förlorar perspektivet. Efter att ha lyssnat på samma sekvens i timmar i slutändan kunde dina utmattade öron och sinne säkert övertyga dig om att nästan allt lät bra. Ge dina öron en vila och ta en stund bort från din sång så att när du kommer tillbaka till det kommer du att få en ny lyssning och ett mer realistiskt intryck av vad din bit verkligen låter som.
Det är väldigt lätt att övertyga dig själv, något som låter bra för att du blir fast i vad det är "tänkt" att låta som. I ditt huvud föreställer du dig att strängarna är fulla och frodiga och din fantasi kan snabbt börja kompensera för saker som saknas i den riktiga musiken. Se till att du håller dig fristående för alltid att vara medveten om vad din MIDI-sekvens är faktiskt låter som. Det kan hjälpa till att lyssna på några av dina favoritinspelningar i en liknande stil, bakåt och bakåt med din bit.
Om du tillämpar dessa grundläggande idéer på dina sekvenser kan du börja ta dina kompositioner från att låta som syntetiserad muzak till levande och uttrycksfull musik.
Accentsconagua