Share
När det gäller MIDI-orkestration är strängavsnittet förmodligen det svåraste att emulera. Det beror på att det, trots att strängarna antagligen är en av de mest homogena sektionerna i orkestern, har det några egenskaper som är extremt svåra att producera via prover.
Först och främst är strängarna böjda instrument. Det betyder att musikerna använder en båge för att producera tonerna. Bågen kan flyttas antingen upp eller ner och detta skapar en annan aspekt av ljudet. För det andra är spelarna alltid lite oroliga, mestadels i början av noten - speciellt när de byter positioner väldigt snabbt och därför producerar en slurton. Och sist men inte minst kan en violinspelare spela en enda ton på olika strängar och skapa därför ett visst ljud. Om du tittar på olika typer av klassiska poäng kan du se att kompositören avsiktligt skrev "Sul D" ovanpå violinsektionssolen. Detta kan skapa en specifik effekt eller betona viss känsla.
Som du antagligen har gett, går det mesta av arbetet med MIDI-orkestration för strängmelodier. Så hur exakt kan vi fånga det unika ljudet? Är det möjligt att få den violinmelodin låta så perfekt som det skulle låta när man spelade live? Enligt min mening kan datorer fortfarande inte ersätta den faktiska känslan att strängarna kan ge oss. Det tar mycket tid och arbete för att få saker att låta exakt - och även då är det bara inte rätt! Jag vill öppna en konsol här och jag vill berätta att jag inte har de ekonomiska resurserna för att prova de dyraste orkesterbiblioteken där ute - till exempel LASS och EWQL Hollywood Strings. Jag är säker på att de kommer att bli mycket lättare att hantera när det gäller strängmelodier.
Så innan vi fortsätter till själva handledningen skulle jag vilja erbjuda dig några saker som du bör överväga, observera och titta på.
Gå till klassiska konserter. Jag vet att några av er skulle hata den specifika frasen, men i klassisk musik kan du observera hur kompositörer använde strängavsnittet, vilka typer av artikuleringar de använde och hur musikerna spelade dem. Försök att svara på frågor som "Hur uppnår du pizzicato-effekten?", "Hur ofta byter spelarna sina böjningsriktningar?" Etc.
Lyssna på klassisk musik och analysera. Du kan inte märka visuellt när spelarna byter bågar, men du kan höra vad strängarna låter som. Till exempel lyssna på Paganinis "La Campanella" - först och främst lyssna på solo fiolen och sedan till backing strängarna. Föreställ dig hur exakt du kan uppnå det legato-ljudet i dina orkestrationer.
Och min sista råd skulle vara att köpa några orkesterresultat och att titta igenom alla artikuleringar och melodier som ingår i poängen. Jag föreslår Maurice Ravels orkestrering av Mussorgskys "Bilder av en utställning". Titta noga på legato linjer, accenter och så vidare. När du har lyssnat på en hel del klassisk musik, försök att göra några mock-ups av klassiska bitar och jämför alltid ditt arbete med originalet. Du kan ta melodin av Sergei Prokofievs "Montagues and Capulets" från "Romeo and Juliet" och försök fånga den känslan via prov.
Noga att prata för nu - låt oss ta huvuddelen av handledningen - skapa en bra melodi i strängar som kan låta realistiska. Jag ska försöka förklara några tips och tricks för att uppnå det.
Detta är den melodi vi ska använda. Som du kan höra har jag laddat en enda violinplåster från min EastWest Quantum Leap Symphonic Orchestra (det faktiska patchnamnet är 18V QLeg). Jag har lagt en liten harmonisk förändring i pianoet för dig bara för att få en uppfattning om musiken.
Vi ska göra en legatlinje den här gången (i ett tidigare snabbtips visade jag några idéer om att använda korta artikuleringar, som staccato eller pizzicato).
Okej, vi har en melodi som inte låter övertygande alls. Om vi går tillbaka till början av handledningen kan vi se att det finns dessa specifika när man spelar ett stränginstrument - bågriktning, position och liten avstängning i början (från tid till annan, inte på varje anteckning).
Det finns också andra egenskaper - starttoner skulle ha en lång attack, några av de mellersta tonerna skulle ha mindre vibrato än de andra. Därför laddar jag andra prover - en för en början (något med en långsam attack), något med en vibrato och något lyriskt (eftersom vår melodi är den kärleksfulla). Kom bara ihåg att allt måste vara från den exakta plåstret - det betyder att du inte får använda en ton en 18-violin-lapp och för en annan ton - en 11-violin-lapp.
Jag har laddat dessa fläckar:
Jag har delat några av tonerna till olika lappar. Lyssna nu på den här demo och hör hur annorlunda vår violinsektion lyder nu.
Nu kommer en av de svåraste och irriterande sakerna - notera redigering. Vi måste se till att 1) våra fioler inte låter platta och jämn, 2) alla tonövergångar är flytande och subtila, och 3) melodin blir en hel musikalisk mening.
I min DAW har jag möjlighet att gruppera olika kanaler och redigera dem tillsammans; om du inte kan använda ett sådant verktyg så tar det lite tid, men är säker på det - det blir inte meningslöst.
Jag börjar med hastighetsändringar. Jag vill ha mest övergång mellan tonerna för att vara smidig. Jag skulle också vilja göra en legato känsla av musiken, så jag skulle göra små överlappningar av anteckningar för hand. Observera att jag inte kommer att använda det inbyggda "legato" -skriptet, som finns i EWQL SO.
Volym- och expressionskurvor kan hjälpa dig att uppnå det flytande ljudet av en strängsektion. Du kan ändra volymen på ett sådant sätt att ditt prov slutar vara platt och tråkigt och kommer att ha lite tecken.
Skillnaden mellan volym och uttryck är att uttryckets gränser beror på volymkontrollern. Det betyder att uttrycksregulatorn kan vara mycket exakt, speciellt när det gäller små dynamiska förändringar. För att illustrera detta uttalande med siffror kan du komma ihåg det här: Om volymen är maximal (127), kan uttrycket variera från 1 till 127. Om volymen är omkring 73, varierar uttrycket fortfarande från 1 till 127. Det betyder att med uttryck kan du lägga till mycket subtila förändringar inom ditt volymområde.
Låt oss undersöka problemen i den senaste demo: 1) Våra sista anteckningar är väldigt jämn och 2) Visst låter 18 Violin Qleg-patchen aweful på det sätt jag gjorde. Jag ska försöka redigera några kurvor och vi kommer se vad som händer nästa.
Först redigerade jag Qleg Patch, eftersom den presenterade de flesta problemen i vår melodi. En intressant sak är att jag publicerade några av uttrycksanteckningarna med Qleg-patchen och vände noterna ner snabbt via volymkurvan.
Redigeringshöjd kan vara antingen körsbäret ovanpå din musikaliska tårta eller den fullständiga katastrofen av allt vi gjort hittills. Först och främst, kom ihåg att i vårt fall "18v Qleg" betyder att 18 violinspelare har spelat legatoner i en förstklassig studio. Det betyder definitivt att vi kommer att ha några mycket subtila avstämningsskillnader.
Men bortsett från det kan vi använda några små tonkurvbyten i vår melodi - speciellt när det hoppar till G och Ab, för om vi föreställer oss musikerna kommer de att flytta sin hand på strängarna och därför skapa en subtil "slurred effekt". Vi gör det på båda sätten - med hjälp av tonhöjd och portamento (portamento betyder att musiken gör en snabb glid från en ton till en annan).
Den nya East West-motorn, PLAY, har sitt eget Portamento-skript som kan utlösas via CC # 65-styrenheten.
En av de bästa böcker jag har läst om ämnet är "The Guide to MIDI Orchestration" av Paul Gilreath.
Han föreslår att en samtida MIDI-orkestrator ska ha minst två strängbibliotek och han bör duplicera melodier från båda typerna av prover. För människor som jag, som inte har råd att ha två bibliotek på den tiden, finns det alltid en lösning - dubbla melodin med träblåsningar och även andra stränginstrument. I vårt fall gör jag det både.
Först, ladda en fin flöjt patch. Det vore bäst om flöjten har lite vibrato i den. Placera det samma område med violinerna och vrid volymen drastiskt. Flöjten är inte en solo, det ger bara mer ljudstorlek.
Och äntligen kommer vi att använda hjälp av ett annat stränginstrument. Jag valde cello, men faktiskt är det ingen skillnad här. Jag gjorde några basnotor av cello, men det viktiga är att jag faktiskt sätter melodin på cello och ställer den (igen) i samma område som fiolinerna. Sedan sätter jag ner volymen tills den inte kan höras. Faktiskt då kan du känna cello - lyssnaren kommer inte höra att den spelar inom det här området, men han kommer att känna en viss rikedom i ljudet.
Jag hoppas det hjälper dig. Jag ser fram emot att läsa dina kommentarer. Du kan höra det slutliga resultatet från vår handledning i den här demo:
Lycka till!
Accentsconagua