Share
Counterpoint är en av de mest givande och rika texturerna i musik. Bra motvikt är vacker, intressant och intellektuellt stimulerande. De stora kompositörerna genom historien, från Bach och Mozart, Debussy och Stravinsky, John Williams och Jerry Goldsmith, delar alla de gemensamma egenskaperna hos en styrning av kontrapunkt.
Vi tar en kraschbana genom begreppen motpunkt. Vi lär oss grunderna i konsonans mot dissonans, de olika typerna av rörelse mellan två röster och allmänna riktlinjer för att skriva effektiva motposter.
Problemet med de flesta motstycke böcker och kurser är att det enda de vet hur man gör är att lära dig att skriva något så här:
Tyvärr, inte många människor lyssnar verkligen på musik på så sätt längre. Visst, det är briljant skrivande och det låter bra, men det är gammaldags (och jag menar verkligen gammaldags. Även personer i slutet av 1700-talet ansåg det av stil!). Kan du tänka dig att försöka göra en actionplats med något sådant? Eller vad händer om Black Eyed Peas kom ut med det som deras senaste singel? I ett kort ögonblick kan de betraktas som "lysande", men det skulle inte vara mycket längre än en kram.
Som ett resultat av att lära människor hur man skriver musik från mitten av 1700-talet, ger de flesta som försöker dabbla i motpunkta. De kommer till slutsatsen att metoderna är föråldrade och otrevliga att deras musik inte borde behöva leva med alla dessa "regler", och att studera konsten att motverka är meningslös.
Jo jag är här för att argumentera för att motposten är en absolut viktig färdighet för en aspirerande kompositör / låtskrivare / musikskapare att lära, internalisera och införliva i sin musik. Och det kommer inte att kräva att du tar några terminer på en vinterträdgård för att förstå, heller. Bara några grundläggande riktlinjer är tillräckligt för att komma igång.
Vad jag har funnit är att även om de specifika reglerna och metoderna för traditionell motpost är ett hinder för de flesta elevernas lärande, om du kan förstå några av de mest grundläggande koncepten kommer du att vara bra på väg att skriva motpunkt i din musik som är effektiv och meningsfull.
Kontrapunkt avser två eller flera oberoende melodier som låter bra när de spelas samtidigt. Kontopunktet kallas också ofta Polyphony.
Här är ett exempel på vad vi är inte ringer motpunkt:
Ja, det finns två oberoende linjer, men figuren i vänster hand är helt enkelt ett arpeggio-mönster som fungerar som ackompanjemang och är underordnad melodin i höger hand. Kom ihåg att i motvärde finns det en tonvikt på självständighet. Även om en rad är mer intressant och lockar mer uppmärksamhet (vilket ofta är fallet), borde den andra raden fortfarande låta bra på egen hand.
I denna handledning kommer vi att arbeta med tonal musik. Kromaticism är gärna välkommen, men i allmänhet antar jag att de flesta av er läser detta är mer sannolikt att föredra Michael Giacchino och Coldplay över Shoenberg och Varese.
I den här handledningen kommer vi att prata i första hand om tvådelad eller 2 rösträkningspunkt. Även om du hittar massor av exempel på 3, 4 och fler röster, är 2 röstkontrastpunkt det enklaste och det viktigaste att lära dig.
En "röst" refererar inte bokstavligen till en mänsklig röst, utan till en enda melodisk linje. Om du har två melodier på samma gång måste du skilja olika röster.
En röst:
Två röster:
Fyra röster:
Antalet röster i ett stycke är inte detsamma som antalet instrument. Du kan få 100 spelare av en massiv orkester som spelar exakt samma melodi och det skulle betraktas som en enda röst.
Innan du går längre är det viktigt att du har en stark förståelse för intervaller. Du borde kunna berätta skillnaden mellan en perfekt 5: e och en minskad 5: e, en mindre 3: a och en 3: e, etc. Om konceptet är nytt för dig eller om du behöver en uppdatering, föreslår jag att du pausar nu för att läsa denna handledning. Det mesta av vad vi ska göra är att analysera intervallen mellan de två rösterna, så det är av yttersta vikt att du kan göra detta flytande och enkelt.
Ett av de viktigaste begreppen vi ska ta itu med är konsonansen mot dissonans.
Från thefreedictionary.com:
I råa och grundläggande termer låter konsonanser bra och dissonanser låter dåligt. Mer elegant, tenderar dissonanser att låta hårda och spända medan konsonanser tenderar att låta trevliga och vilsamma.
Vilka intervaller är konsonanta och som är dissonanta är i stor utsträckning en fråga om smak och sammanhang, men den allmänna konsensusen i tonalmusik är detta:
Dissonanser kan sedan brytas ner ytterligare:
Föreningar (intervall större än en oktav) behandlas på samma sätt som deras kortare ekvivalenter (dvs 9: e behandlas som 2: a, 10: e som 3rds, etc.)
I motposten finns tre typer av rörelse:
Parallell rörelse: båda rösterna rör sig i samma riktning. Från vårens rite:
I motsats rörelse: båda rösterna rör sig i motsatt riktning. Från Wagners förspel till Die Meistersinger von Nürnberg:
Skrå rörelse: en röst rör sig medan den andra håller sig konstant. Från Beethovens Rondo i C-minor:
Det är värt att nämna att traditionella metoder brukar bryta studien av motpunkta ner i 5 "arter". Varje art refererar till hur många anteckningar i en röst spelar mot hur många anteckningar i den andra rösten. Till exempel:
Nu när jag har gått igenom och förklarat allt detta: Jag ska inte gå igenom en art åt gången. Ett metodiskt system för att bygga en komplexitet på toppen av en annan ger perfekt mening, men det här är en kraschbana och vi har anteckningar att skriva! I stället bör riktlinjerna som jag skisserar övervägas för alla typer av motposter, oavsett hur många anteckningar du har mot hur många andra anteckningar. Puristerna bland dig kanske inte gillar det, men vi skriver inte vår avhandling för en mästare i komposition. Vi försöker bara komma nära nog för jazz.
Nu när vi har de grundläggande begreppen konsonans vs. dissonans och de tre typerna av rörelse kan vi börja utarbeta några riktlinjer för god motpost. Jag kallar dem "riktlinjer" eftersom det finns uppenbarligen inga regler i en kreativ konst som musik. Men om du vill lära dig hur du gör din motpost effektiv rekommenderar du starkt att du följer riktlinjerna tills du medvetet och med målsättning kan välja att gå emot dem.
Huvudsyftet med motpunkten är att ha två separata men lika melodier som spelar samtidigt. Separat betyder att de toppar och döljer på olika ställen och att de rör sig vid olika tider. Lika betyder att de är båda intressanta linjer i sig, att om de skulle spelas ensam skulle det finnas en tillräcklig känsla av melodisk kontur och intresse.
Dessa två linjer kommer från Debussys förspel till eftermiddagen av en Faun:
Lyssna på bara den bästa rösten:
Och nu bara den lägre rösten:
Observera att även om de fungerar bra tillsammans, är de också intressanta i sin egen rättighet. Observera också rörelseens kontrast. När fiolen har 16: e sedlar har vindarna kvart och 8 noter. När fiolinerna vilar vindarna blir mer aktiva.
Tidigare såg vi att det finns tre typer av rörelser mellan röster: motsats, parallell och oblique. Stark motpunkt använder en balans mellan alla tre typerna.
I allmänhet är rörelse det mest föredragna, eftersom det skapar största möjliga oberoende.
Skrå rörelse är mycket effektiv när man växlar mellan röster, men bör användas sparsamt om du håller samma tonhöjd konstant i en enda röst. Du hamnar då med en röst och gör den andra röstmenyn mycket mindre viktig och intressant.
Här är en effektiv användning av alternerande snettrörelse från Beethoven:
Som vi ser längre ner, bör parallellrörelse i allmänhet reserveras för 3: e och 6: e. Parallell rörelse skapar en stor kontrast från för mycket motsats och snett rörelse, men du måste vara försiktig med att undvika att ha för mycket av det eller att du förlorar oberoende mellan rösterna.
Lägg märke till hur i det här exemplet från Debussys Fêtes att även om det finns 5 separata röster, eftersom de alla konsekvent rör sig parallellt, ger de intrycket av en enda enhet:
För att skapa verkligt oberoende mellan rösterna, i motsats till ett enda fungerande block, måste vi blanda upp användningen av rörelse. Dessa klarinett- och fagotlinjer från Stravinskys Firebird delar liknande motiv men har tydligt ett oberoende av riktning:
Vår nästa övervägning kommer att vara en balans av konsonans och dissonans. För mycket konsonans kan vara fluffigt och tråkigt:
För mycket dissonans kan vara ful och svår att förstå:
Att bestämma vad just denna "balans" är, kommer att vara helt upp till kompositörens avsikter och smakar.
Låt oss ta två exempel som är olika i stil och jämföra deras balans av konsonans vs. dissonans. Den första kommer från Schumanns album för unga:
Det andra exemplet är från Bartoks Mikrokosmos:
Det intressanta med dessa två mycket stilistiskt olika fraser är att de faktiskt har ett förhållandevis likartat förhållande mellan dissonans och konsonans (7:25 i Schumann, 8:21 i Bartok). Bartok har dock definitivt mer dissonans (20% i Schumann jämfört med 28% i Bartok). Båda exemplen tenderar att förlita sig på de flesta konsonantintervall, med hjälp av dissonanser som extra "krydda". Notera också hur dissonanserna är åtskilda från varandra.
Precis som du behöver balans på alla andra områden, hjälper en balans mellan intervallstyper att hålla dina linjer intressanta.
Lyssna på detta exempel från Mahlers 4: e symfoni och notera den fullständiga blandningen av intervalltyper (det är också ett lysande exempel på oberoende rytmer):
Detta är en av de svåraste reglerna för nybörjare att följa, eftersom det vid första anblicken inte verkar ge mycket mening. Regeln är att när två röster rör sig i samma riktning, ska de inte flytta in i ett intervall av en 5: e eller en oktav.
Anledningen till denna regel är att oktav och femte är primala intervaller. Att ha två unika röster rör sig parallellt med oktav eller femte ger intrycket att de faktiskt är samma melodi. Så om dina två röster rör sig parallellt vid 5: e eller oktav bryter du väsentligen hela tanken om motpunkten, som ska ha två oberoende och separata röster.
Problemet studenterna stöter på är att parallella 5: e och oktavar är mycket svåra att höra med ett otränat öra. Mitt enda råd är att följa den här regeln om tro, för när dina öron och dina kontrapunktskunskaper utvecklas kommer du till slut att lära sig att höra parallella 5: e och oktav och de kommer verkligen att låta vara fel för dig.
Jag är säker på att du hittar denna regel "bruten" i många exempel. Ett av de största undantagen till denna regel är att parallell 5: e och oktav i slutet av en fras (dvs i en kadens) anses vara acceptabla, förmodligen för att kadensens skiljetecken gör effekten mycket mindre störande.
I allmänhet bör ett dissonantintervall lösa till ett konsonantintervall. Detta innebär att om du använder en dissonans för lite krydda och skapar spänning, kommer det bara att vara effektivt om du släpper sedan den spänningen. Annars kommer det bara att låta som om du spelade en felaktig anteckning!
Det enklaste sättet för en dissonans att lösa är att hålla en tonhöjd konstant och flytta den andra tonen i ett konsonantintervall. Låt oss titta på Beethoven-exemplet som vi använde tidigare när vi visade snett rörelse:
Lägg märke till hur varje dissonans introduceras först som en konsonans, då gör en ny anteckning intervallet dissonant, och slutligen löser det sig tillbaka i en konsonans. Om du lyssnar på strängskrivandet av Harry Gregson-Williams hör du denna teknik som används överallt.
Tvådelad motpunkt är stor och allt, men den mest verkliga musiken använder mer än två röster. Om du bryter med att använda flera delar, är det viktigaste att vara uppmärksam på är motpunkten mellan yttre röster. De övre och nedre rösterna är de som kommer att höras mest, så det är där fokus ska vara när du skriver bra linjer. Resten av rösterna kan sedan användas för att "fylla i mellanslag" i harmoni.
Lyssna på detta exempel från Brahms 4: e symfoni:
Lyssna nu bara på de övre och nedre rösterna:
Vi får fortfarande väsentligen samma musikaliska effekt. De första violinerna med de bästa rösterna och cellorna och baserna på bottenrösten skapar en intressant och effektiv motpunkta. De andra violinerna och violorna tjänar då för att fylla i ackorden, med mindre vikt som behövs för att göra dem självständiga och intressanta linjer.
Känna sig överväldigad? Det skulle vara förståeligt, jag kastade bara mycket information på dig! Gå tillbaka genom det stycke, ta din tid och lek med varje koncept. Skriv ut dina egna exempel och var noga med att lyssna på dem. Leta efter motposter i en del av din favoritmusik och dra den ihop intervallet för intervall för att se vad som gör det att fungera.
Jag hoppas att du behandlar denna kraschkurs i motpost som en introduktion till konsten. För många av dig är bara dessa grundläggande begrepp tillräckligt för att lägga till lite mer sofistikering för din musik. För andra som vill ta sitt lärande till nästa nivå, föreslår jag att det nu är dags att spricka öppna en av de mer traditionella läroböckerna om ämnet och börja en seriös studie.
Den mest rekommenderade boken är "The Study of Counterpoint" av Johann Joseph Fux. Människor älskar den här boken eftersom det har funnits för evigt och det sägs att även Mozart lärde sig motpost från det. Problemet är att det blir nära 300 år gammalt. Allvarligt! Medan principerna är alla där kan det vara en kamp att läsa hela vägen.
Jag skulle rekommendera något som skrivs i en mer modern ton, till exempel "Counterpoint" av Kent Wheeler Kennan eller "Counterpoint in Composition" av Felix Salzer. Handböckerna kan vara dyra men du borde kunna hitta en använd kopia på Amazon eller Ebay.
Kontrapunkt kan vara en livslång studie men det är utan tvivel en givande strävan.
Accentsconagua