Share
Alla första inspelningar - oavsett om det betyder tre eller tretton - går vanligtvis på samma sätt. Fristen är snabb närmar sig och knappast någonting görs. Vad som har gjorts låter inte rätt. Dina medspelare har ingen aning om vad de ska göra och ingen i rummet är verkligen säkra på vad nästa steg i processen är.
För de flesta nybörjare är det inte en prioritet att utveckla ett inspelningsflöde. Men proffs kommer att berätta att tiden är pengar och det är därför de har arbetat så hårt på att göra sitt arbete. Ju snabbare du kan göra ditt arbete, ju mer din effektiva timpris är, och ju snabbare du kan göra ditt arbete desto mindre betalar du för att hyra studior, utrustning och personal. Det fungerar både från en kostnad och ett inkomstperspektiv.
Här är en titt på processen och flödet av ett inspelningsprojekt som har gjorts ordentligt, med tips för att optimera det vidare.
Skrivning är första fasen av ett inspelnings projekt, även om det börjar bra innan beslutet att spela in låten har ens gjorts. Under skrivfasen skapas och förädlas texterna och musiken tills de fungerar bra tillsammans.
När du är i skrivfasen är det viktigt att tänka på verkligheten av både prestanda och inspelning. Om du skriver låtar som du inte kan spela in eller spela live med ditt band, är de inte så bra för dig. Hur stolt över ditt arbete kommer du att vara när du kommer in i studion och inser att du inte har rätt redskap, musiker eller instrument som krävs för att låten ska fungera?
Att bygga en repertoar är viktig och du måste kunna utföra och spela in den repertoaren. Även i samband med inspelningsprocessen är levande prestanda viktigt att överväga. Om du inte är ett enda studio-band behöver ditt arbete översättas över alla medier.
Att ha några begränsningar att arbeta runt bidrar till kreativitet, så omfamna utmaningen. Konstnären som har alla verktyg i världen till sitt förfogande är ofta förlamad av val, medan arbetet inom en uppsättning begränsningar kan göra kreativa beslut mycket enklare. För de flesta musiker är detta ett återkommande tema från att skriva till mastering, med tanke på att det kan vara en av de dyraste karriärerna eller hobbyerna runt.
När du är i studion kan du behöva arbeta med sessionsmusiker som inte har repeterat sången med dig, eller kanske du vill diskutera en viss del eller riff i låten med din producent och medspelare. Ryggsangare kommer att behöva texter. Att inte förbereda rätt material i förväg kommer visa sig vara mer av ett hinder än många första tankar! Här är vad jag rekommenderar att du tar med till varje session, åtminstone några kopior av var och en:
Även om det kanske låter dumt är repetition en del av inspelningsprocessen. För att om du inte kan spela låten som en grupp i första hand, är det absolut ingen sak att gå in i studion.
Medan du har flera spårinspelningar kan komprimering och kvantisering vid färdiga göra att det verkar som att spela in en sång är lättare än att spela den live, sanningen är att inspelad musik är väldigt liten och allt med mer än två eller tre spår kräver en mycket , mycket delikat balans i blandningen för att förhindra att saker faller ihop.
Om du inte låter bra att spela tillsammans, om du inte kan låsa in i rytmen på din rytmavdelning och göra plats för varje instrument där varje instrument behöver det, är det en sak som kommer att skicka det känsliga balansen kraschar. Din inspelning suger innan den är klar.
Du behöver repetera tills låten låter polerad nog att du tror att du kan ställa in några mikrofoner i ditt repetitionsrum och få en ta dig att du kan vara nöjd med.
Medan många en nybörjare kan bli frestad att skaka av det här rådet, är det här en mer praktisk övervägning för dig: studior kostar pengar. Varje timme du inte övar är en annan timme du betalar studionägaren eftersom det finns så många problem med inspelningen.
Allvarligt. Repetera.
Den vanligaste metoden att öva en sång är att få bandet att spela det flera gånger från början till slut. Detta är ett särskilt ineffektivt sätt att arbeta, för att du spenderar lika mycket tid på delarna av låten är bandet okej med som de delar som bandet kämpar med.
Fokusera på olika segment av sången, eller tillbringa även tjugo minuter på en fyrkantig sektion av låten om det är knepigt för alla att hålla sig i takt med varandra. Fortsätt inte vidare tills bandet har lärt sig att spela de besvärliga segmenten perfekt.
Det är viktigt att träna sången som helhet utan att stoppa, men du spenderar din tid mycket mer klokt om du sparar de genomgripande rutinerna tills alla är nöjda med komponentsektionerna på egen hand.
Så så har sången skrivits. Bandet kan spela det med sina ögon stängda, hängande upp och ner i sina underkläder. Nu har de bestämt att det är dags att spela in det.
"Vad väntar vi på? Låt oss spela in! "Du säger alla i din spänning. Ledsen att sätta en spjäll på din fest, men inte så fort. Först måste du göra en plan.
Vad ska du göra och i vilken ordning? Hur många instrument kommer att vara inblandade? Hur många delar kommer varje instrument att ha, och därmed, hur många spår för varje instrument kommer att behövas? Hur lång tid tar hela processen? När behöver vi boka studion och producent? Mastering ingenjör? Den ständigt elusiva mästaren piccolo spelare?
Utan en plan har du två dagar studietid kvar innan mixen måste gå för mastering och den enda pikolospelaren som fortfarande lever på denna sida av ekvatorn är bokad ut i tre månader rakt. Hoppsan.
En plan ska alltid vara i skriftlig form. Jag menar inte nödvändigtvis penna och papper - det kan vara ett datordokument eller en stenskärning - men planer som lagras i människans huvud är planer som glömmas så snart planeringsfasen slutar.
Din plan behöver bara vara så komplicerad eller enkel som projektet till hands. Om du behöver en skiss för att komma igång, skulle jag föreslå något löst så här:
Planer kan vara mycket mer komplicerade, så lägg till det som du vill. Planer kan också vara ganska enkla - om du vill spela in en tre minuters folksång genom en standardstativ av studioutrustning, med bara dig själv på sång och gitarr, och kanske en perkussion överdub eller två, behöver du inte samma typ av strukturera.
För många musiker är demofasen ett av projektets första faser, och det betyder att de inte är helt förberedda och redo att komma in i jobbet. De första dagarna spenderas runt i studion och bestämmer vad man ska göra och tänker på de olika förändringarna som kan göras till låten "bara för skojs skull". Medan det är väldigt kreativt är det förmodligen inte den bästa tiden att spela runt bara för att du inte har en bestämd plan för angrepp, om du betalar för studietid eller inte.
Med detta arbetsflöde har du redan fått allt experiment och osäkerhet från ditt system. Du vet vad du behöver göra, så du känner inte nödvändigheten att leka som ett resultat av att inte veta vad nästa steg är.
Demofasen är den del av projektet där varje musiker spelar ett grovt tag som är tillräckligt bra för att bilda en ram som resten av projektet är byggt runt. När demo är klar och du går vidare till spårning är allt du behöver göra att byta demo spår ut för de sista spåren. Demon är inte ett polerat slutspår, men det är viktigt att få vissa faktorer rätt. Produktion är inte en av dem, men timing är säker.
Jag bryr mig egentligen inte om vad din personliga uppfattning om klickbanor är - vissa elitister skakar deras användning för en eller annan grundlös anledning eller en annan - men när du spelar in en demo, se till att alla spelar in på ett klickspår.
Klicka på låtar är svåra att vänja sig på för första gången, så ge varje instrumentalist - särskilt din trummis - lite tid att vänja sig vid att leka med en. När de är vana vid det, var hänsynslös. Kasta ut spår som inte stämmer perfekt.
Anledningen är att dålig timing i demofasen, eftersom demo kommer att fungera som din spårningsram, kan förstöra ett helt projekt och veckor av arbete. En liten rytmskruvning kan enkelt lösas medan du spelar in demoen. Halvvägs genom spårningsprocessen i sig är det ett stort problem för att du måste göra om ett helt projekt som har byggts ovanpå det felet. Ju mindre vaksam du är och ju längre du lämnar problemet i ditt projekt, desto större blir problemet.
Det är också viktigt att vara kräsen. Det finns ingen sådan sak som "inte för stor av en affär" eftersom något som verkar som ett mindre misstag kommer att låta som ett stort misstag när alla andra instrument har följt sin ledning.
Kortversion: Om alla spår av din demo inte är i perfekt tid kan demon inte fungera som ryggraden i ditt sista stycke.
Pitch är inte så mycket av ett problem som timing är när det gäller en demo, men du bör se till att instrumenten stämmer bra innan du spelar in dem och gör ditt bästa för att uppnå det bästa resultatet här.
Ett lite off-pitch-instrument kan dock kasta bort vokalprestanda i demo och / eller spårningsfasen. Eftersom vokalföreställningen ligger i fokus för allmänhetens uppmärksamhet, behöver du få det rätt.
Varje gång du slutar spåra ett visst instrument under demofasen, låt blygensångaren sjunga med den och se till att det inte finns något som slänger honom eller henne bort. Problemet i sig kan inte orsakas av out-of-tune-instrument - det kan vara något, inklusive ett tidsproblem - men vad som än är det ska hanteras medan du fortfarande befinner dig i den mer flexibla och formbara demofasen.
Vid spårningsfasen av projektet använder du demo som riktlinje medan du ersätter varje spår med rätt tagning.
Rita diagram av rackmonteringsutrustning, ta skärmdumpar av plugin-program, gör vad du behöver göra för att få en kopia av dina inställningar på filen. Detta gäller också för mikrofonplacering: ta en bild eller dra en, bara se till att du vet hur du sätter mikrofonerna tillbaka som de var.
Och det betyder för centimetern, så kom ut linjalen. En centimeters skillnad ser inte ut som något för oss, men ur ett bra perspektiv kan det vara enormt.
Du måste vara pedantisk om att spela in så att om du behöver spåra ett avsnitt igen eller du bara kan avsluta halva spårningen för ett visst instrument på en dag kan du hämta upp var du slutade. Utan ett identiskt ljud måste du i allmänhet börja spåra från början. Det kan fungera som en effekt här eller där, men ofta med tonen i instrumenten förändras halvvägs genom sången kommer att kasta din lyssnare.
Så du är inte säker på om U87 eller Classic II är en bättre mikrofon för en del, och du kan bara inte bestämma. Spela in båda och välj senare! Det är bättre att ha alternativ än att sitta fast med ett resultat du inte är nöjd med. Det populära ordstävet i musikbranschen är du kan inte polska en turd. Generellt sett refererar det till prestanda, men lita på mig när jag säger att produktionsvärdena för ett spår kan göra ett utmärkt prestanda ljud som det proverbiala unpolishable crap.
Något som du kanske inte kan tänka på senare är mikrofonpositionering (du kanske har sjuttiofem SM57s, men väldigt få läsare skulle ha mer än en U87 om de ens har en alls). Tillbringa tid på positionering. Få det rätt.
Om du ska använda ombordseffekter som EQ och komprimering, var försiktig och ringa in inställningarna så subtilt som möjligt. Använd bara så mycket av effekten som du behöver. Utombordseffekter låter generellt bättre än plug-ins om du har bra utrustning eller du är i en professionell studio, men du kan inte gå tillbaka och byta saker senare. Om du är en nybörjare till mellanliggande ingenjör hittar du ofta fast med ett spår som du inte kan använda när du inser att det förstörs en eller två veckor senare. Det händer till och med erfarna ingenjörer ofta.
Som sagt om mikroplacering, spendera tid på dina utombordsmedel (eller annars destruktiva) effekter. Få det rätt. Och till och med då, gör dem subtila; Om du inte har komprimerat tillräckligt, kan du fixa saker med en plug-in. Om du har komprimerat för mycket, är du skruvad.
Routing får ofta inte en egen fas, och det kanske inte behöver någon för många läsare. Om din genre är minimalistisk folk som bara använder två till fem spår per session, kan du säkert hoppa över det här. De flesta electronica producerar förmodligen inte behöver göra ett väsen över detta. Men om du spelar in massor av verkliga instrument och har stora, ojämförliga produktioner som sitter i Pro Tools eller Logic eller vad-du-du, är routing en konstform på egen hand.
Det finns två delar i min routingfas:
Om du inte är säker på hur du ställer in en grupp aux-sub-mix eller en send / retur-effekt, finns det några tutorials på Audiotuts + som förklarar var och en.
Om du har en låt med 30 eller 100 spår i projektet, är det för mycket för dig att hantera när det gäller relativ blandning. Bryt allt ner i några grupper (mindre än tio, helst mindre än fem) som sånger, trummor och gitarrer.
Rutter sedan om var och en av dessa spår så att de går till en stereohjälpkanal istället för direkt till stereomästaren. Få en relativ blandning mellan alla spår som dirigeras till hjälpen, och lägg lite tid på det för att göra det perfekt. Om delmixen är bra att gå, kanske du inte behöver röra enskilda spårnivåer igen; Flytta bara en av dina grupp aux faders för att justera mixen.
Att blanda så få som 20 spår och så många som några hundra är en smärtsam process. Om du kan göra det som många använder mellan tre och tio delmixar, skrattar du.
Det finns vanligt förekommande effekter som används i nästan varje produktion: reverb och fördröjning är vanligast, och kör ger sig ett utseende i de flesta projekt. Du bör ställa in sänd / retur-system så att varje spår skickar en viss signal till en enda processor som passar alla spår i projektet. Detta har två fördelar.
Det är mycket lätt att förstöra en sång med missbruk av effekter. Medan det fortfarande kan hända med hjälp av sändnings- / retursystem, är det mycket lättare att styra. Olika reverb inställningar på olika instrument fungerar ibland, men ofta kommer det att förvirra lyssnarens sinne. Att använda effekter med samma inställningar, genom samma processorer, bidrar till att knyta mixen ihop och skapa ett mer sammanhängande ljud.
Innan du kommer ner till mixen, vill du se till att allt ljud är på plats, lined up, cross-blekta och vanligtvis redo att blandas utan att kräva några stora förändringar eller presentera några strukturella problem. Du måste kunna fokusera på de nivåer och effekter som används i nästa fas utan distraktion.
Det hjälper till att ha en redigeringslista som du kan använda varje gång du spelar in något nytt. Du kan använda något så här, men det är inte alls komplett:
Redigerande regioner innebär att man skär olika uppdrag och gör det bästa komplementet du kan. 95% av redigeringstiden brukar användas här, och det beror på trumset. Du måste gå igenom varje trummespår och se till att transienterna stämmer överens med takt. Det kan ta timmar att göra rätt. Du måste också zooma in ganska nära, vilket fördröjer sakerna - det här hindrar dig från att snappa saker i linje för mekaniskt som skulle hända med en normal zoomnivå. Vid en normal zoomnivå kommer alla ljud som du rör dig att flytta vidare för att snäppa till rutnätet, vilket skapar en tekniskt perfekt men känslomässig ogiltig prestanda.
När varje region är på plats måste du skapa minsta fades på varje region för att förhindra att ljudet stiger överallt och se till att varje skarv mellan tar är tvärfärgad.
När du väl är nöjd anser många att det är en bra praxis att konsolidera regioner så att de arbetar med dem härifrån är det enklare.
Slutligen, medan allt som händer med växlande nivåer i allmänhet anses vara en del av blandningsfasen, kan det vara en bra idé att använda automatisering för att jämnt ut volymen av vildvarliga spår innan du kommer till mixen. Att bara blanda den första halvan av versen för att ta reda på den andra halvan av versen har helt olika dynamiska egenskaper inte kul och kan kräva mycket arbete att fixa (den enkla lösningen är att slå en riktigt kompakt kompressor på allt, men om du vill suga livet från ljudet gå direkt!).
Blandning är en så enkel process i teorin och kan ändå bli så komplicerad och stressfull i verkligheten. Tanken är att få varje ljud kontrollerbart och estetiskt tilltalande med effekter och processorer, och få nivåerna rätt. Min process går något så här:
Blandning är verkligen ganska stort jobb, så utan någon form av plan - till och med en så grundläggande som den som jag just skisserade - kommer du inte veta var du ska börja eller när du är klar. Jag vet att jag slutar göra mycket mer än jag listade, ofta i en annan ordning än den jag listade. Men om du inte vet var du ska börja eller hur du kommer till jobbet, kommer din blandningssession att ta mycket längre tid och du kommer att bli förvirrad av problem med allt från din vinststruktur till att försöka komma ihåg vad du har bearbetat och vad du har inte.
Detta är en ganska förbisedd del av efterproduktionsprocessen. När du har en slutlig mix vill du skapa några olika versioner av det och studsa dem till disken. Varje version kommer att innehålla en mild förändring som representerar en liten förändring i fokus på instrumenten i sången. En med en 1dB stark ledare, en med en 1dB tystare ledare, en med mer uttalad backing sång, kanske en med tystare trummor, och listan fortsätter. Vanligtvis ändras inte mer än 1 eller 2dB.
Du gör det här eftersom mastering ändrar ljudet av mixen och det här ger dig möjlighet att snabbt lyssna på olika mastrade versioner utan att gå tillbaka, ändra något, studsa det, mastera det och jämföra det. Tänk på de mest troliga förändringarna du vill göra och få dem alla redo och studsa så att de kan hanteras på en gång.
Om du inte gör mastering, vilket förmodligen är den bästa ideen (om du inte är en mastering ingenjör med en mastering studio), bör du fortfarande ge mastering ingenjör med dessa alternativ. De kommer ofta ringa upp dig och fråga dem om du inte ger dem till att börja med. Tack till Audiotuts + Plus bidragsgivare Bobby Owsinski för detta tips.
Jag låtsas inte veta mycket om mastering - mitt arbetsflöde är att få mina flera versioner redo och vidarebefordra dem till någon som låtsas veta. Det bästa rådet jag kan ge dig är att skicka din musik till mastering ingenjör. När jag behöver göra det själv är det inte en särskilt vetenskaplig metod alls; Jag studsa låtar och viktiga dem till en albummastering session, tillämpa de vanliga processorerna och försök att få volymerna för varje spår anpassat så mycket som möjligt.
Det sagt är det viktigt att mastering är en del av din plan, för att du måste hitta en mastering ingenjör, boka lite av sin tid och kom ihåg att skicka ditt arbete till honom.
Om du insisterar på att behärska dig själv, var noga med att kolla in Audiotuts + -webbplatsen, eftersom det har några användbara handledning om ämnet. Om du aldrig tänker använda en mastering ingenjör, gör dig själv en tjänst och få en mer avancerad utbildning i ämnet.
Accentsconagua