Använda omgivande tekniker för att komponera

"I modern inspelning är ett av de största problemen att du befinner dig i en värld av oändliga möjligheter, så jag försöker stänga möjligheter tidigt. Jag begränsar val. Jag begränsar människor till ett litet manöverområde. Det finns en anledning att gitarr spelare producerar alltid mer intressant musik än synthesizer-spelare: du kan gå igenom alternativen på en gitarr om ungefär en minut, efter att du måste börja göra estetiska och stilistiska beslut. Den här datorn kan innehålla tusen synths, var och en med tusen ljud. Jag försöker ge begränsningar för människor. "
- Brian Eno

Flickr Bild av Eptin

Introduktion

Jag har tänkt mycket på sistone om begränsningar och möjligheter i samband med komponering. Med hjälp av datorer och programvarupaket som Logic, Cubase, Sonar eller Reason är våra musikaliska möjligheter nästan oändliga. Ändå befinner jag mig ofta framför min arbetsstation och klickar igenom hundratals synth eller sampler förinställda snarare än att skriva musik.

De stora omgivande och minimalistiska komponisterna i vår tid förstår klart de potentiella fallgroparna i våra nästan obegränsade alternativ. Deras lösning är att försöka skapa med mindre - att skapa en komplett musikalisk värld när som helst, men att göra det enligt en specifik uppsättning regler eller begränsningar. Dessa regler och begränsningar kan variera kraftigt från kompositör till kompositör, men lyckligtvis kan vi med hjälp av någon av deras tekniker vara till hjälp för nästan vilken musikstil som helst.

I den här handledningen undersöker vi några enkla tekniker som du kan använda när du komponerar musik - antingen omgivning, minimalistisk eller till och med rock eller pop. Varje artist kan dra nytta av att lära sig dessa tekniker och tillämpa dem för att komma igenom författarens block, utmana sin kreativitet på nya sätt eller helt enkelt förfina och öva sina olika färdigheter.

Begränsa dina val

Som Brian Eno noterade i citatet ovan kan begränsande val vara ett snabbt och enkelt sätt att tvinga ett nytt perspektiv på att komponera. Genom att minska möjligheterna behöver du tänka inom ett mindre område. När du är begränsad till en mindre uppsättning möjligheter måste du undersöka alla de omedvetna val som du normalt gör när du skriver ett visst spår.

Flickr bild av bredgur

Ett kraftfullt sätt att införa gränser är att ändra din komponentprogramvara. Till exempel, för några av mina nya låtar använder jag GarageBand - inte för att jag tycker att det är nödvändigtvis det bästa verktyget för jobbet, utan för att det redan presenterar mig med en mer begränsad uppsättning val när det gäller ljudskapande och manipulation är oroad. Medan Logic är min primära DAW, kan det stora utbudet av funktioner och ljudmöjligheter ibland vara en skam för rikedomar. Att använda GarageBand kräver här att jag gör val om utförande, inspelning, redigering och bearbetning inom en annan, mindre uppsättning möjligheter.

Så - att begränsa vår programvara är ett sätt att begränsa våra val. Här är några andra sätt att vi kan begränsa våra val som i slutändan kan tjäna våra kompositionella mål.

Begränsa programvaruval - Använd en enklare DAW, använd endast MIDI, använd bara ljud, eller komponera en hel melodi med bara en softsynth.
Begränsa efterbehandlingen - Använd inte någon form av kompression, EQ eller annan masteringsteknik för att slutföra din låt. Få mixen att låta bra medan du komponerar och lämnar den där.
Begränsa harmoniskt och melodiskt innehåll - Försök att begränsa din sång till bara några ackord, eller några enkla melodiska fraser. Kom ihåg att du fortfarande behöver hålla musiken engagerande - om inte intressant - för lyssnaren!
Begränsa rytmiskt innehåll - Försök komponera en melodi med ingen märkbar mätare eller tempo. Eller försök att komponera i en ny tids signatur som 7/8 eller 5/4.
Limit Form - Prova att arbeta med en enklare eller mer komplex musikalisk form - något annat än din vanliga ABBA-låtform, etc..

När du börjar experimentera med tekniker som dessa hittar du många av dem obehagliga och känner helt enkelt inte "rätt" för din komponentstil. Det här är en bra sak! Det obehag betyder att du börjar utveckla musikaliska muskler som du inte har använt tidigare. När vi har varit lat och inte utövat på ett tag finner vi att våra muskler och leder har en tendens att motstå (eller protestera) när vi äntligen bestämmer oss för att gå ut för en körning. Just så är vår musikaliska fitness begränsad till de muskler vi använder eller inte använder - så träning med hela ditt utbud. Jag garanterar att du blir förvånad över resultatet.

Gå organiskt

Med lätthet och kraft hos våra DAWs, softsynths och samplers, fastnar många av oss i syntetens land. Ett kraftfullt sätt att andas nytt liv i våra musikaliska kompositioner är att kräva att vi går organiskt och använder mer (eller exklusivt) organiska ljud.

Flickr bild av Secret Tenerife

Att integrera organiska ljud kan betyda många olika saker, så låt oss titta på några möjligheter.

Byt ut Synth Tracks med akustiska spår - Byt ut en eller flera av dina existerande spår med akustiska återgivningar av samma. Där det en gång kan ha varit en monofonisk lead synth, använd istället en klarinett eller flöjt eller vokal. När du har spelat in, använd efterbehandlingen för att omforma den och mögla den så att den passar ditt spår.
Använd funna ljud - Vi har redan sett några tutorials (som den här) om hur fältinspelningar eller hittade ljud kan hjälpa dig att skapa en unik och enastående palett för din musik. Spendera lite tid på att spela in ljud från ditt hem, grannskap eller stad - och försök hitta nya sätt att integrera dessa ljud i din musik.
Organisk som vågform - För de mer avancerade provtagningsarken där ute kan du överväga att samplera några organiska ljud och sedan redigera dina ljud ner till mindre vågformbitar - även så små som en enda cykel. Därifrån kan du ladda dessa vågformer till din provtagare och skapa nya instrument.
Gå All In - När var sista gången du bara började göra ljud på allt omkring dig och spela in? Ställ in en mikrofon mitt i ditt rum, sätt på några hörlurar och börja spela in. Sedan börja "leka" ditt rum. När du kommer till någon form av logisk slutsats, sluta inspelning, arm ett nytt spår och repetera. Du kan börja skapa några riktigt unika ljudbilder på det här sättet som kan leda till nya provsatser, nya rytmspår eller med några kloka efterbehandlings-, omgivande dynor eller sängar.
Använd ett bandhjälp - Anpassa en av dina all-elektroniska spår till ett all-akustiskt spår. Bjud in några av dina musikaliskt begåvade vänner, köp dem lunch och öl, och spendera daginspelningen och ordna din melodi på annat än akustiska instrument. Detta kan vara en otroligt rolig och befriande process för musiker som normalt arbetar solo, i ett litet rum, med bara elektronik ... Som jag.

Spela med kontrast

Ibland kan musiker skrämmas av sin egen uttryckskraft. Fall i sak: när var sista gången du gjorde en riktigt hög, explosiv, hård eller gitarr sång? Alternativt, om du är i en snabbmetall eller en hardcoreartist av något slag, när var sista gången du gjorde ett riktigt mildt, chill track?

Flickr bild av aussiegall

Du kanske säger till dig själv: "Jag gör den typ av musik jag gör, och jag är inte intresserad av att göra något annorlunda." Återigen - betrakta detta som en form av "övning", ungefär som att spela skalor eller lära sig nya rytmer - och ett sätt att böjda dina musikaliska muskler. Lär dig spela med kontrast, inom en sång och med låtar på det hela taget.

Med tekniker som detta är det viktigt att inte bli fast i estetiken - oroa dig inte för mycket om hur slutprodukten låter eller om någon gillar det. Detta är en övning - så ta den som sådan. Spela med extrema kontraster i volym, i konsistens och timbre. Komponera en sång där varje spår använder någon form av kraftig förvrängning. Alternativt, komponera ett spår där varje ljud har en utdragen och mjuk attack. Experimentera sedan med att sammanfoga de två elementen inom samma låt.

Ett av mina favorit exempel på den här tekniken används till stor effekt av Peter Gabriel i sin sång "Darkness" från albumet "Up". Notera hur dramatiskt skiftet är från intro till vers - mjuk, dämpad arpeggio, följt av hårdförvrängd gitarr. Denna teknik upprepas i kontrast från vers till kör och bro.

Stillness and Motion

Träd, men i allmänhet inte betraktas som en "mobil" sak, är sällan fortfarande. Det finns en inneboende kontrast mellan en trädstamnas löpande soliditet och den subtila vävningen av lemmar, grenar och löv.

Flickr-bild av Lincolnian (Brian)

Som kompositörer är en av våra mest kraftfulla allierade i att påverka känslor hos våra lyssnare kraften i dynamiken. På ytanivå kan dynamiken helt enkelt referera till den synliga ljudstyrkan eller mjukheten hos ett visst musikaliskt element. Mer generellt hänvisar dock dynamiken till den inneboende stillheten eller rörelsen inom ett visst stycke. Detta omfattar inte bara volymförändringar utan också tempo, attack, sustain och förändringar av ett givet element över tiden.

Det finns ett stort antal sätt att spela med rörelse och stillhet i en sång, men här är några förslag:

Automatisering - Experimentera med automatisering av panning, volym, EQ och effektparametrar under långa perioder.
Skapa statisk - Experiment med skapandet av statiska spår - spår som upprepas, oförändrade under långa perioder. Dessa kontraster är bra med de andra spåren som kan förändras runt dem.
Var som träden - Okej, jag kunde inte tänka på ett bättre sätt att beskriva detta, men tanken här är att du har en relativt enkel, subtil bas för din sång. Därefter skapar du ett antal "gren-, lem- och lövspår" som rör sig och fladdrar runt det här basspåret.

Ett utmärkt exempel på denna teknik finns i Steve Roachs "Fossil and Fern".

Defy Expectation

Vissa musikstilar trivs på att inrätta och leverera musikaliska förväntningar. Hus och Trance-musik är till exempel särskilt effektiva i klubbar och radar eftersom de telegraf musikaliska uppspelningar och uppdelningar till lyssnaren. På detta sätt har lyssnaren en viss förväntan och de belönas när den förväntan kommer att passera, skapa en form av "gemensam erfarenhet" som deras dans matchar musiken.

Flickr-bild av K. Kendall

Ibland är det dock lika kraftfullt att störa förväntningarna i vår musik eftersom det kan leda till att lyssnaren sätter sig upp och märker. Här är några sätt du kan testa förväntan i din musik.

Ändra formulär - Som påpekat ovan, försök med att placera vers, kor eller broar där du inte nödvändigtvis förväntar dem.
Ändra ackord - Använd noga placering av ackord för att störa normala kadenser för att skapa spänning och släppa ut. Här är en bra handledning om kadens.
Byt ut instrument - Om du har en särskild melodisk eller harmonisk linje, överväg att byta ut instrumentet för den linjen i en del av din sång. Om din gitarr till exempel har en harmoni eller rytmedel under första versen, skicka den delen över till ett piano under den andra versen.
Ge inte dem vad de vill ha (åtminstone inte än) - Om du skapar elektronisk musik och jobbar buildups och breakdowns, överväga att sträcka dem ut till två gånger sin normala längd. Alternativt, när du har gått igenom en uppdelning, gå inte igenom en uppbyggnad - bara gå rakt tillbaka till full mix, etc.

Slutsats

Dessa tekniker bör först och främst betraktas som övningar. Tänk på dem som tyngdlyftning eller calisthenics för din musik. Slutresultatet från dessa metoder kanske inte nödvändigtvis alltid är det bästa musikaliska valet för dina slutliga kompositioner. Att förstå dessa tekniker och använda dem selektivt för att begränsa de oändliga möjligheterna som du står inför som kompositör kan bara hjälpa dig i din strävan att skriva bra musik.

Jag hoppas att denna handledning har varit till hjälp, och att du kommer att ta några av dessa idéer och använda dem i ditt eget arbete. Om du gör det, skulle jag gärna veta hur de fungerade för dig - var god och låt mig veta i kommentarerna!

Musik och ljud