Share
Det är lätt att tro att att få en bra blandning handlar bara om att skjuta upp några faders, få en rimlig balans, lägga till några effekter och dina färdigheter. Visst, det kan fungera för en grov mix, men det finns mycket mer som går in på att göra en bra mix som ligger långt ifrån den grundläggande frågan om balans. Det här är de saker som brukar ta lite erfarenhet eller en mentor att inse. Medan det är så mycket lättare om du tittar och lyssnar medan en bra mixer gör sin sak, låt mig påpeka ett antal immateriella tillgångar som är avgörande för en bra mix. Medvetenhet är alltid det första steget i lärandet, så här är några saker att tänka på innan du börjar flytta faders runt.
Det är väldigt lätt att fånga sig i bara ljuddelen av att vara ingenjör, men om du inte ser på allvar hur musiken själv sätts ihop (förutsatt att det är vad du naturligtvis gör), låter din ultimata produkt inte låta bra oavsett hur bra du är vid balansering av spår.
Jag är säker på att alla med lite erfarenhet har funnit att arrangemanget vanligtvis är # 1 icke-ljudproblem i en mix. I dessa dagar med obegränsade spår är det alltför lätt att stapla mer och mer musikaliska element tillsammans med dubbla och tripplar och staplar av allt du kan tänka dig. Du kan enkelt slå upp med hundra spår för att vada genom, och det ger dig en omöjlig uppgift att få det att låta som något mer än en massa tät ljudspel. En bra producent kommer vanligtvis att ge mening åt arrangemanget, paring saker ner till var det är rimligt, men ibland är producenten den som kräver allt men köksdisken läggs till. Och om låtskrivaren inte har en medfödd känsla av arrangemang (många gör, lyckligtvis), har du en röra på händerna.
Därför är det viktigt att mixingenjören är medveten om några grundläggande principer för musikarrangemang, eftersom en stor del av att vara en blandningsingenjör är att veta när man ska stumma saker och veta bara vilka element som föregår en viss del av melodin.
Bra balans börjar faktiskt med bra arrangemang, så det är viktigt att förstå arrangemang eftersom så mycket blandning är faktiskt subtraktiv av natur. Detta innebär att arrangemanget och därmed balansen förändras med den enkla funktionen att dämpa eller sänka nivån på ett instrument vars del inte passar bra med en annan. Om instrumenten passar bra ihop med varandra och inte kämpar mot varandra, blir ditt liv som mixer bara oerhört lättare. Men vad betyder "strid mot varandra" betyder?
Kampen innebär att två mixelement kräver krävande uppmärksamhet samtidigt. Det kan vara så att rytmerna kolliderar, eller instrumentets frekvensområden är desamma, eller de allmänna ljuden är för likartade. Oavsett, ditt öra vet inte vad man ska lyssna på eftersom varje kräver krävande uppmärksamhet, så det blir bara förvirrat. När ditt öra blir förvirrat blir det också trötthet, och när det blir trötthet, förlorar det intressant tillsammans. Du har precis besegrat mixets avsikt i första hand, vilket är att få uppmärksamhet, inte förlora det.
Så hur får du runt två instrument "kämpar" varandra? Först och främst är ett välskrivet arrangemang som håller instrumenten ur varandras sätt från början. De bästa författarna, arrangörerna och producenterna har en medfödd känsla för vad som kommer att fungera arrangemangsmässigt och resultatet är ett arrangemang som automatiskt lägger sig samman utan stor hjälp. Erfarenheten kommer också att hjälpa en författare eller arrangör vet ganska snabbt vad som fungerar tillsammans och vad som inte gör det.
Men det är inte ovanligt att arbeta med en artist eller ett band som inte är säker på arrangemanget (mycket vanligt) eller experimenterar med varje ljud de kan hitta eller bara låter ett instrument spela hela hela låten istället för bara avsedda sektionen och därigenom skapa många konflikter. Det här är mixern får chansen att omorganisera spåret genom att hålla vad som fungerar och dämpa eller sänka det motsatta instrumentet eller instrumenten. Inte bara kan mixern påverka arrangemanget på detta sätt, utan också dynamiken och den allmänna utvecklingen av sången också.
För att förstå hur arrangemang påverkar balans måste vi först förstå mekaniken i ett välskrivet arrangemang först.
De flesta väl utformade arrangemang är begränsade i antalet element som uppstår samtidigt. Ett element kan vara ett enda instrument som en huvudgitarr eller en vokal, eller det kan vara en grupp av instrument som bas och trummor, en dubbelt gitarrlinje, en grupp av ryggsång osv.. I allmänhet betraktas en grupp instrument som spelar exakt samma rytm som ett element. Exempel: En fördubblad blygitarr eller fördubblad vokal är ett enda element, som är en ledare med ytterligare två harmonier som sjunger samma melodi. Om basen spelar väldigt tätt med spark och snare, kan det också vara ett enda element. Två blygitarrer som spelar olika delar är dock två delar. En bly och en rytmgitarr är också två separata element. Så vad är ett element då?
Det finns 5 element i varje arrangemang.
Det största problemet med de flesta arrangemang som inte fungerar är att de har för många element på samma gång. Du kan inte ha 4 slagverkselement, 5 gitarrelement, 3 tangentbordselementer, en rytmavdelning och bly och bakgrundsvals och får inte fysiskt trött från att lyssna eftersom det bara går för mycket på!
Sinnet längtar omedvetet efter enkelhet och belönar ett enkelt arrangemang med uppmärksamhet, vilket är vad vi vill ha hänt, förstås. Men vad betyder enkelhet?
Du borde aldrig ha mer än 4 element som förekommer samtidigt. Du kan komma undan med 5 varje gång i taget, men 4 är vanligtvis max. "Men det finns vanligtvis mer än 4 instrument som spelar i de flesta saker jag lyssnar på dessa dagar" säger du? Ja, men de spelar vanligtvis samma delar. Om du till exempel har en fördubblad gitarrdel med en 3: e spår som spelar samma del en oktav ovan, är det 3 instrument som bara spelar 1 del, så det räknas som endast 1 element. Om en gitarr fördubblar en baslinje är det bara ett element. Om du har en ledande vokal som fördubblats med en annan vokal en oktav ovanför, är det fortfarande bara ett element. En symfoniorkester kan ha 120 instrument, men när du bryter ner dem spelar de bara ett begränsat antal element. Så småningom kommer allt ner till 4 av de 5 element som nämns ovan.
Här är några exempel på hur arrangemangselementen fungerar i olika låtar. Om de verkar bekanta är det för att jag har använt några av dessa exempel i The Mixing Engineer's Handbook, men de är en bra recension även om du har läst dem tidigare.
I Bob Segers radiostandard Nattrörelser, instrumenten som spelas är bas och trummor, akustisk gitarr, piano, Hammond-orgel, huvudmusik och bakgrundssang. Så här bryter de ut.
Vanligtvis faller en akustisk gitarr i Rhythm-kategorin, eftersom strumming pressar bandet och skapar spänning. I "Nattrörelser", Men akustisk gitarr dras tillbaka nivåvis i mixen så det logs in i rytmavsnittet, blir effektivt en del av grundelementet. Således kan mixern påverka mixen med balans när han är medveten om arrangemanget.
Alanis Morissette s Tack innehåller flera bra exempel på både rytm och dynor. Vad som är annorlunda är att det finns två uppsättningar av vardera; en för intro och kör och en annan uppsättning för verserna.
Självklart finns det så mycket mer på den här låten track-wise, men några ytterligare spår ersätter eller fördubblar ovanstående element. Antalet element kvarstår konstant.
Gnarls Barkley's Crazy är en mycket avtagbar sång med mycket få lager, men de fyra huvudelementen finns alltid där.
Den här låten är ovanlig genom att basen med den dubbla gitarrlinjen faktiskt driver låten framåt och blir faktiskt rytmen. Ganska ovanligt men effektivt!
Rascal Flatts "Vad som störar mest är ett exempel på den" nya "countrymusiken, som liknar skiktad popmusik förutom med tillägg av traditionella landinstrument (stålgitarr, banjo, fiol).
Den här låten är ovanlig eftersom den inte har någon signaturrad eller Fyll element i intro och outro och en sann Fyll bara på en plats för varje. Basen blandas också mycket högt och tar upp mycket utrymme i mixen.
Den här låten är annorlunda eftersom det inte finns någon äkta Pad i traditionell mening, men stålgitarrspelet mjukt i bakgrunden fungerar väl och visar att det är möjligt för icke-traditionella instrument att spela den rollen.
Det finns ett par lätt att komma ihåg regler som alltid kommer att göra till och med det tätaste arrangemanget hanterbart.
Som sagt tidigare borde det inte vara mer än fyra element som spelar samtidigt. Ibland kan tre element fungera mycket bra. Mycket sällan kommer fem samtidiga element att fungera. Detta är ditt nummer ett fokus som en mixer. Gör producenten och artisten medveten om hur mycket bättre mixen kommer att låta med färre element istället för mer.
Nu om någon (som konstnären) är gift med en del, det finns ingen anledning att be, bereda eller visa och berätta det kommer att förändra sig, så en sak du kan göra är att kontrollera balansen i de förekommande instrumenten. Om två eller flera element kämpar, kan de inte bara leva på samma nivå, så var beredd att göra en till ett stödande tecken. Ibland kan ett element som dras tillbaka i blandningen blandas i ett annat element och gör det faktiskt mer intressant, men endast om följande punkt observeras.
Denna regel är så viktig att den måste stressas. Arrangemanget passar bättre om alla instrument sitter i sitt eget frekvensområde. Till exempel, om en synthesizer och rytmgitarr spelar motelementen i samma oktav, kommer de vanligtvis att kollidera. Lösningen skulle antingen ändra ljudet på ett av instrumenten så att de fyller olika frekvensområden, har en uppspelning i en annan oktav, eller spelar dem på olika tidpunkter men inte tillsammans.
När två instrument med i stort sett samma frekvensband spelar i samma volym samtidigt, är resultatet en kamp för uppmärksamhet. Tänk på det här sättet; du brukar inte höra en ledare och en gitarr-solo samtidigt? Det beror på att det mänskliga örat inte kan bestämma vilken man ska lyssna på och blir förvirrad och utmattad som ett resultat.
Gitarrer slår ofta ut för att bli hörda. Det händer vanligtvis när du har en gitarr som staplar delar med samma gitarr och förstärkare eller i en levande situation när du har två gitarrspelare var och en med samma typ av gitarr och förstärkare (två Les Pauls och två Marshalls med samma hämtningsinställningar skulle vara mardrömscenariot, till exempel).
I studion är det första du behöver göra att övertyga gitarrspelaren om att det verkligen är till hans fördel att försöka spela några av de stora delarna med en annan gitarr eller förstärkare eller högtalarskap eller till och med alla ovanstående. Det kommer att göra några delar eller staplar bara det mer intressant utan att behöva ens röra en EQ knopp. Det är lättare sagt än gjort, för ibland kommer gitarristen att gifta sig med sitt (eller hennes) ljud eller gitarr och vägra att ändra (som en ras är vi gitarrspelare så). Nu är det dags att nå EQ. Förresten räknas inte växlande pedaler i denna situation eftersom de vanligtvis bara ökar vinsten och kanske inte ändrar instrumentets frekvensbalans så mycket. En moduleringspedal kan fungera om det ändrar instrumentets tonspektrum.
När det gäller ett band som spelar live på en konsert eller i studion med gitarrspelare med samma modellinstrument och förstärkare, då är det dags att lära dem orsaken till att tonkontrollerna sätts på förstärkare. Som en allmän regel har de flesta musikare ingen aning om hur man använder något som justerar frekvensbandet på instrumentet. Det finns 3 allmänna skäl att använda förstärkaren EQ:
1. Många instrument (som bas och gitarr) har döda fläckar på instrumentet där några noteringar kan falla i nivå. En bit av EQing kan hjälpa till att smidiga saker ut om du kan noll in på frekvensbandet i noterna som släpper ut.
2. Du måste kompensera för en brett frekvensfel. Detta kan innebära en situation där en Strat kanske inte har tillräckligt med botten när man spelar genom Marshall Jubilee, så att du skulle lägga till lite lågt slut med tonkontrollerna för att kompensera. Å andra sidan kan en Les Paul genom samma förstärkare vara för tunga så att du kan subtrahera någon botten. Och då kan samma Strat kanske bara ha en mellanklass som är som en isplockning genom trumhinnorna på vissa anteckningar, så du skulle få tillbaka på mellanklassen en bit och dra ut ur öronen.
3. Och slutligen, i våra två Les Paul - två Marshall scenarier där 2 spelare använder samma modellinstrument och förstärkare. För att passa bra ihop med varandra, skulle en spelare justera sin ton för att ha lite mer botten och kanske scoop ut den lägre mellansidan medan den andra spelaren skulle gå till mer toppänd med en midrange topp precis där den andra killen sköt den ut. Där har du det - omedelbar blandning.
Naturligtvis är det aldrig så enkelt i det verkliga livet. De flesta gitarrspelare kommer aldrig till nirvana med sitt ljud, och de kommer aldrig att avvika från vad de är bekväma med. Men om de får höra hur framgångsrik tekniken fungerar i studion, är de vanligtvis lite mer öppna för experiment senare. Naturligtvis kan du alltid berätta för dem att xxx (fyll i sin favoritartist) gör det på det sättet, för att han förmodligen gör det.
Varje låt har något som är huvudintressen eller något så övertygande att du inte kan ta dina öron av det (om det inte gör det, skicka sången tillbaka till ritbordet. Den är inte klar).
Även om du har kontroll över hur de föregående fem elementen visas kan det vara tillräckligt för många typer av ljudjobb, och det kan vara bra att få en anständig blandning. Mest populär musik kräver en mix som kan ta låten till en annan nivå. Även om det alltid är lättare med bra spår, solida arrangemang och spektakulär spelning, kan en bra blandning helt enkelt göra OK spår och förvandla dem till träffmaterial så att man inte kan få nog av det. Det har gjorts på några av dina favorit-all-time-låtar.
Så hur kan vi komma till den punkten?
Mer än bara tekniskt korrekt måste en mix vara lika intressant som en bra film. Den måste bygga i ett klimax medan man har spänningspunkter och släpp för att hålla lyssnaren omedvetet involverad. Precis som en film ser större ut än livet, måste en bra mix låta större än det verkliga livet. Passionen och känslan måste vara på en nivå där lyssnaren sugs in och tvingas lyssna.
Och sättet att göra det? Hitta det element som är viktigast för låten. I vissa fall (som dans och rapp musik) är det viktigaste elementet spåret. Men i andra genrer (som Country) är det vokalen. Det Rock och Pop det kan vara en signaturlinje eller krok.
Trots att det viktigaste elementet ofta är huvudrollen, behöver det inte nödvändigtvis vara. Det kan vara en riff som från The Stone Tillfredsställelse och Starta upp mig eller intro till Coldplay Klockor eller rytmen på verserna av Arctic Monkey's Jag satsar du ser bra ut på Dancefloor. Det är alltid en del så övertygande att det tvingar dig att lyssna på låten.
Oavsett vilken del som är viktigast måste mixern identifiera den och betona den i blandningen för att blandningen ska förhöjas bortom det vanliga.
Accentsconagua