Skriva för orkesterinstrument

Vissa kompositörer har fortfarande det fantastiska privilegiet att arbeta med en levande orkester för att spela in sitt arbete. Tänk dig att ha en 60-bitars strängorkester bara sitter framför dig, redo att spela din senaste komposition. En full trävind och mässingsektion där och väntar på att göra budgivning! Så hur skapar du dina musikaliska idéer på ett sådant sätt att varje del låter perfekt skräddarsydd och "precis rätt" för det instrumentet? 

Hur låter klarinetten faktiskt i ett visst oktavområde? Ska den här delen vara för låg för oboe? Hur kan min cellodel här bäst följa med det här fantastiska svepande violintema som jag just skrivit? Och när tar jag in de franska hornen - hur kommer det att förändra den övergripande känslan av stycket just nu? 

I denna inledande artikel till ett som är ett mycket komplext, mångfacetterat ämne, kommer vi att titta på några av de grunder som kan peka dig i rätt riktning, förhoppningsvis med några intressanta musikaliska utdrag som illustration.

Beethoven, Tchaikovsky, Mahler och Shostakovitch

Först och främst bidrar det till att komma ihåg att orkestralskrivning är ett hantverk som går tillbaka i århundraden. Några ganska kända personer har redan varit där och gjort det, några av dem ganska bra! Så det är inte en dålig idé att se vad vi kan lära av dem. 

Orkesterns storlek och smink har utvecklats över tiden från den avklädda "förklassiska" och "klassiska" strängen och "två av varje" träbladsavsnitt till de mycket mer tungviktiga "romantiska" orkestren av Tchaikovsky, Wagner , och Mahler. Den typ av romantisk periodskrivning som skedde under 19 och början av 1900-talet brukade vanligtvis större sträng- och träblåsesektioner, ett stort komplement av mässing och ett komplett utbud av orkesterslagverk. 

Då finns instrumenten själva. Några av dem utvecklades på radikala sätt; trumpeter och franska horn blev ventilinstrument under denna period så att de kunde spela kromatiskt, vilket inte var möjligt tidigare.

Så hur är den typ av modern scoring som ofta görs för blockbuster-filmer och marknadsledande spel? Jag kan inte göra bättre än att föreslå att du börjar studera några av de orkestriska poäng som redan har skrivits, särskilt de från den romantiska perioden, där orkesterstorleken och typ av poängskrivning verkar passa tättast med dagens tillvägagångssätt. 

Studera orkestermusik

Nyligen lyssnade jag på Mahlers första symfoni igen, vilket jag känner väl från min musik studentdagar, och slogs av hur "cinematisk" det låter. Anledningen till detta är inte svårt att räkna ut. Så många skådespelare har kopierat många gånger över idiom och tekniker för detta och andra liknande romantiska orkesterverk, att det verkar omöjligt att höra dem nu, som de skulle ha uppfattats vid den tiden. 

Här är ett klipp från början av 4: e rörelsen; hur är det för en stavningsbindande dramatisk öppning? Lyssna på 1:44, märk den muskulära kontrapunkten mellan fiolinerna och cellorna / bassarna i strängavsnittet och de otrevliga ljudande trombonerna och den franska hornbehållningen som följer. (Uttrycket nedan är transkriberat från orkestervärdet.)

Eller, här är Shostakovitchs femte symfoni; en romantisk klassiker från 20-talet. Notera det kraftfulla mässingstema som går in på 37:10; föregås av en träblomma blomstra och sedan punkteras hela genom timpani sektionen. Episka saker; kraftfull nog för den dramatiska klimaxen i någon film!  

Men upptäckte du patoserna i den vackra harpsolen med strängkomplement som föregår det vid 35:07? Scoring här är så enkelt och ändå så ömt, bräckligt och engagerande. (Uttrycket nedan är transkriberat från orkestervärdet.)

De flesta av oss är MIDI-orkestrar!

Verkligheten är att de flesta av oss aldrig kommer att träffa vår drömorkester för en studiosession. Vi måste vara nöjda med en uppsättning prover, som arbetar inom ramen för vårt sequencerpaket. 

Dessa dagar kan MIDI-orkestern vara ett ganska imponerande och kraftfullt verktyg, speciellt med prover i den övre delen av marknaden. Men det är faktiskt en helt annan typ av erfarenhet jämfört med den riktiga saken. 

Någon har liknat det med en datoranimation. En begåvad designer kan utan tvekan göra en mycket imponerande datoranimation av någon toppkändis. När du ser det, skulle du säga att påminner dig verkligen om den verkliga personen. Men att träffa den verkliga kändis skulle vara ett helt annat förslag. 

Så låt oss försöka identifiera några viktiga skillnader, eftersom det faktiskt hjälper oss att skriva för orkesterinstrument mer effektivt och på ett mycket mer imponerande sätt.

Hur man gör ditt instrument skrivande mer realistiskt

Den verkliga orkestern kan spela några saker som är praktiskt taget omöjliga att återskapa med MIDI; men det är också mycket lätt att skriva delar som inte kan spelas bra av levande musiker, om alls.  

Här är fyra specifika tips som hjälper dig att undvika de uppenbara fallgroparna:

• Levande musiker behöver andas. Den lyriska flöjtdelen du skrev kom du ihåg att skriva det i andningsfraser? Även om du inte skrev in några vilar, måste det finnas utrymme någonstans för att det ska vara spelbart och därför trovärdigt att lyssna tillbaka till. Stringspelare måste byta bågeriktning när de spelar och vindspelare behöver andas, så för att våra musikarrangemang låter rätt måste vi skriva delar som tar hänsyn till detta. 
  
• När du delar upp strängdelar (det vill säga de första violinerna delas upp för att spela två delar), låt inte frestas att spela varje del med samma strängpatch. Att göra detta kommer att effektivt dubbla orkestrets storlek på den tiden, men i verkligheten har du faktiskt bara samma antal 1: a fiol spelare för att spela de två delarna. Den orkestriska poänginstruktionen "divisi strängar" betyder just det; hälften av antalet strängspelare kommer att spela varje del. Resultatet låter annorlunda; mindre flera lager.
  
• I den verkliga världen, någon musiker kan enkelt ändra sina noteringar. Till exempel kan strängspelare flytta från stackato till Marcato, tenuto till legato på ett ögonblick varsel. En bra, välövrad strängsektion kan göra det här fantastiskt bra, flytta som en kropp. Faktum är att många minnesvärda melodier beror på deras effekt på varierad notering i formuleringen. Tyvärr är det svårare att göra i MIDI-världen, eftersom det handlar om att välja en annan patch eller slå en nyckelbrytare för att ändra längden på anteckningen eller förfallskuvertet. Som ett resultat tenderar MIDI-författare att göra misstaget att skriva delar i en artikulering endast för onaturligt långa perioder. 
  
• En annan sak som är lätt att göra i den verkliga världen är för stränggrupper att spela med mycket varierad dynamik, flytta från mjukt till högt och tillbaka igen genom frasen. Med hjälp av prover är det inte så enkelt. Det innebär inte bara att programmera delen men också lägga till kontinuerlig kontrollerinformation som kan skapa den övergripande dynamiska formen av frasen. Men det är säkert möjligt, och det extra arbetet kommer att vara värt det för den extra realism som den då kommer att skapa. 
  
• Slutligen, en uppenbar punkt kanske, men Varje orkesterinstrument har ett spelbart sortiment.Att skriva utanför det här intervallet kan vara möjligt i MIDI-världen, men det kommer säkert att låta mindre realistiskt. Så oboe delar som går under Bb, eller klarinett delar som går under E, kommer helt klart inte att fungera. Många poängskrivande mjukvarupaket kan informera och varna dig om sådana slags begränsningar. 
  
• Utöver instrumentintervall är det en annan punkt att göra. Många orkesterinstrument har en något annorlunda timbre eller tonfärgning beroende på vilken del av sitt sortiment de spelar i. 

Att skriva bra för orkesterinstrument betyder därför att man lär sig om vad som kan fungera bra i olika instrumentets olika oktavområden. Vilken typ av fraser låter idiomatisk. En hög flöjtdel kan till exempel låta mycket ljus; brusande, men en legato-fras som skrivs i lägsta oktav kan låta flersidig, till och med förförisk. 

Här är ett känt exempel; öppningen av Debussy s "Prelude a l'apres-midi d'un faune". Notera kompositörens instruktion "söt och uttrycksfull"; intervallet är den nedre oktaven; Flöjtens lägsta anteckning uppnås i streck 9.

Här är ett annat kort utdrag; de öppnande få stolparna har oboe den här gången. Den lägsta noten på instrumentet nås nästan i Bar 11. Detta utdrag presenterades nyligen tillsammans med ett antal andra från orkestralrecordet som oboists skulle förväntas spela för att auditionera för topp orkesterjobb. Observera i ljudklippet klarinett echoes oboe, även i sin lägsta oktav. 

Slutsats

Många uttryckssymboler i de flesta skriftliga orkestriska poängen berättar för oss att professionella orkestermusiker rutinmässigt förväntas utföra med stor skicklighet och kontroll samt att klara en hel del komplexitet. Så om vi får chansen, låt oss verkligen ge dem något utmanande att spela! 

Stringspelare är också mycket mångsidiga och kan enkelt göra delar som korsar strängar som är smidiga, men det är fortfarande så att vissa typer av musikaliska fraser passar mer specifika områden för varje instrument. Det är värt att tänka på att varje orkestralstränginstrument har fyra strängar, var och en inställd på sin egen tuning; de nedre strängarna tenderar att ha en något rikare, mörkare timbre än de högre.