Share
Många fotografer förstår den tekniska strävan efter fotografering. Men nyckeln till att göra bra bilder är uppenbarligen mer komplex än att beräkna rätt exponeringsvärde. Vi vet alla att fotografering är subjektiv, och närmar sig konst kräver ett utbildat öga. Idag ser vi hur vi närmar oss exponering som ett sätt att förbättra vår kreativa process.
Idag tar vi en titt på hur man exponerar kreativt på två sätt. Den första av dessa är att förstå den kreativa effekten som manipulerar inställningarna kan ha. Inte alla ljusstopp skapas lika, och exponeringen är mer konstnärlig än att bara balansera ljus. Efter att ha behärskat den aspekten tar vi en titt på några av de kreativa metoderna för att göra exponeringar. Många scener kan exponeras på olika sätt beroende på fotografens vision.
Fram till nu kan du alltid ha kontaktat exponering från det tekniska perspektivet, försiktigt välja inställningar för att balansera exponeringen. Om du flyttat skalan för att justera för en annan slutartid kompenserade du med en bländare eller ISO-justering. Eller kanske använder du fortfarande det automatiska läget som gör det tungt att välja inställningar för dig.
Detta tillvägagångssätt fungerar "tillräckligt bra". Men om du någonsin kommer att nå nivån för att kontrollera exponeringen, måste du välja inställningar proaktivt. Det innebär att närma sig exponering med en vision i åtanke för fotot. Det här är vad det innebär att visualisera resultatet och sedan skapa det med hjälp av de verktyg som står till ditt förfogande.
Vid det här laget är du förmodligen bekant med exponeringstriangeln: bländare, ISO och slutartid. Tyvärr, för många nybörjare närmar sig dessa tre inställningar som om de är lika. Visst, flytta ner ett stopp av bländare och upp ett stopp av ISO kommer att behålla exponering i balans, men det är helt enkelt mer att skapa bra bilder än att hålla ljus i balans.
Istället är ett bättre sätt att närma sig exponering att överväga den önskade visuella effekten, med en tydlig mental bild av hur du vill att slutprodukten ska visas. Var och en av de tre inställningarna styr inte bara ljuset i bilden, utan hur kameran "målar" scenen. Om jag närmar mig en scen där jag vill isolera skärmen av ett element, tänker jag i form av bländare. Om jag vill ge en känsla av rörelse, skifter jag omedelbart växlar och överväger en slutartid som bara uppnår det.
Under mina tidiga dagar med hjälp och andra skytte för några fantastiska bröllopsfotografer är en av de mest effektiva bitarna av råd som jag kommer ihåg att få lära mig att tänka i termer av bara en inställning. Det betyder att tänka först när det gäller den visuella produkten och inställningarna som ett senare val.
Om jag vill isolera skarpheten hos ett element, tänker jag i form av bländare. Om jag vill ge en känsla av rörelse, skifter jag omedelbart växlar och överväger en slutartid som bara uppnår det.
Den mest begåvade bröllopsfotografen som jag någonsin sköt med sa att hon trodde strikt vad gäller bländare. Visst, hon skulle ägna stor uppmärksamhet för att säkerställa slutartiden var snabb nog för att undvika suddighet, men hon hade tränat ögat för att överväga bländare. Medan hon verkligen hade den tekniska förmågan att skjuta i full manuell läget, upplevde jag att hon verkligen var en mer fri kreativ när hon tänkte i form av bländning; när det gäller att begränsa fokusområdet med breda öppningar.
Detta foto var bara möjligt genom att först ha den visuella idén att förmedla en rörelsefrihet och sedan välja en slutartid som skulle skapa den. Foto av Forrest Lane.
Med tanke på mätning och exponering vågar, ett annat nybörjare fel är att spendera för mycket tid hängde med lärande vågar. Jag gjorde verkligen misstaget att försöka memorera f-stop-skalor under mina tidiga dagar. Detta har visserligen något tekniskt värde, men med tanke på allt som jag fortfarande behöver lära mig om fotografi inser jag att min tid kunde ha spenderats mycket mer klokt.
Helst tillåter vi inte att kameran begränsar kreativ processen. När du närmar dig en scen och börjar fotografera, dikterar du hur du vill att den färdiga produkten ska se ut, eller låter du din tekniska kunskap diktera hur det sista fotot kommer ut? Med tillräcklig kreativ erfarenhet och adekvat teknisk kunskap kan vi börja nå den punkt där vi bestämmer hur vi vill att det färdiga fotot ska se ut och välj sedan lämpliga inställningar.
Här kan lägena som slutartid eller bländarprioritet bli extremt användbara. Det fanns en tid då jag trodde att jag hade nått toppen av teknisk kunskap eftersom jag sköt i fullt manuell läge. Men trots att jag kan använda manuell läget perfekt och välja alla lämpliga inställningar, föredrar jag nästan fotografering i bländarprioritet nu. Kreativ frihet är alltid målet, och min personliga åsikt är bländarprioritet får mig där.
Återigen, överväg idén att visualisera detta foto var det första steget i fotografens kreativa process. Att begränsa skärpedjupet var avgörande för att fokusera mannen och inte resultattavlan i bakgrunden. Fotografen använde bländare som den kreativa föraren. Foto av Forrest Lane.
Kortfattat tycker jag att det är dags att vända modellen för att välja inställningar på huvudet. Istället för att låta inställningar komma till dig genom en funktion av automatiska lägen, överväga hur du vill att bilden ska visas innan du någonsin tittar ner i sökaren. Bestäm om du vill att åtgärden är frusen eller rörelseförmedlad, och hur mycket foto du vill vara i fokus. Det här är en mycket bättre utgångspunkt för en exponering än att sätta kameran i programläge och gissa därifrån.
Om du någonsin befinner dig stressad om att fånga en bild med "korrekta inställningar", gå tillbaka och ta andan. Jag har goda nyheter: det finns inget bästa sätt att exponera en scen. Låt oss nu titta på några av de kreativa beslut som bränsle väljer inställningar och närmar sig exponering från flera perspektiv.
I verkligheten leder nästan varje scen två unika sätt att avslöja det. Ett av de klassiska exemplen på detta är hur ett fotografi av en person mot en himmel kan hanteras. När du lägger ett ämne mot den bakgrunden finns det väsentligen två delar av fotot som kan utsättas för: ämnet och himlen. När du utsätter för ämnet kommer du sannolikt att blåsa ut himlen, medan exponering för himlen lämnar motivet som en silhuett.
En försiktighet, förstås; när du anställs eller beställts för en skott, finns det säkert mer stränga kreativa riktningar (även om det bara är underförstått) av din klient. Visst, du kan avslöja varje bild av ett engagemang som silhuett, men jag skulle verkligen inte garantera dina klienter lycka.
Min vän och fotograf Forrest Lane gjorde nyligen det här fotot av mig, som innehåller en mix av belysning. Hans tekniska kunskaper gör det möjligt för honom att hantera det ljusa fönstarljuset bredvid de skuggade områdena, som balanseras snyggt för det jag tycker är ett tilltalande resultat. Foto av Forrest Lane.
När som helst som vi arbetar med stark belysning kommer det att finnas olika sätt att exponera bilden. Fram till nu har du kanske bara använt utvärderingsmätning för att mäta en ram, men det är här några av de mer fokuserade mätlägena kan komma i spel.
Om du inte känner till mätning, tänk på det som hur en kamera bestämmer hur mycket ljus som finns i en scen. Tidigare kameror saknade en mätare, men nästan varje modern SLR-kamera innehåller mätning genom linsen, som du ofta hör kallad "TTL" -mätning. Standardmätningsläget på de flesta kameror är att utvärdera ljuset genom hela ramen för att välja lämpliga inställningar.
Denna ram fotograferades med användning av utvärderingsmätningsinställningen som tar hänsyn till hela ramen. Du kan se mycket detaljer i skuggorna, såväl som i hela ramen.
Om du vill skära in på sättet du mäter, överväger att använda en av de mer fokuserade typerna av mätning. Varken spotmätning eller centrerad mätning tar inte hela ramen i exponeringsberäkningen - i stället väljer den en mindre mängd av ramen och föreslår att inställningarna exponeras korrekt för den ena delen av fotot.
När vi börjar tänka på de olika sätten att mäta ramen är det inte svårt att inse att i situationer med blandad belysning finns det olika vägar att ta. Vi kan mäta för skuggorna och se till att ljuset fyller dem i slutramen.
Denna ram ligger på samma plats som den ovan, men jag mättes mot himlen och underexponerade molnen för att ge mer kontrast och mörkhet till bilden, med att veta att himlen skulle förbättras. Det finns inget sätt att skjuta den här scenen, bara två sätt att måla den med kameran.
Ännu viktigare än de inställningar vi väljer är den vision som vi tänker på för resultatet av fotot. Göra aldrig misstaget att det finns en riktig sätt att exponera ett foto; det finns helt enkelt olika sätt att närma sig dem.
Fotografering är en kreativ och teknisk strävan. Många fotografer lutar emellertid mot att närma sig exponering från det tekniska perspektivet att kompensera ljusstopp. Exemplen ovan visar att hantering av exponering kan ta två vägar mellan att exponera höjdpunkterna eller skuggorna och resultatet blir radikalt annorlunda. Helst kan vi tänka på scenen som vi vill att den slutliga produkten ska visas, och välj sedan de inställningar som tar oss dit.
Hur närmar du exponering? Låt kameran leda dig i en riktning eller tänka på innan du börjar välja inställningarna?
Accentsconagua