Share
Jag har varit i verkligt behov av kreativ inspiration på senare tid och jag har haft en uppmaning att experimentera med nya tekniker eftersom jag fortsätter att upptäcka min vision och förfina mina hantverk. För det ändamålet kom jag ihåg en kille som jag kom över ungefär ett och ett halvt år sedan, konstfotograf Harold Ross, som har en mycket unik stil som han har utvecklat under nästan 20 år.
Jag var imponerad inte bara av hans fantastiska fotografi utan också hans förmåga att kommunicera sin konst på ett konsekvent sätt, något jag känner att jag alltid kämpar med. Vid första anblicken har bilderna i hans galleri en mycket HDR-känsla för dem. Men vid ytterligare undersökning finns det något mer på gång här. Harold är en mästare på tekniken som kallas ljusmålning.
Jag pratar inte om hur man tar ett skott när man ritar med en ljuspenna, men tanken är inte för långt borta. Ljusmålning är processen att applicera ljus på ett ämne på ett mycket fokuserat och selektivt sätt för att ta fram sina unika former, texturer och färger. Du använder inte bara dina off-camera-blixtar och reflektorer för att studsa eller kasta ljus i ditt ämne, du använder din källa fysiskt för att borsta ljuset på ditt motiv, vilket ger varje element i din ram sin egen personliga behandling.
Jag är verkligen inte den ljusmålare som Harold Ross är, men med lite experiment kunde jag bara få några få försök att få ett ganska bra handtag på processen och skapa några ganska coola kompositer. Låt oss börja!
Denna teknik kräver en mycket långsammare slutartid än vi är vana vid att skjuta med. I ett sådant fall har eventuellt ljus från rummet potentialen att påverka bilden. För att minimera detta, var noga med att ställa in din skott i ett mörkt rum eller, när du skjuter utomhus, på natten så att du kan ha så mycket kontroll över scenen som möjligt.
Vid fotografering i svagt ljus där längre exponeringstider är nödvändiga är det absolut nödvändigt att använda ett stativ för att se till att dina bilder är så skarpa som möjligt. Det visar sig dubbelt viktigt för den här tekniken eftersom du kommer att ta en serie bilder som du sedan kommer att komposera senare.
Ett stativ hjälper till att se till att varje ram är ordentligt uppradad från början och minimerar mängden skruvmejselarbete senare i Photoshop. För att ytterligare undvika någon liten skiftning av kameran när du trycker på slutaren, kan du överväga att använda en kabel eller annan fjärrutlösare.
Jag har sett allt från en enkel ficklampa till en LED-lampa till en mycket bra punktkälla som används effektivt i denna teknik. Ur min erfarenhet är ett bra alternativ att överväga, för dig med smarta telefoner, att ladda ner en ficklampa-app. Jag använde "Flashlight" av John Haney Software på min iPhone, som du kan ladda ner gratis från App Store.
Jag är vanligtvis en stickler med min batterilivslängd och försöker hålla skärmens ljusstyrka nedåt för att den ska hålla längre mellan laddningar, men för den här processen vrider jag hela vägen upp. Det sätter ut mer ljus än du kanske tror, speciellt när du har lång exponering.
En av de största fördelarna med att använda en iPhone-app som denna för ljusmålning är hur bekväm det är att hantera telefonen. Appen gör din telefon till en mini-handdator, vilket möjliggör mjukare skuggor och jämnare belysning överallt. Egentligen, vilken typ av ljuskälla du vill använda kan göra ett bra jobb beroende på vilket utseende du ska gå för. Det enda du behöver tänka på är att det måste vara kontinuerlig belysning från en relativt liten källa så att du har kontrollen du behöver för att få effekten att fungera..
För att få den effekt vi letar efter måste vi verkligen sakta ner våra fönsterluckor. Den exakta slutartiden är en fråga om preferens och resultatet av ett försök och fel. För mitt experiment fann jag att en 5 sekunders exponering vid f5.6 och ISO 100 fungerade bra och gav mig mycket utrymme för att göra några nödvändiga justeringar senare. Jag är säker på att använda en högre ISO skulle vara bra, men för att vi skjuter i så lågt ljus, kommer lägre ISO att hjälpa till att hålla digitalt brus.
När jag bestämmer mig för vad som ska skjutas vid ljusmålning har jag funnit att en scenuppsättning med olika texturer och reflektivitetsnivåer fungerar bäst. Med lamporna på (om du fotograferar inomhus), ställ in ditt skott medan du tittar genom sökaren för att se till att allt ser bra ut för dig. För att se till att fokusen är snygg och skarp i din slutliga bild, använd autofokusen, med lamporna på och sätt sedan in fokuset för manuell och rör inte linsen igen tills du är klar.
Nu för den roliga delen! Med allt klart att gå, stäng av lamporna, sätt på din ljuskälla och gör dig redo att skjuta. När du fotograferar på 5 sekunder kommer du att ha mycket tid att fokusera på ett enda element i scenen med varje utlösning av slutaren. Bestäm var du vill att din underförstådda huvudljuskälla ska komma från - övre vänster, övre högra, etc. - och kom ihåg när du börjar måla så att du har ett jämnt utseende.
Gör din väg till varje element en efter en och med en konstant rörelse, inom några inches av motivet, och skina din ljuskälla på ytan för att se till att det finns jämn täckning. Du bör också se till att använda lite ljus runt sidorna på ditt ämne så att det kommer att mjuka dina kanter och få ut mer information. Du kan till och med överväga att ta ett nytt skott med ljuset som kommer från motsatt riktning, och från något längre bort, på samma sätt som du skulle använda en reflektor eller andra strob så att skuggomfången hos motivet också har några detaljer.
För större ämnen - som lampan, i det här exemplet - tänd olika områden individuellt och vi delar dem ihop i posten. För element som det glasade glaset tändde jag bakifrån snarare än från framför. Detta gjorde ett par saker för mig: 1) det minskade reflektionerna på glaset och 2) det tillät glasets färg att vara mer lysande.
En av de saker jag inte uppmärksammade under min första ljusmålningsansträngning, tidigare i samma skott, men insåg när jag kom till den här var bakgrunden och bordsskivan. Jag fokuserade mer på objekten och glömde att överväga hela scenen. Ta tid, även i slutet efter att du har slagit på alla dina ämnen, för att tända din bakgrund och bordsyta så att du inte kommer att få oavsiktliga mörka områden i din färdiga bild.
Var noga med att granska varje ram efter att du tagit den för att kontrollera eventuella oavsiktliga reflektioner som kan ha inträffat eller om du missade en plats etc. Det är alltid lättare att ta ett nytt skott omedelbart än att upptäcka ett misstag i posten och måste gå tillbaka och reshoot senare.
Efterbehandlingsdelen av projektet är ganska rakt framåt. Jag importerade alla ramar som jag fångade in i Lightroom först så att jag så enkelt kunde överföra dem direkt till Photoshop utan att behöva gå igenom ett antal andra steg innan de skulle vara redo att ta med Photoshop (särskilt för att jag skjuter i RAW).
När du har alla ramarna laddade ner till Lightroom, välj dem alla och gå till Foto> Redigera i> Öppna som lager i Photoshop. Detta skapar en ny PSD med varje bild som sitt eget lager. Om du inte är en Lightroom-användare och du har alla bilder som jpeg, kan du utföra en liknande process för att automatiskt ta alla bilder till en enda PSD. Gå bara till Arkiv> Skript> Ladda filer i Stack. Hitta och välj bilderna och klicka på OK och du kommer att ha din PSD redo att gå en gång Photoshop gör sin sak.
Eftersom du kommer att växla fram och tillbaka mellan skikten för att finjustera dina masker har jag funnit att jag av och till kommer att av misstag måla på lagret istället för masken. För att undvika detta misstag, konvertera varje lager till sitt eget smarta objekt - trots allt kan du inte måla direkt på ett smart objekt. Eftersom jag gör så många smarta objekt när jag arbetar, ställer jag generellt en anpassad tangentbordsgenväg (F2) som omvandlar det valda lagret. Det är en realtidssparare.
Vårt nästa steg är att lägga till en lagmaske för varje lager för att isolera de områden som är korrekt exponerade och dölja de områden av lagret som är värdelösa. Gör detta till varje lager nerför panelen tills du har gjort all den hårda maskeringen. Nu kan du gå in och göra mer exakt blandning för att skapa en enda enhetlig bild från din grupp av individuella ramar. Det finns ingen riktig hemlighet till den här delen. Använd din bästa bedömning för att göra varje lager flöde till nästa och visa de bästa delarna av varje ämne.
Om du inte är en Lightroom-användare kommer ditt nästa steg att göra alla dina slutliga anpassningar till den övergripande bilden tills du har en färdig produkt. Eftersom jag använder Lightroom är mitt nästa steg att helt enkelt spara PSD, vilket automatiskt lägger till det i mitt Lightroom-bibliotek.
Nu när jag har min slutliga komposit-PSD i Lightroom, behandlar jag det som om jag skulle ha någon annan bild och utför alla nödvändiga globala anpassningar för att polera upp det, som kurvor, nivåer osv.?
Och där har du det!
En teknik som denna ger dig verkligen utrymme för att prova nya saker och se vad som fungerar för dig. För att räkna ut detta arbetsflöde var allt jag gjorde titta på några exempel på Harolds arbete, få en känsla av vad han gjorde och bara ta tag i min kamera och experimentera. Det finns verkligen ingen fel sätt att gå om det, så ge dig själv tillåtelse att prova någonting som du aldrig gjort tidigare och framför allt ha kul!
Accentsconagua