Accentsconagua
Share
Ritning är en komplex färdighet. Du behöver lära dig saker som manuell färdighet, penna tekniker, precision, perspektiv, gest, anatomi, ljus och skugga ... Men även när du är en mästare på allt, även om din bild har alla dessa element på plats, kan det fortfarande var något fel med det. Denna missbruksfaktor kallas komposition.
Dålig komposition kan förstöra effekten av även det mest polerade konstverket. Ändå glossar detta ämne ofta i teckningslektioner, med bara några exempel på bra och dåliga kompositioner som presenteras och lämnar allt för din intuition.
I denna artikel skulle jag vilja ha en mer praktisk inställning till kompositionen. Vad är det egentligen? Vad är den gjord av? Och mest av allt, hur kan du se till att din komposition kommer att panorera innan du placerar din första rader, istället för att se den först efter det att allt är gjort? Fortsätt läsa och jag svarar på dessa frågor för dig!
För att uttrycka det så enkelt som möjligt är komposition ett arrangemang av element som gör att vi ser dem som helhet. Varje konstverk har några komposition. Du skapar det medvetet eller oavsiktligt, men du kan inte skapa en ritning utan den.
I en mer praktisk mening är komposition förhållandet mellan bildelementen. Och det här förhållandet, inte elementen, är det första vi märker. Samtidigt är det faktiskt osynligt för oss. Det är som en levande varels skelett - du kan inte se benen, men de gör att kroppen ser ut som den gör. Utan skelettet skulle det inte finnas någon form.
Skelettet skapar formen samtidigt som det är osynligt för oss.Ändå är det den form som vi ser, och om du bara försöker skriva formuläret kan du sluta med något onaturligt. Du kan oavsiktligt skapa en form som ser rätt ut, men att vara medveten om skelettets påverkan ökar dina chanser att göra det.
Det är detsamma med kompositionen. Du kan försöka gissa hur du placerar elementen i bilden och önskar dig det bästa, men du kan också lära dig vad som gör ett konstverk ser bra ut och använda denna kunskap till din fördel.
Bra komposition handlar om balans. För mycket är lika illa som för lite. Om din ritning är en maträtt, är sammansättningen kryddan. Oavsett hur mycket tid du har spenderat i köket, kan felaktigt använda kryddor förstöra ditt arbete. Men vad betyder "korrekt"? Och vad är "kryddor" av kompositionen?
Eftersom kompositionen är en relation måste det finnas minst två element för att detta ska uppstå. Det förhållandet mellan dem kan baseras på många faktorer, vilket gör denna fråga så komplicerad. Låt oss ta itu med dem en efter en.
Även om kompositionen kräver att minst två element uppstår, kan du inte undvika att skapa komposition genom att dra ett element. Det kommer alltid att finnas en relation mellan det ena elementet och ram.
Med "ram" menar jag inte bara de rikt dekorerade ramarna av traditionella målningar. Rammen är gränsen till konstverket. Även om du inte bryr dig om det, skapas en ram av kanterna på ditt pappersark eller, om du tar ett foto av det, genom beskärningen.
Med andra ord är en ram en gräns mellan vad som är en del av konstverket och vad som inte är. Den här gränsen blir en del av kompositionen så fort du ritar något inom det-det är mini-universet i ditt konstverk. När du visar din konst till någon, ser deras ögon på hela ramen som helhet, oavsett var själva ritningen är.
1-konstverk; 2-inte-konstverkHär kommer vi till frågan om negativt utrymme. På bilden ser vi inte bara vad som ritas, utan också vad som inte är. Området mellan ritningen och ramen är inte "ingenting". Vi ser det, även om det inte skapades medvetet. Och även om vi ignorerar den delen, lägger den fortfarande till bildens mening och påverkar vår uppfattning om den.
Positivt utrymme mot negativt utrymme - när du skapar en, skapas den andra automatisktHär är teckningen liten i jämförelse med resten av konstområdet. Betraktaren ser mycket utrymme och karaktären. Faktum är att rymden är stjärnan i den här bilden! Om det är vad du ville ha, är det inget fel med denna komposition - det visar teckenets obetydlighet, vilket kan vara användbart. Om det inte var ditt mål, och du ville att karaktären skulle vara stjärnan, är det ett misstag.
Här har vi motsatt situation. Karaktären tar nästan allt utrymme, och resulterar i det blir utrymmet. Karaktären här är faktiskt ett konstverk - inte en karaktär av konstverket. Dess detaljer blir karaktärerna istället.
Här ser tecknet ut som om det försöker lämna konstverket. Betraktaren får se en hel del tomt utrymme och ett tecken som inte är intresserad i sin egen display. Är det bra eller dåligt? Återigen handlar det om avsikt.
Hur kan du göra dessa kompositioner mer intressanta? Tips: det finns ingen enda rätt lösning till var och en.
Sammansättningen kan förklaras huvudsakligen genom att visa jämförelsen mellan elementen. Kontrast är ett mått på skillnaden mellan dem. Det är mycket viktigt, för vi ser i jämförelse - vi jämför vitt utrymme med de mörka linjerna för att se en ritning.
Kontrast gör saker intressanta, för att det uppmärksammas. Det skiljer två saker, så att vi tittar på dem individuellt. Bilderna nedan har samma antal element, men den till höger har högre kontrast. Vilken komposition ser mer intressant ut för dig?
Hög kontrast gör att du snabbt kan hitta ett element, vilket ger dig en plötslig intresse. Låg kontrast visar dig samma sak långsammare, med större ansträngning, vilket resulterar i en tonad reaktion.När du tittar på en bild jämför du olika funktioner i elementen för att visuellt gruppera dem för en snabbare reaktion. Ju högre kontrast desto lättare är det att göra en sådan gruppering, och ju mer tillfredsställande den känns. Det finns många egenskaper som vi kan använda för att mäta kontrast:
Vi kan använda alla dessa egenskaper för att skapa kontrast i vår komposition. Det finns dock en fångst här. Kontrast behöver balans till jobbet. För många olika saker blir ett sak-kaos. För få blir en sak som ordning. För att uppnå en naturlig effekt måste du balansera kaos och ordning.
1-kaos; 2-balans; 3-ordningKontrast är så kraftfull eftersom den har en evolutionär mening - det får oss att se huvudet på ett lejon i ett gräsöpp eller en enda röd frukt bland gröna blad. Det uppmärksammar vad som är viktigt. Och så ska du använda den i din sammansättning: Att uppmärksamma vad som är viktigt.
Det betyder naturligtvis att du måste bestämma vad som är viktigt, och vad är bara en bakgrund. Efter det handlar det bara om att ge dem motsatta egenskaper. Det finns ingen anledning att använda dem alla, eller att göra dem alla motsatta. Det handlar bara om stilistisk val-realism gillar inte överdrift, men tecknade stilarter trivs på det.
Chibi-stilen använder kontrasten mellan en liten kropp och ett stort huvud för att få karaktären att se ut som söt som en bebis.Var och en av dessa objekt skulle vara tråkig om de placeras separat. Tillsammans skapar de ett förhållande, och det är vad vi ser - inte två objekt, utan en skala av skala.
Här försvinner känslan av skalan. För mycket kontrast resulterar i kaos, vilket skapar ett rörigt mönster istället för en scen.
Men kaos kan vara en bra bakgrund för ett viktigt element vi vill visa! Om det bara skiljer sig tillräckligt från kaoset kommer det att ses som det första, vilket gör bakgrunden obetydlig.
Vilka av dessa kompositioner är intressanta, och vilka är inte? Varför?
Vi säger ofta att kompositionen handlar om arrangemanget av elementen - deras position mot varandra. Men finns det korrekta och felaktiga arrangemang? Inte exakt, men det finns en sak säkert - vissa arrangemang har en mening för oss.
Rytmen är en visuell genväg som vår hjärna tar. Om vissa element följer en rytm behöver vi inte titta på dem alla en efter en. En rad fäktningsskenor är ett staket, ett "moln" av löv är en trädkrona etc. Men vi tar också subtila tips, separera naturliga föremål ("som de borde vara") från onaturliga ("som någon gjorde dem").
Rytm skapar en annan slags kontrast. I den här bilden drar den lilla blomman vår uppmärksamhet inte bara för att den är liten i jämförelse med de stora, men för att den bryter rytmen. Det blir "en rad av blommor" till "en liten blomma mellan stora".
Men det handlar inte bara om kontrast. Rytmen får oss att se något som inte riktigt drogs. En rad med stenar innebär att någon sätter dem på det här sättet. Ett "moln" av löv på ett träd betyder att de tillhör samma planta. Element som går i samma riktning innebär att de drivs av samma kraft (vare sig det är vind eller rädsla).
Detta ger ytterligare information till bilden. Och den här informationen bör inte vara av misstag, eftersom den lägger till kompositionens inverkan. Bara titta: en enkel tecknad tema "simning fisk" kan omvandlas till "gå mot tidvattnet" bara genom att bryta rytmen.
Rytmen (eller bryta den) ska inte vara oavsiktlig. Det betyder någonting - låt inte den innebörden stå som ett sätt för ditt avsedda budskap.Den brutna rytmen av ett brutet staket drar omedelbart vår uppmärksamhet. Vad hände? Var det en besättning av galna kor, eller bara en berusad bonde på en traktor? En historia utspelar sig bara genom att bryta rytmen.
Denna komposition handlar allt om beställningen. Det finns storleks kontrast här, så det är intressant, men vi ser också något mer här: det är 100% konstgjorda och kontrollerade. Allt driver till kaos, men här fortsätter någon att stoppa denna trend.
Här är en liknande situation, med träden planterade av människor. Denna komposition är enkel, men det finns viss skönhet i denna förutsägbara rytm.
Vad säger dessa kompositioner dig?
Din ritning är inte bara en uppsättning slumpmässiga linjer. De ska innebära något, men även det mest fantastiska meddelandet kommer att störas när man läser fel, till exempel när man läser från slutet.
Sammansättning kan användas för att leda betraktaren att se exakt vad vi vill att dom ska se, i exakt den ordning vi valde att vara den mest effektiva för att meddelandet ska förstås. Om du ignorerar detta kan tittaren få ett helt fel första intryck, ge upp på konstverket innan du förstår dess riktiga mening.
När vi tittar på en bild söker vi först efter saker att titta på. Ordningsföljden är viktig, för även om det tar millisekunder att se allt, kan en millisekund i naturen vara en fråga om liv och död. Vi vill se till att vi först ser de viktigaste elementen.
När du planerar en komposition måste du bestämma vad dessa "viktigaste elementen" är. Då kan du använda kontrast för att få dem att stå ut och rytmen för att skapa en väg för betraktaren att titta på dem i en viss ordning.
Låt oss titta på det tidigare exemplet igen. Alla linjer leder oss till mitten. Du tittar där innan du märker vägen eller träden. Oavsett vad du sätter där, kommer det att märkas först.
Här är det mer subtilt, eftersom rytmlinjerna är alla inom djurets kropp. Dina ögon glider längs den utan någon anledning att sluta. Detta bidrar till rörelsen.
Här gör kontrast att du tittar på den stora siffran först. Sedan letar du efter fullständig information, du tittar bara där de letar.
Vad märker du först när du tittar på dessa exempel? Hur rör dina ögon? Varför?
Nu vet du vad kompositionen är och hur man hittar brister i den. Men det hjälper inte om du avslutar en ritning och upptäcker bara att du har lämnat för mycket negativt utrymme, eller rytmen gjorde att ditt landskap ser konstgjorda ut. Därför måste du tänka på kompositionen innan du placerar din första raden.
Men hur kan du göra det, om du inte är säker på vad du ritar än? Planer tenderar att göra allt stift och tråkigt, och spontanitet kan inte planeras alls. Låt oss se hur man löser det.
Du behöver inte skapa en färdig ritning för att bedöma dess sammansättning. Observera att jag inte riktigt nämnde detaljer i teoridelen. Det beror på att de inte spelar någon roll i kompositionen. De ses som sista i bilden, långt efter vi förstår vad vi tittar på.
Därför behöver du inte slutföra en ritning för att se vilken inverkan den skapar. Du behöver bara se ram, kontrast, rytm och kontaktpunkter. Och det här är något du kan skissa ganska snabbt för att se hur elementen fungerar tillsammans!
Vi kallar den här metoden för miniatyrbilder. En miniatyrbild är en miniatyrversion av ett konstverk som du ofta ser innan du öppnar originalversionen. Du kan inte se några detaljer i miniatyrbilden, men du ser allt som är viktigast för bilden.
En miniatyrbild visar dig vad bilden handlar om utan att du faktiskt säger någonting. Bild från hur man skapar en söt baby drake foto manipulation i Adobe PhotoshopFör att skapa miniatyrbilder, rita först en uppsättning ramar som är miniatyrversioner av din avsedda ram (till exempel små rektanglar med proportionerna på ditt pappersark). Skissera sedan en mycket generell version av din ritning. Enkla former, enkla silhuetter, enkel skuggning - det här är allt du behöver för att se om kompositionen fungerar som du ville ha. Du kan också experimentera fritt utan att slösa bort tid.
Miniatyrskisser behöver inte vara rena, så spendera inte för mycket tid på var och en; Bara skissa din idé och döma dem alla senare.Du kan lära dig mer om miniatyrritning här:
Det är svårt att hålla rätt proportioner och avstånd när man skriver i ett stort format. För att se till att du skapar din sammansättning som avsedd, rita först grundelementen först.
Så här gör du det: titta på pappersarket och bestämma var den yttre gränsen på ritningen kommer att vara. Skiss det väldigt, mycket lätt. Skissa sedan konturerna av elementen inuti den, fortfarande mycket lätt. Du borde sluta med en "spöke" -ritning - något så subtilt att det är nästan osynligt, men det ska räcka för att se om din komposition är upprättad rätt.
Dessa linjer behöver inte ha något att göra med anatomi. Det handlar om de allmänna formerna som du kommer att se som det första när bilden är klarDu har nog redan hört talas om det, men jag kan inte hoppa över den här regeln i en artikel om komposition. Det finns många regler som du kan använda i detta ämne, men jag tror att regeln för tredje partar är den enklaste och universella av dem.
För att använda regeln, dela (fysiskt eller mentalt) din bild i tre vågräta delar och tre vertikala delar. Linjens övergångspunkter är enligt regeln naturliga kontaktpunkter för våra ögon. Placera de viktigaste elementen där-de element du vill att folk ska titta på först.
Det är ännu bättre om elementen faktiskt ligger nära dessa punkter, inte exakt i dem. En nypa oförutsägbarhet gör det intressantare.Denna regel berättar också vilka kompositioner som ska undvikas. Med hjälp av "en halvregel" är det till exempel ganska intuitivt, men dess kompositioner är ointressant i bästa och visuellt förvirrande i värsta fall.
Samma komposition kan enkelt förbättras, bara genom att flytta kontaktpunkterna något till sidan / uppåt / nedåt.Bokomslag använder ofta regeln för tredje part till deras fördel. Du kan lära dig hur du skapar dem nedan från våra handledning:
Det finns många faktorer som påverkar kompositionen. Hur kan du hantera dem alla? Du kan använda metaforiska vågar för att väga dem.
Det finns tre vikttyper i komposition: negativt utrymme, positivt utrymme och kontaktpunkter. Positivt utrymme är den faktiska ritningen. Negativt utrymme är området utanför ritningen (det behöver inte vara tomt utrymme - det kan bara vara himlen). Brännpunkter är de delar du vill att folk ska titta på.
En intressant komposition bygger på balansen mellan dessa vikter. Denna balans har också många nyanser, allt baserat på kontrastelementen. I "linjär" ritning bryr du dig mest om storlek. Om du använder nyanser, blir skuggning ännu viktigare.
Låt oss se hur man hanterar det. Här har vi ett element placerat i en kontaktpunkt som beskrivs av tredje stycket. Kompositionen är obalanserad, eftersom det här är bara ett litet element jämfört med stort tomt utrymme. Positivt utrymme och kontaktpunkten är desamma här.
Att lägga till ett annat liknande element i någon av de andra kontaktpunkterna löser inte situationen, eftersom den låser betraktaren i det centrala området som beskrivs av kontaktpunkterna. Därför skapas en tråkig central komposition.
För att balansera ut det negativa rummet är det bäst att göra det lite mindre negativt. Separat negativt och positivt utrymme någonstans nära trupperna i tredje stycket.
När positivt utrymme uppväger negativt utrymme kan negativt utrymme bli en kontaktpunkt.
Varje element i kontrast kan användas för att balansera kompositionen. Faktum är att hela denna balans sak handlar om att uppnå en riktig mängd kontrast. Så för att göra det mer intuitivt, tänk på en lågkontrastinställning som bakgrund och lägg till något kontrasterande för att kompositionen ska bli komplett.
Här skapas balans genom att bryta rytmen.Sammansättning handlar om förhållandet mellan elementen, men det finns ett element bortom ramen - tittaren. Om du tar med dem i din sammansättning kommer du att uppnå en annan, djupare relation.
När betraktaren tittar på en bild kan de se sig vara där-de behöver bara några tips från dig för att hitta sin position. Perspektiv kan hjälpa dig här. Tricket är att placera något nära "kameran" för att accentuera sin position.
Ju närmare något är för oss desto större är det. Så om det i din komposition finns en enorm version av något som normalt är normalt, betyder det att det är nära tittaren. Allting är långt ifrån dem, vilket skapar en känsla av djup.
Perspektiv kan också förbättra en komposition om du inkluderar någon form av skalaindikator. Den tydligaste är en mänsklig silhuett, men du kan också använda djur eller träd för detta ändamål. Om du gör det ordentligt blir skalan ett ytterligare element i din komposition.
Även när du vet allt om komposition, är det lätt att förlora din känsla av det efter timmar av att arbeta på samma konstverk. Du börjar bara se den som "något jag har sett tidigare", och det gör du inte känna det som någon ser det för första gången.
För att få mer avstånd och en ny vy måste du ändra ditt perspektiv från tid till annan för att tvinga din hjärna att justera. I digital konst är det enklaste sättet att vända bilden horisontellt. I traditionell konst kan du rotera pappersarket eller använda en spegel. Gör det ofta för att hålla din syn frisk.
En vänd visning blir en ny komposition för att din hjärna ska träna.När du har avslutat bilden, om det fortfarande finns något fel, finns det en sista sak du kan göra. Genom att ändra rammen - dess storlek eller proportioner - kan du ändra fokuspunkterna och förbättra kompositionen kraftigt.
I digital konst kan du alltid använda något slags grödverktyg. I traditionell konst kan du antingen använda en verktygskniv, göra rätt beskärning när du tar ett foto av konstverket, eller använd en ram som lägger till lite negativt utrymme, som täcker de delar du inte vill se.
Samma bild kan ha olika betydelser beroende på beskärningen du använder.Teori är teori, men i slutändan måste all den kunskapen bli en del av din intuition - något du kan använda utan att tänka. För att utöka din intuition, lägg till ytterligare ett steg till din uppskattning av ett konstverk. Försök att förstå varför det ser så bra ut, hitta elementet i kompositionen och försök att gissa vilket beslut konstnären måste ha gjort.
Intuition kan också utökas bara genom att bli utsatt för god konst. På så sätt jämför du dina kompositioner med alla dessa du har sett, utan att ens vara medveten om att du gör det. Det är dock bäst att kombinera intuition med kunskap.
Efter att ha förklarat alla dessa regler till dig måste jag lägga till den viktigaste: i konst finns det inga regler. Vi gillar vissa bilder, vissa kompositioner, och vi vet inte alltid varför. Konstnärer försöker skapa några tumregler som kommer att vara användbara mest av tiden, men i slutändan kan du rita ett fantastiskt konstverk bara genom att bryta dem alla.
Du kan använda kompositionsreglerna för att ta reda på vad som är fel med din bild, men de kommer inte att berätta för dig hur du gör det rätt. Experiment, håll ögonen öppna och skapa med ditt hjärta. Var inte rädd för att göra misstag - du kan också lära av dem!
