Hur man skapar och underhåller en ljudpalett

Har du någonsin lyssnat på varje enskilt spår i en mix och tänkt, "Hej, de låter häftigt!" bara för att lyssna på hela mixen och gå "eww?"? Tja mina vänner, det är vanligtvis resultatet av ingen samstämmighet i din mix.

Precis som färgerna i en målning måste en mix flöda på ett sätt som är meningsfullt för den sången. Da Vinci, Monet och Warhol målningar är alla mästerverk i sig, men blandning av deras stilar skulle sannolikt göra något mindre än önskvärt. Detsamma kan sägas om en mix där trummorna, gitarrerna, basen, sången etc. alla låter bra på egen hand men inte vettar ihop tillsammans.

För att en mix ska låta bra behöver det vara en palett av ljudfärger som alla arbetar tillsammans för att skapa ett slutligt mästerverk. I denna handledning lär du dig teknikerna för att skulpta och måla ditt eget soniska mästerverk från mikrofonval till mastering. hela tiden upprätthåller samstämmigheten i blandningen. Om du är redo, tryck upp din fader och låt måla!

Välj dina färger: Förproduktion

Det allra första steget i att skapa en sammanhängande mix är att bestämma vad den slutliga mixen ens skulle låta som. Om du inte har en tydlig riktning av vad du vill ha din slutliga mix att låta som då kanske du också målar i mörkret! Detta är vanligtvis den svåraste processen eftersom det kommer att definiera ljudet av ett helt album i många fall så det måste vara rätt.

Ofta kommer ord som varmt eller kallt att komma i åtanke för många människor men det är vaga termer som har många olika betydelser beroende på vem du frågar. Ingenjörernas definition av varm kan vara helt annorlunda än musikerna och båda kan skilja sig från producentens åsikt. Här är en lista med ord som du borde undvika om möjligt?

Varm: Överlägset mest missbrukade och hatade ord för någon ingenjör att höra. Det är över använt och vagt utöver tro. Använd inte det!
Cool: Precis som sin bror varm, Cool är ett ondt ord. Vissa tycker att det var coolt skulle låta mjukt och mörkt vilket lätt kan vara någon annans definition av varm. Hittar ett problem ännu?
Mörk: Ja Jag använde ordet mörkt för att beskriva dig så att du redan borde se ett problem här. Mörk för vissa betyder mindre höga frekvenser medan andra kanske verkligen tänker på något tungt ljud (tänk Metal musik).
Ljus: Ironiskt nog är det vanligtvis inte för mycket fel med ordet ljus som de flesta kommer att ta det för att betyda högre högfrekvenser, men andra kan lätt ta det som avsaknaden av lägre frekvenser.
Hot: Precis lika dåligt som ordet varma. Håll dig borta!

Medan det kan finnas massor av andra onda ord, det här är de som du hittar oftast. I stället för att tänka i dessa termer, låt mig förse dig med några andra ord som kan ge en bättre känsla när du bestämmer ljudfärgen. Se vad du tycker om dessa?

Tydlighet eller definition: När du tänker på något klart kan du se igenom det och se vad som ligger bakom det. Något som definierats har en mycket tydlig punkt på det; Inga frågor behöver ställas. I musik kan det här betyda en mix som ger varje instrument sin egen plats. Sparken och basen arbetar lyckligt tillsammans, gitarren kommer inte i vägen för sången etc. Dessutom kommer du ofta att höra transienterna (attack) av ett instrument och lämnas inte undra varför ackordet förändrades magiskt för uppenbarligen ingen anledning (sena 90-talet och början av 2000-talet pop alt rockmusiken är berömd för detta).
Öppenhet: Bara för att något är klart betyder det inte att det måste vara öppet. När ett musikstycke är öppet har det mycket utrymme för att alla spår ska andas och bli hörda. Jazz eller klassisk musik är ofta ett bra exempel på öppen musik men kan inte vara kirurgiskt klar som ett modernt punk- eller metalalbum. I tydlig musik vill du vanligtvis höra rummets atmosfär lite (eller artificiell reverb) för att ge blandningen en känsla av utrymme.
Fullhet: Ett spår som har full kvalitet till det fyller verkligen upp ljudsignalen. Många människor skulle överväga att ett instrument är fullt i sitt mitt till ett lägre intervall. Ett bra exempel skulle vara en akustisk gitarr som ger gitarrens kropp kontra en som är mer strängbrus.

Medan dessa är de enda tre orden som jag tilldelade tror jag att de är allt du verkligen behöver. Om du behandlar varje ord som ett kontinuum där en ände är den exakta definitionen och den andra är exakt motsatt kan du nu ha grader av öppenhet, tydlighet och fullhet. Du kan ha en mix som har mycket dunkla (oklara) instrument men har gott om plats för blandningen så att du hör att varje instrument är mörkigt på egen väg och inte bara en jätte murig pöl. Eller du kan ha ett spår som är kirurgiskt definierat men fyller fortfarande upp ljudsignalen.

Generellt sett har du bara verkligen plats för två av ovanstående i en blandning. Ofta när din mix har ett mer fullt ljud till det slutar du fylla i utrymmet. Om du verkligen vill ha den fulla och öppna blandningen måste du förmodligen offra tydlighet i övre änden för att göra plats för "luften" i en reverb. Du kan självklart balansera alla tre om du väljer. Sammantaget borde du verkligen inte behöva mer än två ändå. Metall och rock är vanligtvis tydliga och fulla eller klara och öppna (beroende på vilket årtion du går för), Jazz och klassisk kommer att vara öppen och tydlig, pop är oftare än inte full och öppen eller klar och öppen, ett vintage ljud är brukar ha en full och öppen kvalitet till den.

Nu när du har bättre perspektiv på vad dina alternativ är så långt som ljudfärger går, är det dags att välja dina färger. Kom ihåg att det här kommer att styra ljudet från början till slut. Du kan alltid gå tillbaka och byta saker om du behöver, men det är oftast bäst att undvika detta till varje pris.

Få dina färger: inspelning

Nu när du har bestämt dig för ljudpaletten vill du arbeta med sin tid för att faktiskt få de goda färgerna. Bara hur en målare blandar färger för att förbättra och skapa nya färger, du måste ta hänsyn till dina mikrofoner, deras placering och dina preamps för att få de ljud du vill ha. Det här är överlägset det viktigaste steget i processen att få rätt, för om det inte låter hur du vill ha det nu, då kommer det inte när du mixar. För att vi ska kunna få det ljud vi vill ha måste vi först ta hänsyn till hur vi ska placera våra mikrofoner.

Placering av mikrofon

Alla erfarna ingenjörer kommer att berätta att mikrofonplacering är nyckeln till att få ett bra ljud. En nybörjare ingenjör kan göra en $ 5000 mikrofon ljud hemskt och en erfaren ingenjör kan göra en $ 100 mikrofon ljud fantastisk (lita på mig jag har sett båda). Med så många instrument i världen idag skulle det vara omöjligt att täcka varje enskild och hur man spelar in den. Istället kommer vi att närma oss mikrofonplacering från ett mycket allmänt perspektiv och hur det kan spela i klarhet, öppenhet och fullhet.

För ett tydligare ljud på en ljudkälla kommer du att vilja fånga upp högre mids till höga änden av sitt frekvensområde. Här ligger definitionen i de flesta ljudkällor. Använd ditt öra för att ta reda på var det aktuella sortimentet kommer från och rikta din mikrofon där. Du kan till och med dra tillbaka din mikrofon bara lite för att hjälpa till att minska boxinessen och av förhållandet får toppändan att bli bättre. Ett annat alternativ är att bara rikta din mikrofon så att den inte hämtar nedre intervall också (bra trick för cymbal mikrofoner).
För ett öppet ljud behöver du behöva dra tillbaka din mikrofon; förmodligen lite längre än du kanske tror. Genom att göra detta kommer instrumentets ljuvtid att utvecklas och hjälpa till med att fånga en liten bit av rummets naturliga ton. Var försiktig men om du befinner dig i ett dåligt ljudupplösat rum, då ingen kommer att vilja höra fladdrande eko och liknande.
Om det fulla ljudet är vad du är efter är du inte rädd för att komma rakt upp i instrumentets ansikte. Det här varför vi ofta spelar in gitarrer med mikrofonen precis uppe på grillen eftersom rock kräver vanligtvis det i ditt ansikte fullt gitarrljud. Var försiktig dock att du inte accentuerar den övre änden om du inte är säker på att du vill ha det kraftfulla basområdet.

Mikrofonval

Om placering är nyckeln är mikrofonvalet handen som vrider nyckeln? (ok dåligt skämt) Det är viktigt att du väljer rätt mikrofon för jobbet. Nu om du kommer att ursäkta ska jag komma på min såpboks?

DET ÄR INTE OM DET ÄR TUBE, SOLID STATE, CONDENSOR ELLER DYNAMIC, VAD ÄR SAKER "LYCKER DET LJUD RÄTT FÖR JOBBET?"

Ledsen för det, nu när vi har det klarat upp låt mig utarbeta lite. Jag har hört rörmikroppar som gör saker till mush och rörmikroppar som var tydligare än solid state mics. Det finns kondensatorer som har ett bra lågreaktionssvar och dynamik som har en bra toppändning. Allt beror på mikrofonen och hur du placerar den. Se till att din mikrofon komplimangerar placeringen och ljudfärgen du ska gå för. Här är några riktlinjer men kommer du ihåg? Det finns alltid undantag.

Dynamiken är generellt sett inte lika tydlig som kondensatorer, men kan enkelt lätta sig klart beroende på placering.
Rörmikare låter oftast inte lika tydligt som ett fast tillstånd, men de har mycket karaktär för dem (vilket kanske fungerar för din ljudpalett).
Kardioidmikrofoner är bra för att få ett definierat eller fullt ljud eftersom de har bra tillbakaförkastning. Om du spelar med sin närhetseffekt (basen skryter när du kommer närmare ljudkällan) kan du få mycket variation i hur mycket instrumentet låter.
För det öppna eller mer naturliga ljudet skulle jag helhjärtat säga gå för en Omni riktningsmikrofon som de kommer att hämta från alla håll. Försiktig igen om ditt rums ljud är mindre än önskvärt.
Ett intressant alternativ för fullhet och öppenhet är figuren 8 mikrofoner. Eftersom de plockar upp i två olika riktningar är ett band bra för att få fullt ljud med bara lite andetag. Traditionellt är de inte definierade som kondensor men behåller fortfarande en fin jämn toppändning.
Ett annat övervägande att hjälpa till med ditt ljud är ett stort membran eller en liten membranmikrofon. Vanligtvis små membranmikrofoner kommer att ha en tydligare övre ände eftersom det är lättare för högfrekvenserna att flytta en mindre kapsel än en större. Men som alltid är ingenting absolut.

Preamp Selection

Det sista stycket i pusslet för att få din ljudpalett så som du vill, är preampen. Om ditt preamp-val är begränsat (säg bara ett gränssnitt) så har du verkligen inte för mycket att tänka på. Om du har några preamps eller bara olika preamps att välja mellan, har du nu ett beslut att göra. Det är alltid bra att bestämma vad dina "neutrala" preamps är så att du kan jämföra allt annat mot dem. När det gäller att para ihop en preamp med en mikrofon har du vanligtvis två alternativ?

Välj ett preamp som förbättrar mikrofonens ljud. Detta kommer att accentuera det naturliga ljudet på mikrofonen vilket gör ljudet ännu mer uppenbart.
Välj en preamp som kontrasterar ditt mikrofonval för att försöka balansera ljudet. Ett exempel skulle vara att ta en liten membrankondensor och para det med en rörförstärkare.

Jag är personligen en förespråkare för att kontrastera och balansera mikrofonen i preampen men det finns gott om situation när du inte vill göra det här. Om du vet att du vill ha det mjuka basljudet kan du använda en stor membran dynamisk som en RE-20 och koppla den med en rörförstärkare. Valet är ditt och ditt eget.

Måla en bild: Blandning

Nu när du har spelat in dina spår och fått din ljudpalett är det dags att måla en sonisk bild. Om du spelar in allt bra så kommer du att finna att genom att helt enkelt justera nivåer kommer du redan ha en bra bild! Du kommer att veta när du har spelat in något bra för att det praktiskt kommer att blanda sig.

Men även en bra bild är inte perfekt utan de små detaljerna. Det finns alldeles för många variabler att täcka i en enda handledning om hur man mixar. Men det finns några allmänna regler och begrepp som kan tillämpas på de flesta blandningssituationer. Här är några tips för att raffinera ljudet lite längre?

När du använder kompressorer kommer du oundvikligen att fylla upp ljudutrymmet lite eftersom du minskar det dynamiska området. Ju mer du komprimerar ljudet ju mer det kommer att låta upp i ditt ansikte. Tänk också på dina attacker och släpptider, liksom kompressorns stil du använder. Om du krossar transienterna ner kommer du att få ännu mer volym men titta på snap och en del av tydligheten i din mix.
Om du vill ha den superklara blandningen måste du vara mycket försiktig med hur du hanterar reverb. Din supertäta och rena inspelning kan enkelt sköljas ut. Sedan igen om du är ute efter ett bra skick av utrymme, låt sedan reverb flyga men skölja fortfarande inte allt. Prova att använda flera reverb om blandning av rock, pop, etc. men om du arbetar med Jazz eller Classical som låter lite för torr, försök med att använda en subtil bussreverb för hela mixen. Slutligen om du vill ha ett öppet men fullt ljud försöker du placera reverbet i ett frekvensområde som inte kolliderar med instrumenten för mycket. Detta kommer att ge illusionen av mer utrymme än det faktiskt finns där.
När det gäller EQing kommer du att ha mycket val att göra. Precis som med kompressorer har du EQ-tecken (inkursfasskift) och kirurgiska EQ (inga fasskift) och behöver bestämma vad som är bäst för ditt projekt. Om du verkligen behöver det tydliga och öppna ljudet så skulle jag använda en kirurgisk stil EQ och klippa ut många onödiga frekvenser för att frigöra mer soniskt utrymme. Om du vill ha ett frodig fullt ljud så kan en karaktärsstil EQ vara mer upp din ö.
En annan uppsättning alternativ är transienta shapers och portar för dem som behöver den definierade stansen i din mix. Snygg användning av dessa verktyg kommer att lägga större tonvikt på attackerna i ditt mix och nerspel som behålls. Men du kan ofta använda en övergående form i omvänd ordning för att minska attackerna och ge dig mer utrymme för att göra en full mix också.

Huvudsyftet med att blanda för att förbättra ditt ljudlandskap och skapa ett soniskt konstverk. Försök inte slåss mot den riktning som mixen vill ta för mycket. Ju mer du bekämpar det desto mer kommer du förmodligen att inse att du behöver spåra någonting.

Förbättra din bild: Mastering

Du har skapat en ljudpalett och målade en underbar bild med din mix. Nu måste du verkligen frambringa det bästa i målningen genom att lägga till lite färgkorrigering och förbättring. Vad? Kan inte en målning gå digitalt för lite färgkorrigering?

Mastering är en mycket missförstådd konstform som missbrukas av de som inte känner till processen. Många gånger kommer människor helt enkelt att squash livet ut ur en mix för att göra det starkare och kalla det mastering. Mastering är mer än bara att göra det högt, det undersöker blandningen som helhet och subtivt förbättrar blandningens kvaliteter (eller ibland fixar vad som är fel men du skulle inte låta det vara något fel skulle du?).

Vid mastering använder du ofta samma teknik som du skulle i blandningssteget, men kommer att applicera dina effekter mycket mer subtilt. Ditt mål är att verkligen ta fram ljudet av låten och hela ljudpallen som du har arbetat för hela tiden. Vanligtvis vid denna punkt i processen skulle du vilja undvika reverb, flangers, phasers, chorusing, etc. om du inte har en mycket bra musikalisk anledning att göra det. Multi-band kompressorer kommer att vara dina vänner i mastering samt solida buss kompressorer, linjära fas EQs och (i vissa fall) mättare. Mättnad är vanligtvis reserverad för en mixning som vill ha bandljudet men vill fortfarande ha tydligheten i ett digitalt modernt arbetsflöde. Mättnad utförs antingen genom plugins, konverteras till tejp och tillbaka till digital, eller genom att spela in mixen genom olika mik-pres.

Vissa människor tror att du bara kan behärska i den analoga domänen medan andra skulle behålla dig som behöver superklara digitala plugins. Sanningen är att du måste hitta ett arbetsflöde som fungerar för dig för att få det ljud du är ute efter. Glöm inte din ljudpalett du har jobbat så svårt att göra med; starkt står bredvid analoga eller digitala när ditt projekt behöver motsatsen är ett meningslöst misstag.

Slutsats

För att skapa en sammanhängande och flytande slutsång måste du behålla kontinuitet i ljud från början till slut. Om du verkligen kan spika ner ljudet du är ute efter innan du någonsin satt foten i studion så får du en effektiv och trevlig inspelningsupplevelse.

Jag rekommenderar att du håller din ljudpalett densamma genom ett album om du planerar att spela in ett helt album. Om det bara är en sångbaserad låtslag, försök sedan olika tillvägagångssätt och se vilken palett du gillar! Det kommer oundvikligen att träna sig för att bli bra på att måla en mix, men varje konst kräver tålamod och övning.

Gå nu dit och låt mig höra dina konstverk! Ta hand om dig!

Musik och ljud