Share
Att blanda alla banor till en professionell standard är ett hantverk som tar tid och erfarenhet att behärska, liksom en bra övervakningsmiljö. En bra blandning kommer att ha energi, spänning och potential att få omedelbar inverkan. Men på en djupare nivå kommer den att presentera detaljer och en sonisk rikedom som fängslar lyssnaren.
När du lyssnar på nära håll, låter inget i synnerhet, arrangemanget passar den musikaliska stilen. Ändå är slutresultatet så mycket mer än summan av delarna-det finns en särskiljande känsla som skiljer den från varandra.
Här är ett exempel i en R & B-musikstil från de senaste popkartorna för 2014:
Självklart är all pop / rockmusik en modeåkning av olika slag. Åsikter om artister och deras produktion är ofta mycket subjektiva och mycket olika! Men med fokus på musiken och försöker vara objektiv från mixingenjörens synvinkel, skulle jag föreslå att när huvudspåren kommer fram verkar det leverera allt som förväntas, allt "passar" med tanke på den stil som det visar sig vara.
Vid mixning har varje instrument sin egen plats inom ljudspektret och behöver behandlas som sådan. Så hur uppnås detta?
Att utveckla en god förståelse för varje instruments naturliga frekvensområde (och sång) och lära sig hur de kan sväva tillsammans för att göra en perfekt naturlig passform kommer säkert att vara en ovärderlig hjälp för oss när tiden kommer att blanda det spåret!
Låt oss börja med att introducera "soundstage" -konceptet - ett tredimensionellt ljudutrymme som vi ska arbeta inom, eftersom vår spårblandning kommer samman. Blandningen "soundstage" är som den ljudbaserade motsvarigheten till en teaterstadium; den har bredd från låga frekvenser till mycket hög men även djup som kan betraktas som volym eller nivå och positionsfokus.
Till exempel, i en typisk professionell rockblandning som är avsedd för att lyssnas till inom stereokontexten, kommer bastrumma och snare, basgitarr och bly vokal att sitta i ett centralt läge. Resten av satsen, gitarrer och tangentbord, och varje slagverk tenderar att motverkas i viss utsträckning; lägger bredd till spåret.
Framförallt leder ledningen spåret, för energin och brådskan av en bra sångprestation är uppenbarligen avgörande. Många mixingenjörer kommer att tillbringa mycket tid och fokusera här och få det här exakt rätt.
Hur kan vår förståelse av EQ förvandla vår förmåga att blanda ett spår? Varje instrument har ett naturligt frekvensområde som tenderar att fungera inom. Förutom detta naturliga frekvensområde kommer det att finnas associerade övertoner som vanligen är något mindre uttalade men dessa hjälper till att definiera instrumentets naturliga ton eller karaktär.
Diagrammet nedan illustrerar detta:
EQ Frequency Chart courtesy Det oberoende inspelningsnätet. Klicka här för deras interaktiva version.Du kommer se längst ner i diagrammet där det finns olika beskrivande ord som ljudingenjörer och musikare brukar använda. Även om dessa är lite vaga och definitivt inte tekniska termer, kan de vara till hjälp för att utarbeta hur man EQ effektivare.
Till exempel tenderar en manlig vokal att fungera i 100 kHz-1K-serien. Dess specifika värmeområde kan vara omkring 200 kHz. En kvinnlig vokal kommer vanligtvis att ha sitt värmeområde lite högre än det här - kanske runt 400 kHz, beroende på sångarens intervall och ton.
Observera att de gula streckförlängningarna indikerar att de övre övertonerna hos både manliga och kvinnliga vokaler varierar mycket högre än 1,5 kHz. Dessa högre övertoner är kritiska för att ge röstets karaktär. Högre över 8 kHz är där vokalens skarpa hörs. Tydligheten i dikten och sibilantens ljud 's' och 'c' tenderar att hända här.
Varje spår ställer olika utmaningar, och bara dina egna öron kan vara domaren av hur man rymmer allt perfekt över det soniska spektret. Men att lära sig att EQ "muddiness" ut ur den elektriska elgitarrdelen eller EQ i en lite mer högklart klarhet till den där vokalen - allt detta är nyckeln till att skapa en bra mix.
Spårinspelning och blandning är helt olika discipliner. När du spelar in kommer ditt fokus sannolikt att vara en bra prestanda på en anständig nivå men utan att riskera förvrängning eller överbelastning. Oavsett om du bara skriver ut en MIDI-programmerad del eller spelar en live-prestation, kommer ditt mål sannolikt att fånga den naturliga värmen och fullheten av delen.
Resultatet kan vara ett ganska fylligare och större ljud än vad du faktiskt behöver när du kommer att mixa senare, men det här är inte i allmänhet ett problem. Det är faktiskt ofta bättre att få ett lite fylligare ljud; du kan alltid EQ det lite mer tätt genom att "skulpta" ut lite i frekvensområden som du inte behöver senare.
För att illustrera mixen EQ-processen, här är en inspelning av en pianodel som jag gjorde. En liten del kompression och EQ applicerades på vägen in, men främst för att säkerställa att ljudet var så komplett som möjligt:
Piano Del: Nej EQ
Vid mixning skiftar fokuset emellertid helt. Nu måste pianodelen monteras i en övergripande ljudbild i ljudbilden.
I det klassiskt ljudande instrumentalspåret är piano faktiskt en ledningsfunktion, så jag bestämde mig för att det behövdes en touch mer låg slut på runt 100 kHz för att lägga till några kommande "vikt". Jag lade också till en stark hiss på 5.8kHz-främst eftersom jag verkligen ville att de höga tredjedelen i arrangemanget skulle gnista och skära genom en beröring mer.
Här är en skärmdump av den faktiska EQ som jag använde vid den tiden med hjälp av en Waves Renaissance EQ plug-in:
Lyssna nu på den blandade versionen av pianoet med hjälp av ovanstående EQ-inställningar:
Piano Del: EQ läggs nu till
Skillnaderna är ganska subtila, men tydligt hörbara. I själva verket låter den raka inspelade piano versionen bättre bättre när den hörs på egen hand! Men det är inte otypiskt - den blandade versionen måste sitta inom ramen för ett upptaget arrangemang.
Lyssna på den slutliga mixen och bedöma slutresultatet för dig själv.
Låt oss titta på ett annat exempel; strängdelar i en blandning. Vanligtvis erbjuder inte violins något under 200kHz, och de är alltid rika på harmoniska övertoner, så att fånga den klassiska "sizzle" kommer sannolikt att innebära att man skär ner en del av vikten på den del som ligger lägre i frekvensområdet - och kanske tycker att det är sött spot högre upp till bara ge dem tillräckligt med en "kant" eller lite mer "luft" om de behöver det.
Här är ett kort utdrag av programmerade strängar i fyra delar skriven för en filmisk instrumental bit, inspelad i den råa:
Strängar: nej EQ
Nu är det samma sak med Waves EQ skärmdumpen nedan. Några låga ändar har lagts till 140Hz för att dra ut djupet av de låga cello femtedelarna, men för att kompensera finns det en ganska stark skärning på 500Hz med en ganska bred Q-inställning för att bli av med mycket lågmid vikt. Närvaro och "luft" har lagts till högre upp:
Strängar: EQ tillagd
Lyssna på den slutliga blandningen här. Strängarna ange kl 0:45 ".
Med en parametrisk EQ, förutom att du ställer in en frekvens och förstärkning eller skärning, kan du ställa in bredden på frekvensbandet över vilket din utjämning ändras. Detta kallas "Q" -inställningen.
En enda oktavförändring är ett "Q" -värde på 1; så något under 0,7 eller så kommer att vara en bred, generell utjämningsändring, medan en "Q" -inställning på 5 eller 6 skulle vara en mycket smal, exakt hak av frekvensminskning (eller förstärkning). Du kan använda det här för att hantera en viss bullerfråga till exempel.
I ovanstående REQ-plugin är den lägsta raden där inställningen "Q" tillämpas.
Jag är en angelägen användare av alla typer av pads i ett spår; mjuk, luftig, utvecklande eller eterisk. De kan verkligen lägga till drama på en ballad och ge en känsla av djup på vilken blandning som helst, men de kommer också med en riskfaktor i mitt sinne. Om de är för fulla eller bara för höga, kan de ofta tömma energin ur spåret.
Enligt min mening verkar många tillverkare att designa kuddar mycket rika och fulla, kanske bara för att imponera på lyssnaren att köpa dem i första hand! Men risken är att dom bara kommer att dominera och ta över allt tillgängligt ljudutrymme.
Så jag tycker att lektionen här är: Var brutal när du behöver vara. Var inte rädd för att bilda EQ-vikten ur den kudden så att den inte stör rytmavsnittet på ditt spår. Vissa pads har naturlig luft som du kanske vill betona lite, men för mig verkar det oftast mest om att skära bort vad du inte behöver - och hålla nivån väl under kontroll.
Gör AB-testet. Är spårenergin fortfarande kvar? Och lägger kudden till lite lite obestämbart för ditt spår? Kanske är det allt det behöver göra.
Plug-ins som finns i din DAW finns nu i överflöd och har vanligtvis använts länge för att bearbeta ljud. Det finns många exempel som kan vara mycket rättsmedicinska och göra ett bra jobb. Några är utformade för att faktiskt efterlikna hela mixprocessen som de bästa ljudingenjörerna går igenom för att få ett färdigt professionellt ljud på vissa instrument.
Till exempel har pluggarna Waves Maserati inställningar som efterliknar en kedja av processorer som den högsta professionella ingenjören Tony Maserati kanske brukar använda på gitarrer. De är mycket effektiva, men dessutom visar de också hur en toppmixingenjör kanske vill skapa ett ljud för att uppnå ett professionellt mixresultat.
Lyssna på den här gitarrdelen med och utan plug-in-förbättringar. Fördröjningsdelen genomfördes också genom samma process och ingår i dessa MP3-exempel:
Välj gitarrdel: ingen behandling
Välj gitarrdel: Maserati Plug-In tillagd
Vad är skillnaden? Lite mindre vikt, det verkar för mig och en närvaro betoning för att säkerställa att rytmen skärs igenom. Självklart hade gitarristen redan gett massor av komprimering - och kanske lite EQ - till det "råa" inspelade ljudet via sin egen amp och pedalboard, så här tar mixbearbetningen bara samma logik lite längre.
Här är skärmdumpen för plug-in. Tyvärr säger inte denna plugin mycket om den aktuella signalkedjan som används, men jag antar att det ultimata ultraljudet är det som betyder något.
Var ska man klippa och när man ska öka? Bara tid och erfarenhet kan verkligen hjälpa dig så mycket beror på musikaliskt sammanhang och stil, plus dina egna öron som arbetar inom en välbekant övervakningsmiljö.
Men här är en användbar guide som kan vara till hjälp, om frekvensfrekvensvärlden ger dig en känsla som mystifieras ibland:
I kommentarfältet har jag lagt fram några personliga observationer som brukar vara saker jag är vanligtvis ute efter när man blandar när det gäller det aktuella instrumentet.
I denna handledning har jag bara kunnat ta på några aspekter av vad som är ett mycket komplext hantverk. Likvärdighet är en viktig aspekt av spårblandning, men i praktiken används den interaktivt tillsammans med kompression, reverb, fördröjning och eventuellt olika andra processer.
I nästa artikel kommer jag att titta på några andra viktiga aspekter när det gäller att blanda inom soundstage; reverb och fördröjning.
Accentsconagua