Share
Enligt min åsikt finns det inget så inspirerande som att arbeta med begåvade och erfarna musiker i en inspelningsstudio. Jag njuter alltid av dessa sessioner enormt - ditt arrangemang är allt organiserat och backing track mixen är klar; nu sitter du bara i din studio och väntar på att spelaren kommer fram.
Provsamlingar är givetvis rikligt utbud för alla de viktigaste orkester- och jazzinstrument, för att inte tala om ett stort antal "off the beaten track" -instrument, allt från etniska och inhemska till helt enkelt outlandish! Men en riktig spelare kan ge så mycket mer till din musik.
Om den spelas in i en lämplig inställning med rätt typ av mikrofon, är ljudet garanterat att det är absolut äkta för en sak. Den andra stora faktorn är sessionsmusikerens egen kreativitet. De tar med sig sin talang och "tar" på ditt låtarrangemang och det mervärde som ger med sig är mycket ofta ovärderligt.
Här är ett utdrag ur ett arrangemang som jag gjorde en stund tillbaka som har en levande flöjt som bär melodin. Delet fortsätter sedan vidare till en brosektion. En vacker ton och intonation är avgörande när instrumentet i fråga är så långt framåt i mixen.
Här är ett annat utdrag i en något keltisk stil; den här gången en violinist. Som jag minns spelade den här spelaren från en del som jag tidigare skrivit ut med scoringsprogramvara, men den speciellt vackra tonen och stilen av intonation här skulle vara extremt svår att emulera med instrumentprover.
Naturligtvis tar inspelning av "riktiga" spelare sin egen uppsättning specifika problem och problem att lösa. Dessa sträcker sig från vilken mikrofon som ska användas, hur man bäst kan förbereda spåret för den anländer spelaren. Ditt övergripande mål bör vara att försöka göra hela upplevelsen så bekväm och naturlig för sessionen som möjligt.
Kom ihåg att de sannolikt kommer att försöka spela en del som de aldrig sett tidigare, samtidigt som de försökte acklimatisera till din studiouppsättning och spåret själv, allt på samma gång. I den här handledningen tar vi en titt på en rad olika instrument vid det klassiska slutet av spektret och ser hur du bäst förbereder dig för en session med någon av dem.
Om vi tänker på symfoniorkestern som "familjer" av instrument (strängar, träblåsare, mässing etc.) kommer du märka att jag har valt en eller två från varje grupp och inkluderade även harpan, vilket kräver en lite annorlunda inställning. De flesta klassiska musiker har en sak gemensamt: de läser normalt musik mycket bra, eftersom det var en viktig del av deras tidiga musikutbildning. Det är därför ganska sannolikt att de kommer att förvänta sig att se en notiserad del på dagen.
Jag föreslår inte att klassiska musiker inte eller inte kommer att improvisera. Några av dem gör det väldigt bra. Men chansen är att de kommer att känna sig mycket mer bekväma att arbeta med ett musikark tryckt ut framför dem. Så jag antar att du planerar att skriva ut din del, vilket du troligen kommer att använda med ett notationsprogram.
När du har ditt arrangemang i åtanke, hur mycket detaljer borde du inkludera från sidan? I den klassiska världen är helt och hållet alla nyanser täckta: uttryck, fras, bockmärken etc. Det finns inget korrekt svar på det här, men jag brukar gynna "bare ben" -metoden, eftersom du alltid kan arbeta med detaljerna med spelarens inmatning under sessionen.
Här är en låtintro som har en cellodel. Efteråt dyker cellodelen ner i ett nedre register när huvudrollen kommer in.
Den del jag gav spelaren till intro är skrivet nedan (visst ganska kort!). Jag försökte ge dem en tydlig barräkning från början av låten. Det hade också varit ett tyst klick spår som körde i deras hörlurar för att hjälpa till att cue dem in.
När jag skriver strängdelar, tenderar jag att lämna böjmärken eftersom dessa kommer att diskuteras under sessionen och spelaren kommer att veta hur man spelar delen tekniskt för att låta det jag vill ha.
Här är ett annat MP3-exempel, följt av den noterade delen. Den här gången spelar en fiol melodinjen:
Den del jag gav spelaren vid den tiden skulle inte ha inneburit några bockmarkeringar, men jag har lagt till ovanstående, baserat på hur prestationen gick. Det är viktigt att känna till instrumentets exakta gränser, och även vilken typ av ljud det kan producera över sitt tonområde när du skriver delen.
Tips: Det är en bra idé att ha någon form av orkestrering ordbok tillgänglig för dig som kan ge intervaller och beskriva grundläggande instrument egenskaper. Det finns ett nummer. Min personliga favorit är "The Essential Dictionary of Orchestration" av Dave Black och Tom Gerou. Detta är billigt, oklart och även pocketbookstorlek; så det är lätt att bära runt.
Jag har arbetat med alla ovanstående i min egen studio-violinist som spelar i en "celtic" stil och också en mer klassisk tillvägagångssätt, jazzflöjt och klassisk flöjt. Jag har också spelat in keltisk harpa flera gånger, men en orkesterharpa endast en gång. Vid det tillfället var jag väldigt oroad över huruvida instrumentet verkligen skulle passa in i min studio, som har ganska lågt tak.
När spelaren kom fram överraskade hon mig genom att vägra att låta mig hjälpa henne att lossa instrumentet från sin lastbil. (Klart tänkte hon på kostnaden för instrumentet och min egen brist på erfarenhet att bära en!) Hon producerade omedelbart en vagn lämpad för ändamålet från någonstans inom fordonet. Jag är glad att säga höjden på instrumentet rensade höjden på min studio ... men bara med ungefär två tum!
Här är ett exempel på hur den keltiska harpan kan låta. Detta är hämtat från en låtinledning.
Generellt sett bör man använda godtagbara resultat med hjälp av en rimlig kvalitetskondensatormikrofon. En stor membrankondensatormikrofon som en AKG C414 eller en Neumann U87 skulle vara ett typiskt professionellt val för en sådan situation men många andra alternativ är också möjliga.
Placering av mikrofonen är avgörande. I allmänhet vill du placera mikrofonen ganska nära instrumentet eftersom detta kommer att minska rummets omgivande ljud. Se tabellen nedan.
Rummets naturliga omgivande ljud kommer att bli allt tydligare, eftersom en mikrofon placeras längre bort från ljudkällan. I själva verket minskar ljudnivån med en faktor 6dB eftersom avståndet fördubblas, vilket är ganska mycket.
Mängden direkt ljud i förhållande till rums ljud kan styras av både mikrofonens avstånd från ljudkällan och i mindre utsträckning mikrofonens polära mönster (kardioid eller omriktning).
Kommer du att mäta instrumentet i mono? Min preferens skulle vara att spela in alla dessa instrument på en monospår med en enda mikrofonkälla, med undantag för den harpa som kan vara till nytta genom att ha ett stereopar mikrofoner upprättat ett litet avstånd.
Här är ett diagram som ger några specifika tips och mikrofonförslag:
I praktiken förefaller jag ofta att jag står bredvid spelaren medan de värmer upp och försöker lyssna på den "söta" platsen där instrumentets ton kommer över mest effektivt. Det här är den plats där din mikrofon behöver fokuseras, och är där du ska leta efter att ställa upp den. Kontrollera dock att det inte kommer i vägen för spelaren eller döljer hans eller hennes syn på musiken. Violinister och cellister behöver rum för att buga sina instrument.
Med flöjten har jag märkt att ljudet kan variera ganska mycket beroende på mikrofonpositionen. För nära munstycket och du riskerar att få för mycket andedräkt blandat in med ljudet, men för nära nycklarna och ljudet börjar bli dominerat av fingrarna på knapparna. Det är ganska förvånande hur en bra mikrofon kommer att hämta det minsta ljudet, men försumbar du kanske tror att den är vid den tiden.
En bit av avståndet från instrumentet slutar ofta vara det säkraste alternativet, speciellt om du planerar att använda någon kompression senare, eftersom detta kommer att ta upp ljudet golvet ganska lite. Misstag är lätta att göra, och jag har säkert blivit uttråkad i det förflutna; och har funnit mig att lyssna tillbaka senare till sessionen tar med det udda bruset eller två som inte borde vara där, långt efter att spelaren har försvunnit!
Harpan är unik genom att den har 47 strängar organiserad icke-kromatiskt. Spelaren spelar med en uppsättning pedaler anordnade för båda fötterna på basen av instrumentet för att ändra inställningen av dessa strängar.
De flesta harpister som spelar in regelbundet har extra filt monterad för att dämpa dessa pedaler, vilket annars kan göra ganska klumpigt ljud! Det är generellt bäst att ställa in ett stereopar mikrofoner något på avstånd från instrumentet, för att undvika oönskade pedalbuller och fingerbuller på strängarna.
I nästa artikel ska jag titta på hur man spelar in jazzinstrument, vilket helt och hållet kräver en annan inställning. Vi tittar också på andra viktiga tekniska problem som hur du skapar en bra hörlurar mix och lämplig användning av komprimering och avstämningskorrigering.
Accentsconagua