Share
Charlene Chua (som också är känd av hennes nicknamn, Sygnin) är en Toronto-baserad illustratör och en digital konstnär. Hon arbetade som grafisk formgivare, webbproducent och en interaktiv projektledare innan han började spela i illustrationer på heltid. Charlene har en varierad och effektiv kommersiell stil av illustration.
Hon har genomfört projekt för olika media som: reklam, redaktionella, barnböcker och mer. Hennes arbete har dykt upp i Illustrationsföreningen i Los Angeles, Illustration West 43 och 45, "och" Ballistic Publishing's Exotique 4 ", liksom flera andra konstböcker. Vi tog tillfället i akt att prata med denna begåvade konstnär om hennes arbete och hennes erfarenheter som illustratör.
1. Hej Charlene, välkommen till VECTORTUTS! Ge oss en liten bakgrund bio av dig själv; berätta var du är från och vad gjorde dig fördjupa digital konst.
Hej! Tack för intervjun VECTORTUTS! Jag heter Charlene Chua, och jag är en heltids illustratör baserad i Toronto. Jag föddes i Singapore och bodde ganska länge tills jag flyttade till Kanada med min man år 2007. Min bakgrund är en varierad mix, men det har alltid vridit sig om tillämpad konster; Jag var grafisk formgivare, webbdesigner, webbproducent och en interaktiv projektledare innan jag bestämde mig för att förfölja illustrationen som en heltids karriär. Illustrationen var alltid min första preferens (ja, om du inte räknar med barndomsdrömmer om att vara en paleontolog), men det var inte så mycket önskvärt att arbeta på det när det var som i Asien..
Samurai Duell
2. Vad är dina minnen om din allra första pensel med vektorillustration. Fick du någon formell utbildning? Hur mycket tror du att din konst har utvecklats sedan dess?
Jag kommer ihåg den första gången jag använde ett vektorprogram. Jag studerade Visual Communications på en skola i Singapore och en del av vår kurs var en introduktion till grafisk programvara. Detta var tillbaka 1997 eller så och grafisk mjukvara började ta över branschen, men den var fortfarande väldigt primitiv jämfört med versionerna på marknaden idag. Jag tror att några av labdatorerna fortfarande kan ha Photoshop-versioner som inte har lager, och vi har alla arbetat med ett enda Ångra (vilket fortfarande var bättre än ingen Ångra-knapp), tror jag. Eller kanske jag lider av tidig senilitet och minns saker och ting fel!
Hur som helst var en av klasserna en introduktion till Freehand. Freehand var branschstandarden Schweizisk armékniv i Singapore - det användes allt från logotypdesign till broschyrer till förpackningar. Liksom många var mitt första svar på penverktyget att det var ett hemskt och förvirrande verktyg som tycktes ha ett sinne själv. En annan student i klassen som var mer bekant med programmet var tvungen att visa mig hur Pen-verktyget skulle kunna användas för att skapa snyggare kurvor med ankarpunkter och handtag. Det tog mig en stund att vänja sig vid det och i början använde jag knappt Freehand för något annat än layout.
Så småningom började jag njuta av att arbeta i Freehand, eftersom jag insåg att det var perfekt för att ge mig de resultat jag tyckte om (som vid tiden var saker som platt färg och jämn, jämn grad). Att vara en misslyckad luftborste amatör, hjälpte Freehand mig att göra vad jag ville ha med airbrush utan all huvudvärk, figurativt och bokstavligen. Med tiden började jag slutföra konstverk med programmet, och det har utvecklats till hur jag jobbar idag.
Hur jag jobbar har uppenbarligen ändrats en rättvis bit sedan jag började med Freehand, delvis sedan jag bytte till Illustrator, som erbjuder en mycket större verktygsväska än Freehand (vilket är ganska död i alla fall). Jag jobbar väldigt snabbare nu tack vare många års praktik arbetar mina bilder i min stil, men samtidigt vill jag tro att jag fortfarande utvecklar och försöker hitta nya saker att göra i vektor.
Asiatisk dykare
3. Du började med Freehand, vad fick dig att byta till Illustrator? Vad är några av fördelarna med att arbeta i Illustrator för dig? Vad är de andra programmen eller programvaran du använder?
För en sak körde jag mig galen att det inte fanns någon färgkalibrering mellan Freehand och Photoshop vid den tiden. Färgerna skulle se väldigt olika ut och jag kunde aldrig berätta vilken som var mer korrekt. Jag är säker på att min inställning inte kalibrerades lika bra som det är nu då, men ändå föll färgvariationen mig verkligen.
Vändpunkten kom dock när jag behövde exportera ett visst stycke jag hade gjort i Freehand MX som en högfärdig TIFF-fil. Bilden handlade om brevstorlek och jag försökte exportera den till 300 dpi. Jag hade använt en hel del oskärpa och ljuseffekter (jag glömmer vad de kallas exakt men de fungerar i stort sett som ljuslägen). Exporten, som verkade hänga min dator, tog över 5 timmar. Exasperated, jag försökte öppna filen i Illustrator och exportera den därifrån. Illustratören tog mindre än en minut för att göra samma sak.
Nu kan jag ha gjort något fel i Freehand - kanske var det ett kommando någonstans att flata bilden eller något som jag inte kände till. Men här är det andra: när jag försökte hitta hjälp på nätet var det knappast någon information om Freehand förutom marknadsföringsdelar och allmänna produktrecensioner. Illustratör har däremot redan en hälsosam användarbas som bidrog mycket med användargenererad hjälp genom forum, handledning och webbplatser som er själva.
Så, min omkopplare var praktisk. Jag behövde något som fungerade snabbare, och det extra stödet från online gjorde inte ont. Det tog ett tag att vänja sig vid kontrollerna i Illustrator men jag är väldigt glad att jag gjorde omkopplaren. Övergripande Illustrator är ett mycket mer artistiskt lutande program än Freehand, och det är kalibreringsfunktioner med andra Adobe-program som gör det mycket lättare att arbeta med. Även om jag ibland saknar några av Freehands mindre konstnärliga kontroller - det hade de mest robusta mätverktygen, vilket gjorde det utmärkt för att designa mycket exakta mönster. Det var lättare att kontrollera krökningen av avrundade hörn, och dess dubblett- eller klonfunktion var trevligare att använda än Illustrators kopia och klistra in fram / bakåt. Freehand kan du också skapa flera dokument som var väldigt användbart för att designa broschyrer etc ... som jag nämnde att det var en bra Schweizisk armékniv medan Adobe tvingar dig att lära dig och använda två eller flera program för att få samma sak gjort.
Real Housewives i New York
4. Gå oss igenom skapandet av ett typiskt konstverk. Hur mycket av din kreativa process sker med traditionella metoder? Vad är den första gnistan som utlöser dig att börja på en bit?
Uh, ganska ofta är den första gnisten löftet att betala i slutet av ett jobb!
Men allvarligt jobbar jag på mina personliga bitar och kommersiella bitar på olika sätt. För kommersiella bitar tar jag en kort från kunden och när vi har kommit överens om ett pris kommer jag ner till jobbet. Ibland innebär det att man gör mycket grova koncept thumbnails för att ge några allmänna idéer om vad man ska göra för bilden. Andra gånger är det inte nödvändigt och jag går rakt på att skapa en skiss. Jag brukar göra mina skisser på det gammaldags sättet, med pennor och papper. På senare tid har jag använt Photoshop oftare för att göra kontakten med skisser och kompositioner, men för det mesta drar jag fortfarande saker för hand på papper.
Hur som helst, när skissen är klar skickas den till kunden som godkänner det eller föreslår några ändringar. Det är sällsynt att en kund avvisar en skiss direkt - jag vet inte om det här är särskilt för mig eller om det är fallet med de flesta illustratörer. Mina slutliga skisser är alltid dimensionerade till de korrekta dimensionerna av ett stycke, eller åtminstone är storleken i proportion (det är lite orättvist att ha en skiss den faktiska storleken på en skylt). Om möjligt släpper jag på saker som ordlådor och rännor för att underlätta för konstdirektören att se om det finns några sista minutersändringar som måste göras.
När skissen är godkänd, skannar jag in den och importerar skanningen till Illustrator. Därefter börjar jag rendering baserat på det. Jag planerar inte normalt min färgpalett på förhand. Jag har ett generellt färgschema i mitt huvud och jag väljer mina färger som jag går med. Det trevliga med att arbeta i Illustrator är att om en färg inte fungerar som du tänkte kan du enkelt ändra den tills den fungerar för dig. Rendering tar vanligtvis mer tid än att rita skissen, men å andra sidan finner jag det minst stressiga med att skapa illustrationen. Det viktigaste arbetet för mig kommer från att generera idéer och balansera saker på en skiss.
Rock Chick
5. Du gör inte bara vektorkonst, även om de utgör majoriteten av dina verk. Du drar också i andra medier. Så snart du har en idé bestämmer du huruvida det slutar vara en vektorbit eller en digital målning eller på samma sätt?
Sedan jag flyttade till Kanada har jag känt mig mer i fred med mig själv och mitt arbete och för första gången i många år har jag känt mig som ibland, jag behöver bara uttrycka mig utan att det är svårt att försöka kommunicera någonting i synnerhet.
Jag tror att du har märkt bläckstyckena på min sida, under yume sektion. Det är mina nyare personliga bitar, gjorda av mig och, till stor del, för mig. Medan jag älskar att arbeta i Illustrator, är den väl gift med mina hjärnans kontrollfreak. Som sådan, när jag jobbar i det tenderar jag att obsessera över precisionen av saker och det strider mot den mer expressionistiska, kanske artsy del av mig.
Så bläck och naturmedia bitar är en lösning på det. Jag antar att den allmänna regeln i mitt huvud just nu är att om det är för arbete, kommer det att bli Illustrator plus Photoshop. Om det är experimenterande eller reklam kan det vara en blandning av digital och traditionell men slutligen digital eftersom jag alltid skulle sälja mina tjänster som digital illustratör, inte en traditionell. Om det själv är så kan det vara digitalt och traditionellt, med tyngre betoning på traditionella tekniker och applikationer.
Space Girl
6. Jag såg din video som visar en återgivning av en Spacegirl i Illustrator och jag var spellbound av din hastighet och noggrannheten hos de skarpa och släta linjerna. Du har det fullständiga greppet över Illustrator-verktygen; ge oss lite insikt om hur du utvecklar sådana färdigheter. Jag märkte också att du vred din bild horisontellt vid någon tidpunkt innan slutsatsen varför?
Tack för att du tittade på det! Det är sped wayyyy upp, självklart, men ändå ganska snabbt. Jag tror att videon är faktiskt 48min. Jag tog några raster mellan (läkarens order!).
Hastighet Allting handlar alltid om att visa upp din skicklighet med något. Nyckeln är att veta hur du gör vad det än är du gör. Det finns många, många sätt att arbeta i Illustrator, och allt jag demonstrerar är verkligen hur jag jobbar med mina metoder i nära toppfart. Jag har en uppsättning genvägar och genvägar som är memorerade i mitt huvud så att jag inte behöver titta på tangentbordet för att aktivera dem längre. Och det finns några rutiner som är halvautomatiska för mig bara för att jag har gjort dem om och om igen i flera år. Jag har också anpassade paletter, vilket sparar mycket tid eftersom jag inte behöver remixa vanligt använda färgprov igen och igen.
Flipping trick, det är ett gammalt trick att de flesta barn som ville vara serietidningar konstnärer på 80-talet skulle veta. Det kommer från en gammal bok som heter "Hur man tecknar serier som Marvel Way." Att flipa bilden, enligt boken, hjälper dig att lättare upptäcka misstag. Min teori är att du växer van vid att se saker på ett sätt, så när du vänder det kan du se saker med ett mer opartiskt öga. Återigen är det någonting jag har gjort i åratal med spårpapper, en ljuslåda och nu datorn. Gör det inte för ofta, annars blir du van vid att se din bild från båda sidor och du kan inte berätta misstagen längre!
Tween party
7. Vad är ditt favorit Illustrator-verktyg, trick och teknik? Finns det någon speciell effekt som du brukar använda eller några tips du kanske vill dela?
Mitt favorit Illustratorverktyg är förmodligen ljuslägen. Det är detsamma som i Photoshop - sätt något att Multiplicera och det omedelbart blir något vitt genomskinligt. Jag använder den mycket på skuggor. Även om jag hör att CS4 arbetar med gradienter på ett nytt sätt så kanske det här tricket blir föråldrat!
Office huvudvärk
8. Du har gjort mycket företagsarbete, vad strävar du efter för att framföra vad kunden vill ha? Tycker du om att göra så mycket som ditt personliga arbete?
När det gäller klientarbete har jag alltid det korta i åtanke och jag försöker att inse det på bästa möjliga sätt. Ibland betyder det att jag måste vara väldigt exakt i att skildra saker och andra gånger måste jag komma med intressanta idéer. Jag har en räckvidd i min stil och jag överväger vilken som är bäst att använda beroende på bildens natur, såväl som budgeten och tiden jag måste jobba med någonting. I slutändan vill jag göra något som kunden kommer att vara nöjd med och förhoppningsvis något jag kan vara stolt över när det är gjort också.
Jag tycker om mitt klientarbete, men något annorlunda än mina egna bitar. Klientarbete är utmanande eftersom jag måste överväga illustrationen i ett större sammanhang. Så jag njuter av utmaningen att göra något med begränsningarna i en bit. När det gäller mitt personliga arbete, tycker jag om att bara krossa med idéer eller tekniker, eller rita något jag gillar om och om igen.
Tim i skolan
9. Du skriver också för Photoshop Creative och Official Painter-tidskrifter, berätta lite mer om det. Vilka typer av artiklar har du skrivit? Du har också en välbekant länkande webbplats, Vectortutes.com, planerar du att skriva handledning?
Jag har skrivit olika typer av artiklar för båda tidskrifterna. Redaktörerna (båda mycket trevliga damerna) brukar kontakta mig med en artikelidé i åtanke redan, och de berättar för mig hur många sidor artikeln ska vara. Då är det upp till mig att skapa handledningskonstverket och skriva upp artikeln. De artiklar jag skriver brukar vara nybörjare till mellanläsare, och jag försöker göra handledningar som kan uppnås. Jag hatar det när jag läser en handledning som har briljant konstverk, men när jag försöker följa handledningen kan jag bara inte få samma resultat eftersom instruktionerna är för vaga.
Genom ett udda sammanträffande köpte jag vectortutes.com runt samma tid (tror jag) att ni började med VECTORTUTS och de andra sidorna. Jag hoppas det har inte orsakat mycket förvirring! Ursprungligen ville jag göra vektorhandledning och placera dem på sajten men jag har bara inte haft tid att skriva några bra. Kanske kan jag kanske komma omkring för att göra mer, men jag föredrar att skriva en bok eller något om det var fallet.
Julie Black Belt cover
10. Du har ett brett sortiment från barns illustrationer till porträtt till abstrakt konst till sexiga förföriska kvinnor, hur lätt eller svårt är det för dig att byta teckning mellan dem? Vad är de saker du tänker på medan du spenderar så breda spridningar i publiken?
Det är vanligtvis inte en stor huvudvärk för mig att växla mellan mina egna stilar. Om en kund nämner att de ser ut som ett visst stycke, vet jag hur jag ritade det och jag kan ge dem något liknande. Det enda verkliga problemet hittills har varit sammandrabbningen mellan sexiga tjejbilderna och mina barns arbete. Självklart går de inte exakt bra tillsammans från tematisk synpunkt, även om det konstiga är att jag har jobbat där klienten tyckte om mina flickaktiga bilder, men ville ha gjort något för barn.
Hur som helst, för att minska förvirringen har jag tagit bort de flesta flickaktiga bilderna från min nuvarande sida. Jag har omstartade sygnin.com (mitt ursprungliga sajtnamn och smeknamnet att de flesta som gillar mina flickaktiga bilder känner till mig tack vare DeviantArt) som en separat webbplats för att hämta pinup-bilderna.
advokater
11. Temptress, hungriga vackra kvinnor är också något du älskar att rita. Varför är det så? Whöna visste du att du kunde rita dem så bra? Hur utvecklades det?
Jag gillar precis att dra sådana kvinnor. Vem vet, det är kanske bara ett uttryck för vem jag verkligen vill vara eller något. Mina kvinnor tänker alltid på någonting, men de vill inte bara berätta vad de vill eller varför. Det är ett spel av katt och mus. Det är vad jag tycker när jag ritar dem ändå.
När jag var barn, hämtade jag en kopia av "Conan the Barbarian" och det var en härlig bit illustrerad av Ernie Chan som presenterade Conan, Red Sonja och Valeria. Jag älskade bara hur de två kvinnliga karaktärerna var så kapabla i historien, och de såg mycket bättre ut än Conan. Några år senare tror jag (pinsamt nog) att jag tittade på den första 90-talet X-Men-tecknade på TV och jag gillade bara de kvinnliga karaktärerna. Jag plockade upp några X-Men-kopior, inklusive några Jim Lee, och för ett tag försökte man rita som alla andra heta 90-talet serietidningsartist.
Det största problemet var att medan jag tyckte om att dra tjejerna, hatade jag att dra stora muskulösa killar i tights. Därefter märkte jag en mangapagasin och jag föredrog bara gubborna där. Och det verkade lättare att rita ändå. Så min stil utvecklades till att omfatta element av manga och anime, i hopp om att balansera både killarna och tjejerna. Det fungerade inte riktigt bra för killarna eftersom jag fortfarande föredrog att dra tjejerna.
För ett tag där var jag besatt av att skriva den perfekta tjejen, och för att vara ärlig tror jag att jag gjorde det med Goth Girl och baskiska bilder. De var vad jag ville rita, och efter att ha gjort dem fann jag det svårare att komma med nya pinup-ritningar som jag skulle vara nöjd med. Jag blev också uttråkad av att bara skriva tjejer utan bakgrund. Jag ritar fortfarande flickor (de är särskilt bra för uppvärmningsskisser) men det är inte så högt upp min lista som tidigare och nu vet du varför. Det är coolt att göra upp den udda delen då och då, men det skulle ta mycket att få mig att gå på en stor ny kollektion vid denna tidpunkt.
Talwyn-Apogee
12. Har du en favoritbit du har skapat? Och om du gör, varför är det din favorit?
Oooo ... det är en svår fråga! Det är som att fråga vilka av dina barn du gillar bäst!
Tja ... Jag tycker ganska ofta att jag tycker att det nyaste jag gör är det jag tycker bäst om. Och då gör jag något annat och det blir min favoritbit. Jag har lite gammal konst från när jag var 16 eller så att jag gillar mycket. Jag är fortfarande mycket stolt över det, inte för att det ser bra ut, men för att jag kommer ihåg att göra det av kärlek och frustration vid den tiden. Jag kommer också ihåg att visa det som ett portföljstycke för att komma in i skolorna och få ljummet svar från lärarna eftersom det inte var en stillbilder eller någon form av klassisk asiatisk konst. En bild är en riddare med en keltisk sort gräns och den andra är en likgiltig slags fantasinflicka som kör ett svärd genom hennes bröstkorg (vilket har varit ett löpande motiv med mig under åren).
Godis - Halloween'04
13. Känner du att saker förändras för designgemenskapen? Blir saker bättre globalt och lokalt? Vilka mål har du själv?
Jag skulle vara ganska rädd om designgemenskapen inte alltid förändras. Jag menar att det finns design som svar på samhällets behov, och samhället borde ständigt morphing.
För närvarande tror jag att det finns en hel del överlapp mellan en hel del designkonst tack vare tekniken. Verktygen har blivit mer tillgängliga, och kunskapen flyter mycket mer fritt över Internet. Där för tjugo år sedan skulle du ha en layoutartist, en designer och en illustratör, dessa dagar kan en person göra jobbet hos alla tre. Det är uppenbart en bra och dålig sida. Jag kunde göra en lista med både bra och dåliga, men jag tror att det skulle gå på länge! Kanske kan vi behålla det för en annan artikel i framtiden?
När det gäller att bli bättre eller inte ... igen är det en mycket lång lista med ja och nej. Just nu, med världsekonomierna på toaletten, har jag en känsla av att det allmänna humöret kommer att påverka designindustrin. Jag tycker att uppfattningen är att färre jobb kommer att gå, eller jobb med sänkta budgetar. Jag håller inte med om det här, men jag tror inte att det kommer att bli en katastrof för industrin. Saker kommer så småningom studsa tillbaka.
Mina mål ... hm, jag vet inte riktigt. Jag har pågående mål som är ganska tråkiga, som att försöka få nya kunder, utforska min konst. Åh, jag vet! Mitt stora mål är att vara lycklig! Eller ... inte vara olycklig!
Arbetsliv
14. Charlene, tack så mycket för intervjun! Eventuella råd eller ord för någon som vill göra illustration och digital konst sin karriär?
Tack för att du intervjuat mig! Det var väldigt roligt.
Råd för alla som vill vara en illustratör? Samma som alltid - ha pengar för att spara! Liksom varje frilansjobb är inkomster vanligen inte en säkerhet, och det kan ta ett tag att bygga upp en kundbas. Var realistisk - spara pengar, leva med dina föräldrar eller få ett andra jobb för att hålla dig vid liv för den första lilla biten. Var tålmodig och fortsätt att försöka. Bygg en portfölj med en stark och konsekvent stil.
Dykare
Prenumerera på VECTORTUTS RSS-flödet för att hålla dig uppdaterad med de senaste vektorhandledningarna och artiklarna.
Accentsconagua