Share
Du är en unik artist med idéer du vill uttrycka och musik du måste dela. Så hur ser du till att du håller dina spår intressanta och roliga för publiken att lyssna på?
I den här handledningen ser vi på några av de vanligaste sakerna som människor försummar att hålla sig intressanta, vilket gör att deras spår känns livslösa och tråkiga och hur vi kan hålla det livligt och spännande att hålla fast vid vår publiks uppmärksamhet.
Vi vet alla att första intryck är allt, och regeln gäller musik lika mycket som allt annat. Öppettiderna på ditt spår kan ta tag i din lyssnarens uppmärksamhet och få dem glada att fortsätta att lyssna eller göra dem helt ointresserade och borra dem, så det är viktigt att det första som publiken hör är övertygande.
Låtskrivare kommer ofta felaktigt att starta sina låtar genom att spela en vers, eller de 8 öppningsbarerna i en vers, utan någon vokal eller instrumental ledning. Medan jag förstår att detta "introducerar" sangen i sangen, är det ganska tråkigt att lyssna på några ackord som är påverkade på gitarr. Om du ska starta din sång av instrumentalt, använd ett spännande rytmiskt mönster eller en melodisk krok. Du behöver inte ens använda material som finns någon annanstans i din sång.
Beatlesna är mästare på fängslande introduktioner (som allt annat jag antar). Tänk på den intressanta början på låten "Jag har precis sett ett ansikte" som börjar med ett upptaget 12/8 gitarrmönster. Det är övertygande, det har inget att göra med själva låten, och det fungerar. Andra exempel: Börja med en krossning men spännande ackord eller hit och dyka sedan direkt in i sången som i "Hard Days Night" eller "Glass Onion"; börjar omedelbart med en vokalkor som "Hon älskar dig", "Ingenstans Man", "Eleanor Rigby", "Hjälp" eller "Hej hejdå"; börjar med en unik instrumentkrok som "Ticket to Ride", "Day Tripper" eller "Drive My Car".
Tänk på dessa två exempel, där varje spår börjar med en snabb blomstring. Början av låten är omedelbart spännande och ger dig en känsla av att du vill fortsätta att lyssna.
Ett av de enklaste sätten att borra någon är att hitta en trumslinga du tycker är cool och upprepa den till annonsen. Det kan vara roligt att lyssna på två gånger igenom, men om inget ändras kommer det inte att ta lång tid för våra sinnen att börja vandra och sluta uppmärksamma din musik.
En annan nackdel med kommersiella loopar är att de snabbt kan bli standard och cliche. Även om lyssnaren inte kan säga säkert var de hörde det, om slingan har använts av någon annan, kommer de att inse att det är bekant. Använda anpassade slag och ljud håller din musik unik.
Om du läser denna handledning är chanserna ganska bra att du vet hur en grundläggande trumslag fungerar. Om istället för att genast leta efter slingor lägger du istället in eller skapar ett trumset du kommer att bli tvungen att börja tänka mer kreativt. Du måste faktiskt tänka på det mönster som du skapar, istället för att lita på någon annan att göra det för dig.
I det här exemplet använde jag ett 8-bitars elektroniskt kit med många unika och roliga ljud. Det resulterande beatet är varierat och livligt, och inte något jag kunde ha kommit på om jag bara sökte igenom mappar för en slinga.
Nästa viktiga anledning att bygga dina egna beats är att det är väldigt lätt att anpassa och ändra dem runt. Även subtila förändringar som en skiftad cymbal-träff eller ett varierat bas-trummönster gör ditt slag mycket mer levande i hela din sång än samma 4 slag över och om och om igen. Ta en titt på MIDI för den här slingan:
De enda sakerna som är exakt samma i hela är den tickande hi-hat (orange anteckningar på G3 och G # 3) och 8-bitars bruset på sista beat (de gula noterna på G # 0).
Allt annat kring dessa element förändras ständigt på små sätt (sparken och snaren som håller ett något konsekvent spår) eller stora sätt (ljud effekterna och konstiga träffar som kryddar upp saker).
Genom att ha kontroll över varje element i satsen, måste vi tänka på sätt att hålla mönstret mer intressant vilket är en bra sak för styrkan i vårt slag. Det är också mycket lättare att göra ändringar, vi kan bara flytta MIDI-anteckningar runt och inte behöva försöka hantera splicing up audio.
Trots att du inte behöver använda slingor, låt oss vara helt ärliga: Slingor är användbara. Och de är även roliga. Att kasta en god loop kan vara en bra tidsbesparare och också ett kreativt springbräda för andra idéer. Men om vi ska bryta ner och fortfarande använda slingor en gång i taget istället för att skapa våra egna slag, är det minsta vi kan göra lite extra ansträngning för att göra dem bra.
Jag har redan täckt hur man kryddar dina slingor genom att automatisera EQ i en annan handledning, så det vi ska göra nu fokuserar mer på själva slingorna i slingorna själva än att slänga en effekt på hela spåret. Även om du kan uppnå samma resultat genom att klippa upp ljud, kommer det att bli mycket lättare om du använder något som Stylus RMX eller REX-filer som redan har delat upp dina slingor i dina MIDI-sedlar.
Det enklaste vi kan göra är att arbeta med en slinga. Här är en loop som är ganska enkel:
Bara genom att titta på MIDI kan vi se att det är mycket jämnt och repetitivt.
Låt oss göra detta mer intressant genom att omorganisera MIDI-anteckningarna för att skapa fyllningar. Jag gör detta genom att först identifiera vilka MIDI-noter som utgör de viktiga eller intressanta ljuden i loopen, med hjälp av hårda träffar som sparkar och snarkar för rytmer och små träffar som hi-hattar är sprickor för fyllmedel.
Allt som rörde sig rörde sig om några noter men nu har vi en trumslinga som är varierad och livlig.
Ett annat sätt att använda slingor är mer intressant att ständigt variera och blanda olika slingor. Den här låten skapades med 7 olika trum- och slagverksslingor:
Här är en bild av de slingor som används i sekvensen:
Varje spår är en annan slinga och varje färg en variation. Observera att många av samma regioner fortsätter att komma tillbaka, men tanken här är att hålla sakerna ständigt varierade. Du använder en liten uppsättning material för att ge din låtens sammanhållning, men ändrar dem hela tiden för att hålla lyssnaren på tårna.
Här är hela låten som använder dessa loopar, som också byggdes helt av bas-, gitarr- och mässingslyckor med samma koncept:
Ett av de största misstag jag hör folk gör är att göra sina mixar för upptagna. Medan de kanske tror att de uppnår fullhet, är det de verkligen slutar med, rubbning. Om du har trummor, bas, akustisk gitarr, både blygitarr och piano spel ackord och fyllningar, en sångare och bakgrundssångare alla spelar samtidigt hur i världen ska jag veta vad jag ska lyssna på? Bara för att du har det betyder inte att du ska använda den.
Om du har både piano och gitarr, är det en av de enklaste sakerna du kan göra för att skapa variation. Till exempel, ha gitarristen spela den första versen och piano den andra. Eller ge dem en annan funktion, som att ha gitarrspel och ackordet spelar bara lick och fyller mellan vokallinjerna. I båda fallen har båda instrumenten att spela på toppen av varandra en stor skada för din mixning.
Kolla in det här exemplet, som jag byggt helt från några slingor som kom med logik.
"Versen" spelar igenom tre gånger, men varje gång med en annan parning av instrument. Medan trummorna och basen är desamma som hela låten har verserna antingen fiol och elektrisk gitarr, banjo och akustisk gitarr, eller pedalstål och akustisk gitarr. Om fiolen, el, akustisk, banjo och pedalstål försökte spela på samma vers skulle det vara rörigt galenskap. Genom att sprida ut dem och ge varje spelare sin tur att lysa kan lyssnaren fokusera på instrumentet för ögonblicket och inte vara tvungen att försöka siktas genom rotan.
En solo-flöjt eller en soloobo kan låta vacker och lyrisk, men så fort du har dem båda spelar du ensam förlorar du unikheten och färgen på varje. Även om du kan skapa många intressanta och effektiva ljud genom att använda olika instrumentkombinationer, är det vanligtvis de enklaste metoderna som ger de bästa resultaten och kommunicerar dina idéer på det tydligaste sättet..
Något är intressant när det testar våra förväntningar. Efter flera år av att lyssna på musik har vi alla blivit vana vid många konventioner, ett grundläggande exempel på vilket är ens fraser av 2, 4 eller 8 barer. Genom att leka med längden på våra fraser kan vi göra sakerna mer intressanta och bryta ut från commonality.
I det här exemplet spelar A-delen av stycket främst i tre strecksatser:
Stycket kunde ha vampat för en extra stapel för en fin jämn fyra bar frase, men det skulle ha varit lång och onödigt. Genom att förkorta frasen med en hel stång håller vi biten i rörelse och slänger lätt av lyssnarens förväntningar. Kasta oss för en annan slinga stoppar den tredje frasen inte vid tre rader men fortsätter att gå till 5 innan vi börjar A-avsnittet igen. På samma sätt skärs den sista frasen i den andra A-sektionen 3-raden fras till endast 2 staplar, vilket orsakar att B-sektionen kommer fram oväntat.
För jämförelse, lyssna på det här exemplet där fraserna har sträckts ut för att inkludera den fjärde strecket. Jag vet inte om dig, men det gör mig ganska otålig.
En viktig sak att märka i originalversionen är att även om fraserna är ovanliga längder har biten fortfarande ett element av flöde. Vi använder inte udda längder för att burken lyssnaren eller kasta dem helt utan vakt, men bara för att göra det mer intressant att lyssna på biten. Det är den typ av subtil teknik som en icke-musiker aldrig skulle märka, och vi vill inte verkligen att de ska.
Majoriteten av västerländsk musik är i 4/4, med enstaka spår visas i 3/4, 12/8 eller 6/8. Med en mindre vanlig tid kan signatur som 5/4 eller 7/8 lägga till en unik vridning till din sång, men endast om den är effektiv.
Olika tidssignaturer kan användas för att kasta människor från att komma in i ett bekvämt spår. Led Zeppelin skulle ofta använda denna teknik. Tänk på sången The Ocean, som du har bubblat på huvudet i spåret när plötsligt en bar på tre fångar dig.
Min alltid favoritanvändning av udda tid i popmusik är Peter Gabriels "Solsbury Hill". Låtet växlar mellan 4/4 och 3/4 (du kan överväga det 7/4) men är gjort på ett så smidigt sätt att du inte märker något udda om du inte uppmärksammar. Han uppnår smidigheten genom att hålla en mycket stabil bastrumma på varje kvartsnote och ett konsekvent skakmönster. Spåret är aldrig avbrutet så det finns aldrig anledning att känna att tiden är ovanlig, men formuleringen är bara udda nog att vi kan känna att något annat är på gång. Att avbryta den 8: e kvartalet noterar också att låten ständigt skjuter framåt.
Jag har redan skrivit en handledning om hur man använder The Rule of Three and Music. Konceptet säger i princip att om du har upprepat något exakt samma gång är det dags att gå vidare. Kolla in den ursprungliga handledningen för ett mer djupt utseende.
Välsignelsen och förbannelsen av musiktekniken idag är att vi kan uppnå nära "perfektion" med vår musik. Rytmer kan vara omänskligt exakta, platser kan aldrig väcka från en perfekt matematisk frekvens, och våra blandningar kan svara på ner till millisekundens automatisering. Medan alla dessa saker kan vara till hjälp, är det väldigt enkelt att sluta med ett spår som låter livlöst och hjärtlöst. Ett av sätten att ta tillbaka den "mänskliga" beröringen är att inkorporera små instanser av ofullkomlighet.
Kolla in den första minuten i den här delen:
Förutom pianot är det ingenting som pågår men en lång padd som håller samma platser hela tiden. Jag hade en strängkvartett spela samma platser mycket mjukt under dynan. De naturliga fluktuationerna i böjning, avstämning och strängens resonans tillförde en känsla av oförutsägbarhet som skulle ha varit omöjligt att uppnå genom att helt enkelt hålla fingeret ned på dynan. Medan jag kunde ha mycket lätt sträckt MIDI ut över introduktionens längd och lämnade den då hade vi lämnats med ett tråkigt och statiskt ljud. I stället genom att lägga till små imperfektioner kan vi lägga till lite subtilt intresse. Kombinationen av paddestänger / strängar avviker inte från pianot, vilket är det viktigaste elementet, men det har en organisk känsla som gör att den känns mer levande.
Chansen är att du inte kommer att ha en levande spelare till ditt förfogande varje gång du vill lägga till en mänsklig touch till din musik, så vad skulle vi kunna göra med den här kudden? Vi kunde automatisera ett filter, vilket möjliggör att olika frekvenser av dynan passerar genom olika tider. Vi kunde automatisera volymen så att dynan fluktuerar och verkar "andas", eftersom den blir hårdare och tystare. Vi kan laga några olika dynor, få dem att svänga svagt bleknar in eller ut överlappar varandra. Alla dessa tekniker skulle användas för att hålla dynan från att låta som en maskin, vilket låter istället låta som ett ofullkomligt och organiskt element.
Det finns en bra linje mellan innovativa och excentriska. Ofta när någon anses "före sin tid" beror det på att människor ännu inte har överbryggat luckorna mellan vad som är standard och vad konstnären uttrycker. Tänk om Eddie Van Halen försökte spela en rippnings-solo, som rivit igenom gitarren med tusen toner en minut, 1955. Han skulle antingen ha skrattade på eller kanske till och med låst. Det tog rock årtionden att utvecklas för att ställa scenen för den typen av spel.
Om du vill att din musik ska vara intressant måste du vara unik på din egen väg, men för att människor ska vara uppmärksamma måste du ge dem en slags referenspunkt. Som ett exempel skulle det vara bara en annan Coldplay-låda utan den pounding strängorkestern "Viva la Vida". Det finns inget revolutionerande om ackordprogressionen eller melodin, men den unika orkestrering för popmusik gör låten speciellt intressant.
Det kan vara en bra linje mellan "intressant" och "oregelbundet", vilket är en av anledningarna till att ständiga subtila ändringar kan vara så effektiva. Minimalister som Philip Glass och Steve Reich har gjort hela karriären av konceptet att det inte tar ständigt skift i humör eller färg för att göra en bra bit musik, men det kräver att din musik bara är intressant nog att hålla din lyssnare engagerad.
Accentsconagua