Share
I denna handledning går vi igenom hela processen för att skapa en instrumental komposition, från de första skisserna av en idé till den slutliga mixen. Självklart finns det tusen sätt att skriva musik, det här är bara en metod.
Du borde inte förvänta dig att använda den här metoden för allt du någonsin skriver, men det borde vara till hjälp för dig att se en process för att utveckla en komposition i denna stil.
Detta skrivs inte på film, så det finns inget drama som dikteras av åtgärden på skärmen. I allmänhet vill jag att utvecklingen av stycket ska leda mig vart den vill gå, så jag ska bara planera ut några saker. Jag vill skapa ett 1: 30-2: 30 minuters instrumentalspår i en undertryck drama / thriller stil. Stycket ska känna sig mystiskt med vissa intressanta ögonblick. Det är all planering jag ska göra, vi ser var resten leder oss.
Tänk också på att ett av målen för att skriva det här stycket kommer att få ut det snabbt, så även om vi vill göra det bra hittar vi också bra ställen att ta genvägar som repeterande avsnitt eller loopingidéer.
Det första jag tycker är att hitta någon form av grundläggande fragment för att få mig igång. Jag kunde spendera dagar som stirrar på en tom sida / skärm utan att förstå var du ska börja, så det bästa jag behöver göra är att ladda upp ett ljud och bara börja nudla. Du kan börja med allt du gillar, men jag försöker generellt luta mig mot instrument som kommer att låta bra som MIDI som pianon, tangentbord, harps eller mallet slagverk.
Vibes sound intreresting för mig just nu, så jag ska ladda upp ett enkelt vibes instrument i EXS. Lägg till en reverb av smak och sedan börjar jag bara spela tangentbordet för att inte klicka, riffa på olika mönster och lickar och försöka känna mig för något som känns inspirerande.
Det finns inte mycket av en vetenskap på det här steget, men i allmänhet letar jag efter något med några grundläggande krav:
Här är vad några av mina nudlar runt lät som:
Efter ca 8 minuters röra runt jag landade på den här slickan som jag trodde hade potential:
Vad jag tycker om den här slickan är både studsrytmen för de två första slagen (En- och Två- och Tre) men också tritonintervallet i melodin för de andra två slagen (E Bb Ab E). Lägg märke till den låga Eb på slag 1 och 3 som är mycket jordning och stabil. Jag håller också hållarpedalen ner för hela slickan, vilket ger en utplånad rymlig känsla.
Jag spelade inte in ett klick, så jag behöver nu hitta rätt tempo (känns som om 85bpm) och spela i en renare version. Jag kommer också att kvantifiera det och räta ut hastigheterna för att alla är desamma genom att använda rutan MIDI Region Parameters i övre vänstra hörnet av arrangemangsfönstret.
Här är vår rengjorda slick:
Det här är det enda steget att skriva det stycke som vi ska spendera tid att nudla runt för en idé. Härifrån är målet att få idéerna ur våra huvuden och in i sessionen så fort vi kan. Lita på dina instinkter. Om du hör en cool pianolinje i huvudet, ta det ner och fortsätt sedan framåt. Timmar kan slösas bort genom att gå över samma två åtgärder om och om tills du tror att de är "perfekta", men vid den här tiden har du hört materialet så mycket att du har förlorat allt perspektiv. Kom ihåg att musiken är linjär och håller den flödande.
Nu när vi har vår första idé kan vi börja utveckla allt annat kring det. Det enklaste jag kan göra är att välja min region, slå L och få den till oändlighet.
Vid den femte upprepningen skulle det börja driva mig lite nötter, så låt oss börja spiska upp det. På femte åtgärden hörs jag en hård bas och trumslag, så jag ska ladda upp en bas och taiko trumma och få dem att slå en lång Eb.
Taiko-slaget är ganska tråkigt, så låt oss krydda det genom att lägga till en 32: e anteckning blomstra in i den. Det kommer inte vara helt annorlunda men kommer att lägga till lite mer subtilitet. Lägg märke till att jag har höjderna till dess att nackdelen är den högsta träffen.
Det finns fortfarande flera saker vi bör göra för att göra introduktionen mer intressant, men vi sparar finjusteringen för senare. Det är viktigt att vi fortsätter att ploga framåt och jobba med att få den stora bilden på plats.
Vid bar 9 har vi hört gott om introduktionen och vibeslikan börjar dra sig lite ut, så vi borde hämta saker genom att ta in vårt huvudsakliga A-material. Jag hörs strängar på en enkel melodinje, som jag ska spela in över vibbarna.
Jag ska flata ut hastigheterna, kvantisera tiden och använda modulering för att skapa dynamik och form. Se handledningen om hur man skapar mer uttrycksfull MIDI-musik för detaljer om hur man använder modulering på detta sätt.
Även om den här melodinjen är mycket enkel, finns det några viktiga saker att märka. Det finns ett rytmiskt mönster med Bb-pickupen som går in i nedåtgående anteckningar. Den tredje fältet är uttrycket i toppen, för inte bara B-naturen är den mest dissonanta noten i mönstret, det rytmiska mönstret har också brutits. I stället för den prickade halvnoten till kvartnotmönstret som vi etablerat har vi två halvnotor. Båda dessa element gör denna åtgärd den mest spända, vilket också gör att den långa Bb-känslan i slutet känns särskilt avslappnad och tillfredsställande.
Observera att melodin är fem mått lång i stället för den typiska fyra. Detta tillåter inte bara oss att andas lite vid den femte åtgärden, men det är också ett subtilt sätt att upprota den perfekta balansen av jämnaste fraser som ger en ränta av intresse och instabilitet.
Låt oss upprepa denna fras, men den här gången i stället för en minskande melodi får jag det att vända och klättra upp igen och rädda igen den mest dissonanta noten för uttrycket "climax" innan du kopplar av på Eb.
Nu när vi har en tvåfrasmelodi kan vi överväga att vårt A-avsnitt. Eftersom vi bara har hört det hela vägen en gång, låt oss upprepa det men den här gången kommer vi att hålla det intressant genom att intensifiera orkestrationen.
Jag kommer att lämna två staplar i slutet av den första A-sektionen innan vi börjar upprepa, vilket kommer att fungera som ett ögonblick att andas och lägga till den "mystiska" kvaliteten vi går för.
Jag ska repetera strängarna, men den här gången ska jag fördubbla dem med en spöklik synth. Jag har valt Starry Night-patchen som är en förinställd i Skulptur. Jag lyfter upp en oktav och resultatet ger melodin mer längtan.
Nästa lägger jag till mer intensitet på den övergripande känslan genom att basen träffar en låg Eb helnot på varje stapel. Delen i sig är inte särskilt intressant, men den ger en känsla av vikt för allt omkring det.
Det andra som kan använda en viss variation är våra trötta vibbar slickar, så jag ska försöka fördubbla det på harpa för att se om det ändrar det tillräckligt. Jag tar upp det i en oktav och också väldigt tyst, så det känns bara lite.
Så här är vad vi har hittills:
Och hur ser sessionen ut: (se de avsnitt som är bokstavliga kopior av pastor av tidigare material)
Det är fortfarande lite tråkigt, men nu har vi en översikt som är det som är viktigt på det här steget.
Som jag nämnde i början är min mållängd för biten endast 1: 30-2: 30. Eftersom vi redan är klockan 1:15 har jag inte riktigt tid att utveckla en utarbetad B-sektion. Å andra sidan kan stycket använda någon form av variation för att bara repetera A-sektionen en gång till skulle vara ganska tråkig. För att lösa detta problem skapar jag en mycket kort B-sektion som är baserad på A-materialet med endast några mycket små förändringar.
Den mest uppenbara sak jag kan ändra är harmoni, som har varit på en Eb-pedal sedan början av stycket. Jag kommer inte att bli komplicerad här alls. Enkla harmoniska förändringar kan vara lika effektiva som mindre vanliga, så jag får bara B-sektionen på en Ab. För att göra detta ska jag ha basen lägga ner en fin fett Ab och justera några av platserna i våra vibes ostinato för att spegla förändringen.
Jag gör Ab för två mått och sedan tillbaka till Eb för två åtgärder. Lägg märke till hur Ab (iv-ackordet) känns som att det lyfter upp oss, och då sätter Eb oss ner.
Jag tycker att det här är ett bra ställe för vår taiko så jag lägger ner ett mycket enkelt mönster, vilket jag också kommer att efterlikna med basen. Här är båda delarna (basen är röd):
Slutligen lägger jag till en melodi på strängarna och synth, igen något väldigt enkelt. Jag ska sedan upprepa alla fyra staplarna för en åtta bar B-sektion.
Något intressant hände när jag lade till den melodi jag hörde i mitt huvud, vilket var oavsiktligt men fungerade bra. Jag hade tänkt att harmoniändringen skulle vara från Ab-minor till Eb-minor, men på grund av melodinoterna slutade vi faktiskt med Db minor / Ab till Eb minor. Funktionellt tjänar det fortfarande mitt syfte med spänning och frisättning, men på ett annat sätt än väntat.
B-sektionen gav oss en chans att vila från A-materialet, så nu när vi tar tillbaka det kommer det inte vara så tröttsamt. Låt oss upprepa hela A-sektionen bara en sista gång som slutet till vårt stycke. Allt jag ska göra är att kopiera och klistra in vårt andra A-avsnitt och placera det efter B-sektionen. Enkelt nog, men jag gör en justering så det är mer av ett "slut" genom att ta ut några element för sista halvan av avsnittet. Jag kommer att dämpa allt utom synth och harpa för den sista frasen, vilket kommer att ge stycket mer mening att det kommer till slut.
Här är hela stycket hittills, vilket jag skulle vilja säga är 90% där:
Nu när grundkompositionen är på plats är det dags att gå tillbaka och lägga till intressen och färg. Det betyder inte att vi bara borde täcka hela saken i slagverk och effekter, för på egen hand fungerar biten i allmänhet. Vi borde bara hitta några trevliga ögonblick för att lägga till intresse och slutgiltiga detaljer.
För att komma igenom denna process effektivt tycker jag att det hjälper till att lyssna igenom hela stycket, ta anteckningar på vägen om idéer för vad man ska använda. Då blir listan helt enkelt en checklista, som du snabbt kan flytta genom att markera ett objekt i taget. Som jag nämnde tidigare kunde du tillbringa timmar upprepade två till och med om och om tills du körde dig galen, i stället tvingar denna teknik mig att komma in, göra det klart och gå vidare.
Lyssna genom stycket, här är vad jag tycker att jag skulle vilja lägga till.
Alla dessa anteckningar adresserar antingen fylla luckor, lägger till ett element för att göra ett avsnitt unikt från ett annat, eller dra oss in i nya avsnitt. Nu börjar jag gå ner i listan
Låt oss börja med ett intressant ljud i början. Intressant behöver inte betyda ovanligt eller komplicerat, även en stark trumma kan vara ett intressant sätt att leda oss. Jag ska gå för en lång och djup bastrommarslag. Jag gör det snyggt och djupt genom EQing utanför high end, och länge genom att lägga till det egna reverb plugin.
Nästa lägger jag till en spooky pad till introduktionen. Jag väljer ett underliggande ljud med mycket rörelse, vilket i kombination med vibes ostinato kommer att ge vårt öra en större utmaning för att försöka hålla koll på. Jag har laddat upp "Random Wave Groove" förinställd i ES2, som på egen hand är för explicit synkroniserande.
Efter att jag tårar den i reverb och rullar bort lågänden kommer det att låta mer mystiskt. Jag kommer att få det att tona in i början och sedan tillbaka ut igen i den första A-sektionen.
Nästa har vi cymbalskrapan i stapel fem, tillräckligt lätt. Jag lägger också till lite reverb och fördröjning.
Därefter har jag en anteckning för att lägga till shaker till den första A-sektionen. Jag ska spela in en levande skakare, vars ofullkomligheter kommer att lägga till lite subtil nyans (knappt märkbar, men det hjälper). Jag markerade bara A-sektionen i anteckningarna, men jag spelar in den genom hela stycket (det tar bara två minuter!) Så att jag kan välja och välja var annat jag kanske vill ha det.
I det här fallet börjar jag börja i andra delen av introduktionen. Här är vår nya intro i den första A-sektionen:
För dynan ska jag använda något mycket smalt och smidigt, Berolningsinställningen för EFM1. För det mesta håller du bara ner en Eb och Bb, men echo sedan Gb till Eb-intervallet från melodin nära slutet. Jag tror också att jag behöver lite mer för att fylla i utrymmet i slutet av det första A-avsnittet så jag tar tillbaka dynan från introduktionen.
Jag har ändrat mig om ljudet som drar oss in i det andra A-avsnittet, jag tycker att basen och synthen är tillräckliga för att föreslå byggnad och utveckling utan att hamra början av varje ny sektion över huvudet med en stor träff. Så här låter den andra delen av vårt första A-avsnitt nu låta:
Jag återanvänder kalmeringsplattan för den andra frasen i A-sektionen igen, den här gången är det bara lite högre. Jag ska också återanvända cymbalskrapan som en ledning till B-sektionen.
Nästa kommer slagverk i B-sektionen. Jag har hållit skakan fram till den här tiden, så jag ska bara lägga till ytterligare ett ljust element: en kryssande hi-hat. Jag lägger också till en cymbalrulle som kommer ut ur B-delen och drar oss in i den sista A-sektionen. Här är den nya B:
Jag har slutat skakan i det sista A-avsnittet för att börja skapa idén att saker är döende.
I den sista frasen tar jag tillbaka både vår lugnande kudde och den rörliga Intro-kudden, vilket ger en känsla av utrymme, och får dem båda att blekna ut med synthen i slutet.
Jag använder en ritard för att få harpan att känna att det ger upp ånga. För att göra detta ska jag ange en tempo där jag vill att ritten ska börja, mäta 46 och där jag vill att den ska sluta, 49.
Nästa använder jag temporedigeraren för att skapa ritaren genom att dra den sista punkten ner och lyssna tillbaka tills den känns rätt. Jag ska också justera kurvan för att bli långsammare senare i frasen.
Slutligen rensar jag slutet av harpostinato så de sista två platserna slutar mycket mjukt.
Här är vår nya avslutning:
Så här är hur slutstycket ser ut i sequencer:
Nå där är det, nu lägger vi till några grundläggande mastering och vi är klara!
Många av er skulle förmodligen förvänta sig att nu när alla element är på plats är det dags att göra en blandning. Jo jag tror att för det sätt vi har skrivit, är det slöseri med tid. Eftersom varje element har varit under vår kontroll genom hela processen har vi blandat dem som vi arbetade. Om du har gjort det så långt in på att skriva biten och inte blivit blandad när du går med mig skulle jag bli väldigt förvånad, så vad förväntar du dig att blanda i slutet?
Vår "mix" ska bestå av ett sista pass eller två bara se till att allt sitter fint och fungerar. Jag ska tweak några nivåer här och där men i allmänhet kommer allt att vara ensam.
För mycket snabb och smutsig mastering tenderar jag att ladda upp en Logic-förinställning, och kanske göra subtila justeringar om det behövs. För den här delen använder jag faktiskt den olämpliga namnet Final Pop Master Wide och använder standard Multipress, Direction Mixer och AdLimit inställningar. Istället för matchen EQ använder jag en vanlig kanal EQ och använder analysatorn för att kontrollera att inga frekvenser är out of control. Ofta kommer jag att sluta rulla av något av lågänden och höja en hylla i högänden bara en röra.
Naturligtvis är det bara ett snabbt och funktionellt sätt att få göra lite grundläggande "mastering". Det finns fantastiska tekniker för att göra ett seriöst jobb och jag uppmanar dig att kolla in Audiotuts + Mastering tutorials, men med fokus på att mata ut musik fungerar den här metoden bra.
Så här är det, sista stycket. Vanligtvis kommer ett stycke som detta ta mindre än en timme att skapa, mindre än två om jag ska spela in en massa levande element. Det är inget konstverk, men det fungerar och det uppfyller våra stil- och längdkriterier. Detta är musik för att tjäna en funktion (kanske för understrykning i en tv-show eller film), vi skriver inte det för att skapa ett uttag för sant självuttryck. Därför är det viktigt att ha metoder för att kunna producera denna typ av musik snabbt och effektivt.
Accentsconagua