Share
Introduktionen är en av de viktigaste delarna av en sång eller komposition. Det är ditt ögonblick att fånga lyssnarens uppmärksamhet, få dem att höra mer och ställa upp dem för vad som ska komma.
Alltför ofta har jag sett sångerskrivare börjar alla sina låtar genom att stryka ackorden från en hel vers, som om det bara är vad de ska "göra" utan att tänka på hur tråkigt det är att lyssna på.
I denna handledning undersöker vi introduktioner i olika stilar, från pop till klassisk till filmresultat, och lär dig tekniker för att skapa introduktioner som gör mer än bara ta upp tid.
Huvudfunktionen för en introduktion är att fastställa stilen och stämningen av låten.
Introduktionen till denna cue från Final Fantasy etablerar flera viktiga element för oss.
Först är det helt klart att stycket är orkester.
För det andra finns det en känsla av fanfare från tripletfigurerna i mässingen som associerar stycket med äventyr och fantasi.
Slutligen ger den statiska rörelsen på dominerande ackordet, liksom de motiviska siffrorna utan reell melodi, en känsla av spänning och förväntan, och ställer oss välkomna temat när det äntligen kommer fram.
En introduktion kan ge dig en stund att ställa scenen innan du börjar ditt huvudtema eller vers. Genom att ställa in huvudspåret eller instrumentationen ger du lyssnaren chansen att få sina lager och slå sig in i stycket.
En stark introduktion kan ta tag i din publiks uppmärksamhet, och genast säga "Hej, lyssna på mig!". Vi diskuterar detta vidare nedan.
En introduktion kan också vara ett sätt att skapa kontrast direkt i början av ditt stycke, och därmed belysa vissa delar av din sång helt enkelt genom att jämföra dem med motsatser. Till exempel kommer ditt tempo att känna sig snabbare om din introduktion är långsam. Vi kommer också in på det här också.
Du behöver inte alltid en introduktion. Det finns otaliga exempel på låtar som bara går rakt in i det utan att slösa bort någon gång. Två som kommer i åtanke är Lord's "Royals" och The Beatles "Hey Jude".
Vad båda dessa låtar har gemensamt är att de börjar med en solo vokal pickup. Den mänskliga rösten är ett mycket kraftfullt "instrument" för att fånga människors uppmärksamhet, och det kommer vanligtvis att dra i örat direkt. Genom att börja med röst ensamföljd sugs vi rätt in i versen av sången och ingen annan etablering behövs.
Notera: Jag har hittat några versioner av Royals, inklusive den officiella amerikanska videoen, som börjar med beat i stället för vokalen. Jag tycker att detta är ett mycket mindre effektivt sätt att dra lyssnaren in i sången."Trepak" från Tchaikovskys Nötknäppare är ett instrumentalt stycke som börjar utan introduktion.
Tchaikovsky slår dig över huvudet med energi och spänning, han behöver inte fastställa stämningen först. Snarare än att ge dig tid att slå sig ner och bli bekväm, börjar temat direkt och vi är igång.
Många gånger vill du dock ha en introduktion. Det mest naturliga sättet att få det är att använda material som redan finns i din sång.
Miley Cyrus "Wrecking Ball" börjar med de fyra första staplarna från versen, precis utan vokalen.
Även om det är mycket enkelt, lyckas detta vara en effektiv introduktion eftersom synthen är ett nytt ljud och dissonansen i den fjärde baren är intressant.
Observera att låten bara spelar genom mönstret en gång, vilket är allt som behövs för att säga "Här är det" utan att gå hela versets längd.
Du behöver inte alltid använda din vers som material för introduktionen.
Introduktionen till "Vad säger räven" är bakgrundskomplementet från förkören. Den här gången är det utan röst eller trummor, men det finns fortfarande mycket aktivitet och rörelse för att vi ska kunna uppmärksamma oss.
I båda exemplen som använder material från senare i sången är det en avskalad version. Bättre att börja med mindre och ge dig själv utrymme att växa än att använda alla dina knep direkt.
Vissa låtar kommer att använda nytt material för introduktionen som inte kommer från en annan sektion. När så är fallet måste det fortfarande vara intressant på egen hand.
"Jag vill hålla handen" är ett exempel på en sådan sång, som börjar med en gitarrslicka och ett mönster som inte återkommer någon annanstans i sången.
Introen skapar tempo och takt i låtet, samtidigt som man använder alla huvudinstrument (förutom röst) för att skapa stilen.
Gitarrslickan har en intressant rytm och ton som är tillräckligt för att fånga vår uppmärksamhet. Bara trummorna och rytmavsnittet ensamma kan skapa stilen, men det är blygitarren som ger något mer substantiv för örat att fånga på.
Harmonin är ett bestående V-ackord som, precis som Final Fantasy-stycket, bygger spänning och spänning för att jag ackordet kommer och låten faktiskt börjar.
Gitarrslickan följer regeln med tre mönster; Efter tredje gången spelas det inte upp, men i stället crescendos till kören.
Också intressant att notera är att den här låten har en komponerad avslutning också.
Ett bra sätt att berätta för publiken "Lyssna upp!" är att använda ett unikt ljud. Något som verkligen skiljer sig från de vanliga rytmmönstren och känns roman.
Öppningskordet från "Hard Day's Night" är ett klassiskt exempel på en unik krok.
Det finns mycket meningsskiljaktighet om vad den öppna ackorden är, för att den inte passar våra vanliga musikteorikonventioner (Fadd9 över D verkar vara konsensus). Och det är precis vad som gör att det sticker ut och gör att du sitter rakt upp för att vara uppmärksam!
Ibland kommer en sång att få en introduktion som faktiskt är väldigt annorlunda i huvudmusiken.
"Det är Amore" börjar med en rubato, romantisk och frodig introduktion.
Tremolo mandolin och gitarr skapar en öppen spännande känsla, och gruppen av sångare som sjunger om Napoli och kärlek ger oss en känsla av humör.
Introduktionen slutar på en V-ackord som gör huvudspåret på I-ackordet starkt.
Viktigast är dock introduktionen långsam och rubato, medan huvudsången är medellång och har en känsla-bra svängning. Visst, de kunde ha börjat låten precis på det versspåret, men i motsats till den långsamma romantiska känslan gör de det ännu roligare.
"Rx" av Hiroyuki Sawano är en instrumental bit med en introduktion som liknar tempo i huvudtemat men är väldigt annorlunda i funktionen.
Introduktionen etablerar ett tempo, stil och spår. Men när det utvecklas fler och fler instrument läggs till för att skapa en väldigt komplex struktur. Det är nästan som att ett marcherande band vandrar ner på gatan och alla spelar bara vad de tycker om.
Begreppet känns roligt och vildt, men också kaotiskt och osäkert. När det byggs upp till en climax så plötsligt musiken stopp. Och sedan ur tystnaden kommer huvudtema i samklang.
Unison är inte alltid en väldigt intressant konsistens, men när den står i motsats till fullständigt kaos känns det plötsligt spännande och målmedvetet.
Den plötsliga kontrast av "många" till "en" är extremt kraftfull. Även när resten av orkestern sparkar in efter några få anteckningar, har temat nu vår uppmärksamhet.
Huvudlektionen från denna introduktion är kontrast, och för att kontrast ska vara effektiv är det ofta överdriven.
Det finns många sånger som har en introduktion till hela låten, liksom introduktioner till olika delar av stycket.
"Det är Amore" har en sammansatt introduktion med material som inte återkommer igen senare i sången. Men när huvudspåret kommer in finns också en fyra bar introduktion innan vokalen börjar. Tempot är mycket snabbare, så de fyra staplarna tar proportionellt mindre tid än den långsamma början.
Början var trevlig för att skapa en romantisk stämning och göra huvudslaget snabbare, men det viktigaste spåret behöver också ett ögonblick att bli etablerad, och så tillåter mini-introduktionen till den sektionen oss att omorientera oss till det nya tempot.
"Anakins tema" från Star Wars Episode I: Phantom Menace av John Williams är ett annat exempel på en sång som börjar med en introduktion till hela stycket, samt en kort introduktion till huvudtemat.
Stycket börjar med en förkortad version av huvudmelodin, fyra staplar istället för åtta. Det spelas också av vindar, vilket är en mycket kontrasterande färg till strängarna som bär temat för hela biten.
Efter denna "huvudinledning" etablerar de låga strängarna stimulering och humör för huvudtemat.
Liknande Dobby, märka hur viola arpeggios kommer ur vägen när melodin börjar.
Kardinalt synd att skriva musik är att vara tråkig, så även en liten sektion som en introduktion förtjänar att vara värt att lyssna på. Kom ihåg hur "Wrecking Ball" använde en mycket enkel teknik att låna versmönstret, men det fanns element närvarande som fortfarande föll vårt öra.
Introduktionen till John WIlliams "Dobby the House Elf" från Harry Potter och Secrets Chamber har lite blomstring i flöjterna som griper vårt öra.
Lägg märke till att blomsten slutar när melodin börjar. Det går ur vägen att låta huvudrösten få plats att höras. Ofta kommer kompositörer att lägga ner en introduktion, och sedan efter fyra barer håller de bara sitt tema ovanpå det. Men genom att ta bort flöjterna, ger Williams det engelska hornmelodikrummet som huvudämnet.
Blomningen har en annan effekt än att ge örat något att fokusera på; det hjälper till att skapa en känsla av lekfullhet.
Låt aldrig din introduktion förväxlas med ditt huvudtema. De mest effektiva sätten att göra det är att hålla det kort och hålla det enkelt.
Använd lite motiviska idéer som inte utvecklas till kompletta melodier, som "Dobby the House Elf" och flöjterna.
Därför fungerar ackompanjemangsmönster som introduktioner; Vanligtvis är de repeterande och motivativa så att de inte vilseleder oss att tänka att de är ett huvudtema.
Beethovens Eroica Symphony har en otroligt enkel introduktion av två punctuated staccato I ackord, och sedan är det avstängt.
Det är ofta klokt att skriva din introduktion efter att du har skrivit resten av låten. Hur kan du presentera något om du inte vet vad det än är?
I stället för att skriva en intro och sedan försöka lista ut vilken sång som går efter den, skriv din sång.
Sedan ta reda på det bästa sättet att få publikens uppmärksamhet, skapa scenen och göra din huvudhändelse glansig.
Accentsconagua