Share
Oavsett om du står upp en komiker eller en musiker som vet hur man improviserar är ett viktigt hantverk. Även om den här artikeln inte lär dig hur du ska improvisera kommer det att ge dig en inblick i tankesättet bakom det och de verktyg du behöver starta.
I musikaliska termer är "improvisation" processen att utföra eller komponera musik i realtid, på flyga, just nu, ur manschetten eller vad som helst du väljer att kalla det. I grund och botten gör du det så fort du går! Detta kan innefatta skapandet av nya musikaliska idéer eller en ny tolkning av en befintlig melodi eller komposition. Hela poängen är att det inte är förutseende men flyter naturligt från dig när du spelar i vilken riktning du vill.
Det roliga är att vi är alla improvisatorer! Varje person på planeten gör det upp när vi går. Vår förmåga att lösa problem, fatta beslut snabbt och agera på dem, intellektualisera tankar och abstrakter och utveckla dem till konkreta objekt och scenarier i realtid är det som gjorde oss till en så framgångsrik art. Dessa mentala och känslomässiga processer som vi upplever dagligen ligger också i centrum för improvisation.
Nu improviseras vanligtvis förknippas med Jazz and Blues men sanningen är om du inte spelar musik som är stift konstruerad och förformad "exakt" densamma varje gång till sista minuts detalj, improviserar du!
Det fantastiska med improvisering är att vem som helst kan göra det, du behöver inte ha en examen i jazz eller vara musikalisk prodigy. Det är roligt och en viktig del av det som gör dig bra, du! Självklart är det ett stort ämne och jag kan inte täcka allt i en artikel men jag kan förklara några av de grundläggande begreppen och tankeprocesserna bakom bra improvisation, det mest användbara är parallellerna mellan språk och musik.
Nu är Improvisation inte för alla. Vissa musiker improviserar aldrig och för andra är det den heliga graalen och en livstid som strävar efter perfektion av sin konstform. Klassiska musiker är ett bra exempel på icke-improvisatorer. Nu vet jag att det är en svepande generalisering men för det mesta är det sant. Det här beror delvis på att klassisk musik inte är en improviserad sport, den har strikta regler och traditioner och läses av papper. Tänk dig en 60-bitars orkester i ett rum och ledaren säger, "Okej, låt oss sylt i C!" Katastrof!!
Det finns uppenbarligen undantag och jag vet många fantastiska klassiska spelare som improviserar mycket bra. Detta beror på att de har musikaliska intressen utanför klassisk musik, vanligtvis Jazz.
Ta Gabriela Montero. Denna kvinna är övernaturligt begåvad. Hon har uppenbarligen förmågan att improvisera på någon slumpmässig melodi. Som barn blev hon aktivt avskräckt från hennes improviserade färdigheter av hennes klassiska piano lärare som märkte hennes talanger som "värdelös". Hon var så upprörd av det här hon gav upp och lekte i åratal. Lyckligtvis för oss började hon igen och kombinerade sin klassiska träning med sin improvisationsförälskelse. Ta en titt på henne ta på den berömda gitarrdelen Asturien. Mind böjning!!!
Nu brukar det första du tänker på när du hör ordet improvisation förlängas, självgivande gitarrsolos, 45 minuters Jazz Tuba freeform-experiment och intellektuella i svarta polarhalströjor som skrapar sina getter! Säger att jag en gång gick till en konsert där stödet var en kille som spelade ett bildäck med en elektrisk sander i en halvtimme! Han hade en svart polar hals !! Sanningen är att att skriva en sång är en form av improvisation, du gör det upp när du går och skapar något nytt som inte fanns tidigare. Denna råa skapelse är sedan finjusterad, ordnad, producerad och presenterad som en färdig bit till världen.
Hur händer den första gnistan av en idé dock? Var kommer det ifrån? Ännu viktigare när det kommer, hur kan vi utnyttja det och forma det till något meningsfullt för lyssnaren när det händer? Vid improvisation sker denna process hela tiden. Nya idéer och musikaliska berättelser är födda, spelade, utsmyckade, omarbetade och kasserade till förmån för ännu bättre i en alarmerande takt. Ibland berättar vi en gammal historia på ett nytt spännande sätt.
Improvisation finns i de flesta om inte alla kulturer. Det kommer vanligtvis i form av traditionella musikformer som har gått ner genom generationerna som ständigt tolkas och improviseras av den nya musiken.
Ett bra exempel på detta är Blues. "12" -barformen är mycket enkel i konceptet men harmoniskt "väldigt" komplex samtidigt. Samma tre ackord och enkla vågar (pentatoniska) har använts som grund för vad som verkar som en oändlig mängd melodiska variationer och improvisationer. Detsamma gäller för "Ragas" som är en indisk musikalisk form. Naturligtvis vad som gör dessa "ram" -variationer unika är de personligheter och talanger som utövare har.
Improvisation är inte heller begränsad till konventionella instrument och kan hänföras till ett eller ett helt ensemble av villiga musiker och ljuddesigners. Elektronisk gadgetry och förberedda instrument har alltid varit en bra källa till experiment och improvisation.
Ett intressant koncept består av improvisation. Detta där musik är skriven och noterad på ett sådant sätt att det lämnades öppet för tolkning av musikerna. Nedan visas en bild av Joe Pignato. Stycket beskrivs som "En grafisk struktur för ett antal improvisatorer". Som du kan se finns inga skrivna noter bara en tidslinje och en indikation på var ljudet ska förekomma i frekvensspektrumet.
notations21.net
Det intressanta är att även om stycket har struktur är det inte möjligt att någonsin låta samma två gånger. Eftersom det inte finns någon indikation på vilka ljud som ska spela vad, skulle musikerna bara improvisera och fatta beslut utifrån vad de trodde skulle fungera soniskt.
När du går till ett främmande land finns det två saker som du hittar förvirrande. Geografi och språk. Det här är också de två viktigaste hindren att kunna uttrycka sig på ett instrument fullt när improvisering.
Låt oss börja med Geografi. Att veta var anteckningarna är på ditt instrument är lika viktigt som att veta var man ska hitta mat och vatten på en okänd plats. För någon musiker är det en grundläggande nödvändighet att lära sig instrumentets geografi. Efter att ha läst på ett stort gitarrinstitut (och deltog i en) är det första du märker studenterna som blir överväldigade rent för att de inte vet var anteckningarna är. Som lärare är det din plikt att försöka få dem snabbt, för vissa kan det dock visa sig vara för mycket.
Att kunna visualisera noterna innan du spelar dem (spelar ingen roll om du spelar Gamelan eller Stylophone) både mentalt och fysiskt medan de teoretiskt hänför sig till en musikalisk situation (harmonien dvs ackord, nyckel) är "hjälpsam", jag Jag sätter det mildt! Dessa visuella verktygssatser brukar ha formen av former, mönster, fingeringar osv. Du kommer nog aldrig att säga de faktiska anteckningarna i ditt huvud när du spelar dem, utan att placera händerna, pinnarna, el-sanderna på platsen du vet Gör det ljud du vill höra. Säger att om någon kallar några ackord som G7, F13 och C9 och du inte vet var dessa noteringar är lätta att äga i 7 och 13-talen, kommer dessa verktyg inte att göra dig så bra som du inte har någon referenspunkt. Lite som att använda en Sextant "inuti ett skepp".
Säger att du kan trösta i dessa ord. "Din enda någonsin en halvton bort från en rätt notering".
Detta leder oss till språk, och musik är ett språk! Här är affären, när du talar använder du språk för att förmedla en idé till någon. Du tänker inte medvetet på hur orden stavas, skiljetecken eller hur många substantiv och adjektiv du använder, du säger det bara. Det beror på att du är gammal nog att tala, du har byggt upp en ordförråd av ord och fraser och samtalar med människor dagligen. Det är bara naturligt.
Det här är precis vad som händer med att spela ett instrument. Ju mer du lär dig, spelar och övar ju större din musikaliska vokabulär blir till en dag behöver du inte längre analysera språket för att förmedla idén. Det flyter naturligt. En musikalsk ordförråd kommer att bestå av kunskaper om skalor, intervall, ackord, fraser, stilar, tekniker, känsla, timing, dynamik, ton osv. Du applicerar sedan dessa på leverans av en musikalisk idé på samma sätt som du tillämpar variationer i timing , ton och dynamik till "talat" språk, med hjälp av din röst för att förbättra meddelandet som du sätter över. Enkel!
Likheterna mellan musik och talat språk fortsätter och fortsätter. Att vara en bra listare är en viktig, förmågan att upptäcka skift i harmoni och dynamik och snabbt svara på dem är viktigt. Ett sympatiskt öra kommer att tjäna dig bra. Du har också vetat när du ska hålla din mun stängd också!
Läser kroppsspråk. En fantastisk mängd information passeras när vi pratar genom kroppsspråk. Att hålla ett öga och titta på andra musiker är också mycket viktigt. Om en trummis nickar på dig kan det betyda en av två saker. Antingen, kolla blondinen i främre raden eller gör dig redo somethings kommer att hända musikaliskt. Vanligtvis är det förstnämnda!
Slutligen är timing eller skiljetecken. Du gör inte, (hur kan jag säga det här?) Kräkas en historia över lyssnaren på 100 miles i timmen utan att andas. Du tar fart på dig själv. Du lägger till pauser, dynamik och utsmyckar viktiga idéer för att dra till lyssnaren så att de vill höra berättelsen till slutet! Detsamma gäller för improvisation och komposition. Förmodligen är den viktigaste punkten här historien eller idén du vill förmedla. Ordförrådet är bara det verktyg som används för att kommunicera idén!
Du behöver inte läsa eller fysiskt skriva musik på papper för att vara en bra musiker eller improvisator. Det är en bra skicklighet att ha men. Åtminstone bör du kunna förstå och kommunicera namngivningskonventionerna i samband med ackord och skalor och kunna applicera dem på instrumentet. Här är en konversation för att förklara min punkt.
Du: "Hej, jag har det här receptet (sången) och det behöver denna viss ingrediens (ackord), kan du få det för mig från affären? (Spela upp det)"
Me: "Visst vad heter den här ingrediensen (ackord)?"
Du: "Jag är inte säker."
Mig: "Kan du beskriva det?"
Du: "Jag ska försöka. (Fumlar för att hitta en C-anteckning) Den är gul."
Mig: "Är det en banan? (C major?)"
Du Nej."
Mig: "Är det en melon (C 7)?"
Du: "Nej det är lite surt (en mindre 3: e kanske?) Men också söt (en 9: e?)."
Mig: "Är det en citron (C min 9)?"
Du: "Nej, det är faktiskt mer sött än surt!"
Mig: "Är det en grapefrukt?" (C7 # 9) "
Du: "Ja man, det är det"
Mig: "Är du på droger?"
Som du ser kommer du att slösa mycket tid på att försöka förklara ett musikaliskt begrepp om du inte känner till språket. En bra producent kommer vanligen från en musikalisk bakgrund och kommer att veta hur man talar lingo med musiker. I en produktionsmiljö kan du inte berätta för en musiker att låta mer "aubergine" och förvänta sig att de förstår vad du menar. I en störande situation kan du inte peka på en fret och förvänta sig tangentbordsspelaren att förstå vad du menar eftersom de inte har fretsar. Etc etc.
När du använder musikens skriftliga språk (på papper) måste du vara mycket mer medveten om stavningen (notera / ackordnamn), interpunktion (timing / dynamik) och grammatik (fras) eftersom du försöker kommunicera idén visuellt till någon kanske på andra sidan världen utan att säga det. Stavning av fel kommer att resultera i att läsaren inte kan förstå det eller missförstå dina idéer. Likaså om jag presenterar dig med ett enkelt ackorddiagram i studion och ber dig göra en del baserad på dessa ackord, kan du omedelbart identifiera vad du ser som ett musikaliskt ljud? Här är ett exempel diagram.
Kan du höra ackorden? Kan du se ackordformerna? Vad händer om jag vill ha en oktav högre? Vilka är de viktigaste anteckningarna i varje ackord? Vilken skala går med varje ackord? Så många frågor! I många session / gigging-situationer är möjligheten att skapa delar från ett diagram i flygningen vanlig praxis. Ibland finns det inte ens ett diagram så du måste arbeta ackorden ut snabbt när du lyssnar och skapa en del som passar musikens stil där och då.
I grund och botten om du vill umgås i "Musicland" kan du bättre lära sig språket!
När du börjar spela ett instrument är det första du vill göra att utreda det som inspirerade dig att hämta det. För gitarristen riffs och lickar, för drummers en favorit beat. Faktum är att du kommer att tillbringa den stora delen av din tid som nybörjare som tränar andra människors material. Detta är förmodligen det bästa sättet att lära. Problemet är i ett skede att du kommer till en punkt där allt du kan spela är andra folks lickar. Och när du stör dig bara upprepa alla dessa licks ordentligt och snabbt slut på ånga.
Det här händer mycket med gitarrister som lär sig allt från TAB. Det kommer till en punkt där de inte kan tänka sig själva, de kommer in i en fälla för att lära sig avancerade fraser av rote istället för att lära sig teorin och grundläggande tekniker bakom dem. Det första en student kommer att fråga när du visar dem en slicka är, "Kan du tappa det för mig?". Mitt svar är vanligtvis: "Nej, jag kommer istället att förklara hur jag kom upp med det, vilken skala det kommer ifrån, de tekniker som den använder och hur det hänför sig till ackorden. På så sätt får du möjlighet att gå bort och gör dina egna licks för resten av ditt liv. "
En av de bästa råd som jag kan ge dig är att hitta en bra lärare och lära dig genom örat. Processen med öraträning och transkribering av musik är smärtsamt långsam för att börja med men belöningarna är stora. Tillsammans med en del teori och teknik som lärs av en bra lärare som arbetar med öra blir det mycket lättare. Fördelen är att identifiera skalor, ackord och fraser vid örat är viktigt för improvisation. Du kommer också ihåg något du jobbat hårt för mycket bättre än något som kom ifrån. Om du försöker utarbeta en solo och du kan utse vilken nyckel det är i, vad ackorden är och vilka skalor (och positioner) används tillsammans med tekniken genom "örat" halvvägs där redan!!
Improvisering är en konstform, ingen fråga. Det kan ta lång tid att bli bra på det. Även om du har spelat ett antal år kommer vissa dagar att vara bra och vissa kommer att bli dåliga. Oavsett vilket instrument, objekt eller "programvara" du spelar lär dig att improvisera är ett bra sätt att ha kul och förbättra dig själv som musiker. Det kommer att hjälpa dig ur klibbiga situationer och du kommer alltid att lära dig något av det. Om du bara vill sylt med dina vänner behöver du nog endast en grundläggande förståelse av ackord och några arbetshästskalor som Pentatonic och Major / Minor etc för att se dig igenom. Om du vill ta det vidare finns det en livstid för studier framför dig. Hur som helst, ha kul med det och vara kreativ!
Din hjärna är en snabb maskin, som en 10 000 GHz Intel Xeon 100 000 kärn megaprocessor (även om prestanda kan variera på vissa modeller). Med rätt programmering kan din hjärna tillåta skapandet av nya och spännande ljud, melodier, harmonier och rytmer allt i realtid! Utan verktygen för att fånga dessa unika improviserade händelser kommer de att försvinna i aetheren utan att spåra aldrig att höras igen, bara leva i minnena av dem som bevittnade dem. Denna musikaliska process händer över hela världen, just nu som du läser detta. Och kommer att göra till slutet av tiden!
Accentsconagua