I många musiker sinnen är musikproduktion antingen en slags trollkarl eller överhypad våningssäng. Medan det är sant att det antingen är en möjlighet, kommer en tillverkares jobb oftast ner till hårt arbete, erfarenhet, några bra öron och en verklig känsla för vad som gör att musiken fungerar. Denna serie om musikproduktion är baserad på min nya bok, The Music Producer's Handbook, där jag skisserar några grundläggande produktionstekniker och förhoppningsvis tar bort mystiska mysterier från processen. Var medveten om att vi ska titta på en producents förhållande med ett band eller en artist med ett band eller en studio-musiker. Vi tar itu med självproduktion senare i serien.
Preproduktion är den tid då alla låtar och arrangemang utarbetas och honas innan de går in i studion för att spela in. Det kan ske i ett garage, ett sovrum eller ett övningsrum och kan vara från så lite som en dag till ett par månader.
Ett långt preproduktionsschema är i allmänhet en funktion av att arbeta med artister eller band som skriver egna låtar och är tidiga i sin karriär, eftersom låtarna och arrangemangen ibland kräver en hel del tweaking. Konstnärer och band senare i sin karriär har vanligtvis en större känsla av arrangemang och musikaliskt utförande och har blivit sofistikerade tillräckligt musikaliskt för att hålla förproduktionsfasen till ett minimum som ett resultat.
Det finns knappast någon preproduktion för reklamfilmer och film- eller tv-poäng eftersom kompositören har arrangemanget ganska väl utarbetat i förväg och musikerna är tillräckligt skickliga för att lära eller läsa den på plats.
Om det finns tillräckligt med tid, är förproduktionen bruten i tre sektioner: före, under och efter repetitioner. Var och en spelar en stor roll i processen att förbereda konstnären eller bandet för den faktiska inspelningen.
Innan den första repetitionen börjar, kommer tillverkaren brukar ta tid att lära känna konstnären eller bandet, och vice versa, om de inte känner varandra väl redan redan. Det måste finnas en period där en rapport och komfortnivå utvecklas för att saker ska gå smidigt i studion och preproduktion är den tid då det händer.
En av de viktigaste aspekterna av att lära känna en konstnär är att lära sig vilken musik hon älskar, påverkades av och lyssnar på nu. Ett effektivt sätt att göra detta har sina rötter i vinylpostalbumens dagar, när producenten skulle gå till konstnärens hus och få dem att slänga en massa album från sin samling på golvet och sedan beskriva vad de tyckte om och inte " Jag tycker inte om var och en av dem. Du kan fortfarande göra samma sak med cd-skivor, eller använda en telefon, iPod eller iTunes-spellista (utan att kasta självklart). Bland frågorna som kan ställas är:
Vad tycker du om eller ogillar om artisten du lyssnar på? Varför?
Gillar du ljudet av inspelningen? Varför?
Vilka inspelningar gillar du ljudet av? Varför?
Vad är några av dina favoritrekord? Varför?
Vilka är dina största influenser? Varför?
Vad tycker du om mitt arbete (producenten - om du redan har jobb)? Varför?
Dessa frågor ger producenten en förståelse för konstnärens influenser, gillar och ogillar, vilket ger producenten en bättre uppfattning om vad artisten eller bandet behöver höra deras kommande inspelning.
Det är också viktigt att gå på middag tillsammans, att umgås, och för att få en känsla för några av hot-knappproblemen. Till exempel, om sångaren känner sig starkt om invandring (på något sätt), eller nuvarande lokal eller nationell politik uppmuntrar en nära upplopp mellan bandmedlemmar, vet producenten att hålla sig borta från de här frågorna för att effektivt få jobbat senare under produktionen. Om trummisens flickvän bara bröt upp med honom och han känner sig ganska deprimerad, är det bra att veta att han inte går någonstans nära ämnet om man vill få en bra prestanda. Å andra sidan kanske du får en ännu bättre prestanda om motivet är upptaget, så det är dags att ta reda på vilken väg att gå.
Medan producenten kan göra en sida med konstnären eller bandets politik eller låna en storebror som hjälper hand till en deprimerad spelare vid rätt tidpunkt för att flytta projektet tillsammans, är hela tanken att hålla bandet fokuserat på den uppgift som finns, vilket gör bra musik. Det betyder att hålla distraktionerna till ett minimum, speciellt de som är självtillförda, som kontroverser om andra saker än musik.
En annan sak som är viktig för producenten att utveckla är en uppsättning grundregler för att arbeta i studion under preproduktion. Om producenten säger i förväg: "Vi kommer att arbeta från kl. 12.00 till 9.00 varje dag om vi inte kommer på rulle, men jag lovar att du kommer vara hemma vid midnatt", tenderar spelarna att vara mer fokuserade eftersom de vet vad som är förväntat av dem och hur länge (arbetstiden kommer att förändras enligt konstnären, förstås). När en rutin är upprättad före handen, gör den stor skillnad i den dagliga förberedelsen av spelarna, till och med där de är mer benägna att komma dit i tid, eftersom starttiden är densamma varje dag. Detta hjälper också om någon av spelarna har en familj, eftersom det ger dem en viss normalitet i sina liv samtidigt som de arbetar.
Självklart, om sångaren bara kan krossa fram till klockan 5, då hans röst öppnar sig magiskt till en ängels ängel, måste producenten vara smart nog att inte planera några vokalsessioner under den tiden. Och det är en del av vad förproduktionen gör - det gör det möjligt för producenten att lära sig styrkorna och frågorna hos spelarna för att få ut det mesta när de räknas.
Grundreglerna kommer vanligen att sträcka sig utöver precis start och sluttid. Är gästerna välkomna i studion? Om så är fallet, när? Tillåt alkohol eller droger (vanligtvis inte ett bra val)? Måste en bandmedlem vara där om han inte spelar (som under överdrifter)? Det här är bara några av sakerna att träna och tiden att göra är under preproduktion.
Den reella tunga lyftningen av förproduktion görs under repetitionerna. Du kan bli vänner med konstnären eller bandet och du kan räkna ut deras quirks, snyggknappar, gillar och ogillar, men du måste fortfarande få musiken att ha en massa som är tillräckligt stor för att spela in, och det kan bara hända under repetitionerna. Detta är faktiskt en tre-stegs process uppdelad i låtarna, arrangemangen och utförandet av prestanda. Låt oss titta på var och en.
Du (producenten) har förmodligen lyssnat på demos eller inspelade repetitionsföreställningar av låtarna före början repetitioner, men du vet aldrig precis vilken typ av form de är i förrän du hör dem för verkliga, och det betyder antingen på en visa eller under repetition.
Om låtarna är välbyggda beror redovisningen av låtarna för inspelning på arrangemang och utförande av dessa arrangemang. Om en sång saknar form eller är ofullständig, är det upp till producenten att hjälpa författaren att piska den till bättre form eller hitta en alternativ låt.
Även om låtskrivning i sig är en process för komplex för att täcka djupet i det här inlägget, här är några vanliga låtskrivningsproblem att leta efter:
Ingen fokus - Det betyder att låten slingrar från ackord till ackord utan en uppenbar struktur och ingen tydlig åtskillnad mellan sektioner. Det här är resultatet av att inte hänga sången tillräckligt (eller alls) och tänker att den är färdig innan det är dags. Ibland finns det verkligen en låt där om du skalar det lite tillbaka, men oftast är det enda sättet att fixa det att gå tillbaka till ritbordet för en stor omskrivning.
En svag körning - En kör som är intressant är vanligtvis en som skiljer sig från versen. Det kan bara vara lite annorlunda, som att lägga till bakgrundssang eller annat instrument, eller ett accent eller förväntan på samma ackordförändringar och melodi (som Michael Jacksons Sluta inte 'tills du blir tillräckligt med strängkudden och hornfyllningen, eller Coldplay s Klockor med återkomst av öppningsriffen). Eller det kommer att bli mycket annorlunda, som en annan uppsättning ackordsändringar eller melodi i kombination med arrangemangsändringar som Vertigo av U2. Hur som helst, något måste byta i kören för att lyfta energin och hålla sången minnesvärd.
Ingen bro - I sångskrivning är en bro en mellanslag som förbinder två delar av sången och bygger en harmonisk förbindelse mellan dessa delar genom att öka eller minska spänningen. En bro är viktig eftersom den ger en grundläggande kvalitet som finns i alla konstformer - spänning och frisättning (i musik som går från högt till tyst eller tyst till högt, i målning går från mörka till ljusa färger, i fotografering skulle det vara lätt att skugga, etc.), för att hålla saker intressanta. Nästan varje bra sång har en bro, men det finns enstaka undantag. Sångar som är baserade på de raka 12 bar bluesna har ofta inte broar men kan använda dynamik eller arrangemang för att ge spänningen och släppa ut.
Oavsett antal låtar du planerar att spela in, vill du vanligtvis ha en extra låt eller två i fickan av några anledningar:
Kanske är allt om sessionen magisk, bandet kommer att höra fantastiskt och exekveringen blir så exakt att du bränner genom de låtar du vill göra och har lite extra tid kvar. Det händer nästan aldrig, men om det gör det är trevligt att kunna dra nytta av den heta strimmen och ha en extra sång eller två redo att gå.
En av låtarna låter inte så bra oavsett vad du gör. Känslan är inte rätt, spåret är borta, temp är ut genom fönstret - det händer, så det är bäst att gå vidare till något annat, vilket bara kan hända om du har något extra förberedt.
På några sätt är det lättare att lära sig arrangemang genom att titta på vad som gör en dålig en först. Oavsett vilken typ av musik det är, från rock till land till goth till rock-a-billy till främmande rymdmusik, du vill att sången ska vara intressant för din speciella publik, så akta dig för något av följande:
Sektioner som är för långa - Om du inte är extremt fulländad eller gör en musikstil där det inte gäller, är tanken att hålla alla delar av det intressanta och till den punkten. Två minuters intros, tre minuters gitarrsolos och fem minuters outros är nästan alltid tråkiga, så du är alltid bättre att ha en sektion för kort snarare än för lång. Det finns undantag (Lynard Skynards klassiker Fri fågel, med sitt lilla arrangemang ändras, sparkar och accenter var 16 stavar, kommer i åtanke), men det tar vanligtvis mycket att ordna färdighet att dra av det.
Inga Intro / Outro krokar - Om vi pratar om modern populärmusik (inte jazz eller klassisk), har de flesta låtarna en instrumental linje (eller krok) som du hör i början av låten, kanske igen i kören och när som helst intro upprepningar i sången. Ett bra exempel skulle vara öppningsgitarrriffen till stenen Tillfredsställelse eller piano i Coldplay s Klockor. Utveckla intro / outro krokar är en av de stora jobb som alltid konfronterar producenten.
Instrument som kolliderar - Om alltför många instrument spelar i samma frekvensområde, kommer de att kollidera. Detta ses generellt när det finns två gitarrspelare som spelar liknande rigs (de har båda Strats och Marshalls), men kan hända mellan alla två instrument. Det är producentens jobb att ändra registret, ändra delen, ändra linjen eller ändra ljudet så att allt passar.
Sånger utom räckhåll för sångaren - Låt oss möta det, vissa låtar skrivna på och för gitarr låter bara bättre spelas i A eller E, men det betyder inte att sångaren faktiskt kan sjunga den i dessa nycklar. Det är producentens jobb att se till att låten är i nyckeln som gör att sångaren lyser, men rånar inte sången av det är väsen eller ljud (ibland en lång order).
Du kan ha bra låtar och bra arrangemang, men om du inte kan utföra uppträdandet låter det ändå inte bra. Det är oundvikligt att producenten kommer att konfronteras med problemet "Varför låter inte den här låten (eller en del i sången) rätt?" Kanske blir det bra på en genomgång och inte så bra på nästa. Kanske låter det bra förutom ett avsnitt. Kanske det låter aldrig bra men du tycker att låten har något speciellt och är villig att spendera tiden att arbeta ut.
Medan musiken är uppbyggd kring det elusiva värdet av "känsla" som kan vara mycket svårt att definiera, finns det vissa mekaniker som bestämmer hur tätt musiken spelas och för en bättre term, hur "stor" det låter. Dessa principer gäller för alla typer av musik, från marschband till djuphus till reggaeton för att snabba på metall, principerna är alla samma. Om något inte låter "rätt", beror det troligen på något av följande.
Att spela med dynamik innebär att du spelar med mindre intensitet på vissa ställen i en sång och högre eller med mer intensitet på andra ställen. De flesta unga band är oblivious till dynamik och spelar i en volym genom hela låten (eller alla låtarna, för den delen) som kan bli tråkig för lyssnaren mycket snabbt. Om bandet spelar sången dynamiskt, andas ljudet volymmässigt. Att gå från högt till tyst eller tyst till högt är ett annat exempel på "spänning och släpp".
Den verkliga hemligheten att spela dynamiskt är detta: När du spelar högt, spel så högt som möjligt, och när du spelar mjukt, spela så mjukt som möjligt och hitta sedan en tredje nivå mellan!
För ett riktigt bra exempel på dynamik, lyssna på Luktar som laganda av Nirvana, där verserna är tysta, är pre-koror högre och korstorna bara bråkar.
Det finns tre delar att timing att om så inte utförs på samma sätt av varje bandmedlem, gör låtsignalen slarvig: sången startar och slutar, spåret och attackerna och utgåvorna. Låt oss titta på var och en.
Song startar och stoppar (början och slut) - Du kan ringa sången börjar och slutar "början och slut" med undantag för det faktum att det ibland finns stopp och börjar mitt i en sång. Tricket här är att se till att alla startar och stoppar låten samtidigt. Dessa kan inte lämnas för senare, eller behandlas med en "Det blir bättre i studion" attityd. Repetera varje start och sluta tills alla är låsta in och känner det som bakom handen! Om det fortfarande inte hörs efter fem eller sex försök, fråga varje bandmedlem, "Hur spelar du det?". Såsom är fallet med de flesta saker som inte låser sig fast, finns det minst en spelare som kanske spelar saker något annorlunda än resten. Oavsett hur låten startar eller slutar, måste alla spela det på samma sätt - inga undantag.
Groove - ALL god musik, oavsett om det är Rock, Jazz, Classical, Rap eller någon ny rymdmusik som vi inte har hört än, har ett starkt spår. Du hör alltid om "spåret", men vad är det?
Groove är pulsen av sången och hur instrumenten dynamiskt andas med den.
En vanlig missuppfattning av ett spår är att det måste ha perfekt tid, men ett spår skapas av spänning mot jämn tid. Det betyder att det inte behöver vara perfekt, bara jämn, och alla föreställningar behöver inte ha samma mängd "jämnhet". Faktum är att spåret känns styvt om det är för perfekt. Det är därför som kvantisering av delar och kantar upp varje träff på en arbetsstation när du spelar in tar ofta livet ut ur en sång. Det är för perfekt för att det inte finns någon spänning. Det har förlorat sin spår.
Att få rytmavsnittet att spåra med resten av bandet är mycket svårare än man kanske tror eftersom gitarristen inte alltid lyssnar på trummisen, en keyboardist kan ha metronomisk tid men har fortfarande svårt att koordinera sin vänstra hand med basspelare och vokalister glömmer ofta att det finns ett band som spelar bakom dem helt och hållet. Nyckeln är att alla i bandet ska lyssna på varandra!
Attacks and Releases - Anfall och frisläppanden (ibland kallade "artikuleringar") är en av de mest förbisedda, men viktigaste elementen i att leka ihop. Anfall och utgåvor brukar hänvisa till en fras som du antingen spelar eller sjunger. Attackdelen är lätt - alla börjar spela eller sjunga på exakt samma tid på samma sätt. Utgåvorna är vad som förbises. En släpp är hur du avslutar en fras och är lika viktigt som hur du börjar det. Än en gång måste alla spela det på exakt samma.
En annan ofta förbisedd del av en sång som behöver vara tight är vändningen mellan sektioner, som en eller två staplar mellan versen och kören, kören och versen, versen och outroen, kören och bron etc. Denna del kräver mycket av fokusera på att det vanligtvis spelas lite annorlunda än resten av avsnittet. För trummisen är det vanligen en tom eller snare roll i nästa avsnitt, men om det inte är en byggnad spelar de flesta spelare som inte har erfarenhet av inspelning ibland slumpmässigt något över rullen. Detta kommer inte att fungera eftersom du hittar en vändning kräver att en exakt linje som måste spelas spelas för att hålla sig fast med trummorna.
Varje låt behöver det perfekta tempot att spåra. En av de saker vi upptäcker tidigt när vi gör rekord är att så lite som en enda BPM (slag per minut) kan göra en stor skillnad i hur en sång känns. Bara lite långsam och sången verkar dra lite snabb och det känns obekvämt eller blir svårt att spela. Därför är det verkligen viktigt att du etablerar sångens idealiska BPM innan du spelar in den.
Oavsett hur bra preproduktionsövningar verkar gå är det väldigt viktigt att göra en preproduktion demoinspelning, helst någon annanstans än ditt repetitionsutrymme, för att du aldrig riktigt vet vad en spelare spelar förrän han spelat in. Det är också viktigt att få bandet ut ur sin säkra och bekväma repetitionsmiljö så att de vet att när sakerna låter annorlunda i en ny miljö (som de vill) är det inte nödvändigtvis en negativ sak.
Preproduktionsdemoen behöver inte vara dyr och det behöver inte ta mycket tid. Faktum är ju billigare och snabbare desto bättre. Vad du försöker lära dig är hur bra alla spelar tillsammans och om arrangemang och sångstrukturer verkligen fungerar, så är ett par passeringar av varje sång högst allt som behövs, om inte det finns ett stort tågavbrott. Prestandafel är okej, så länge du kan höra den fullständiga formen av sången, och oroa dig inte för överdubbningar eller lagring, förutom att du snabbt kan gå igenom för att kolla in en idé. Perfektion är inte målet för demo, information om låtstrukturen, arrangemang och enskilda delar är.
Efter att ha lyssnat på inspelningen (även om man bara lyssnar på uppspelning under inspelning) ska det vara uppenbart vad som behöver åtgärdas eller förbättras, vilket bör ske vid en annan omgång av repetitioner. Det hjälper också spelarna när de hör vad de spelar mot alla andra. Det är inte ovanligt att höra kommentarer som "Jag visste inte att du spelade det så," under en uppspelning.
Tanken bakom allt detta är att få delarna ner så att den verkliga inspelningen görs effektivt utan överraskningar och spelarna behöver bara koncentrera sig på sina prestationer istället för att behöva lära sig nya delar. Många gånger, när en spelare lär sig den nya delen i studion, har hans prestanda lidit så mycket det tar en extra session bara för att fånga en bra prestanda. Förproduktion eliminerar förhoppningsvis det.
I nästa inlägg tittar vi på att arbeta med en artist eller ett band i studion.