Share
hans serie om musikproduktion bygger på min nya bok, The Music Producer's Handbook, där jag ska skissera några grundläggande produktionstekniker och förhoppningsvis ge några detaljer om processen som tar bort några av mysteriet borta. Var medveten om att den här delen av serien ser på förhållandet mellan en producent och ett band, eller en producent med en artist med ett band eller studiemusiker. Vi tar itu med självproduktion senare i serien.
I del 3 ser vi på det av de mest kritiska elementen att vara en producent - att få de bästa föreställningarna från konstnären och musikerna.
Det är viktigt att en producent stämmer ordentligt med konstnären eftersom framgången för ett projekt beror på ett enkelt och effektivt samarbete. Det sägs att det ibland inte är så enkelt att singla ut precis vem som är "konstnären" på ett projekt.
Det är vanligtvis ganska uppenbart vem konstnären (eller musikalsk ledare för ett band) är när det gäller ett rekord- eller demodatum, men det finns många andra musikproduktionsjobb där artisten är en något annorlunda enhet. Om det är ett jingle-datum kan till exempel kompositören eller någon från reklambyrån ses i samma ljus som en konstnär, och om det är en film- eller tv-datum, är regissören, producenten, musikledaren, , studio execs eller någon av deras representanter bör betraktas som en artist också.
Oavsett vilken typ av projekt som helst, är det bäst att visa en tyst och vänlig respekt för konstnären hela tiden. Medan du spelar in är du en värdefull tillgång till deras kreativa och affärsprocess, och brukar ses som en peer åtminstone och en föräldrafigur eller lärare högst. Under din tid som är inblandad i aktivitetssfären när du gör rekordet bor du konstnärens musikaliska, professionella och sociala universum som ett kors mellan en hedrad gäst och en partner i sitt musikaliska företag.
När en konstnär börjar lita på dig på musikalisk nivå kan den förtroendet också överföras till en personlig nivå också. Det är lätt att bli en förtroende som det intima bindandet mellan dig (producenten) och konstnären växer, men det kan finnas fara för att bli för nära. Det är lätt för personliga problem att komma i vägen för musiken, och medan producenten måste ta itu med dem är det lätt att fokusera för att driva bort från musiken om producenten är för personligen involverad. Många producenter är noga med att sätta gränser som gör det möjligt för dem att hålla fokus på jobbet och bara bli engagerade i konstnärens privata frågor om det påverkar musiken negativt.
Med hänsyn till alla tangentiella interaktioner som kan inträffa i en session, överväga någon som är associerad med konstnären (som en make, familjemedlem, pojkvän eller flickvän, gäst, förare, personlig assistent eller medarbetare) också en "artist". Även om det är lätt att avvisa dessa människor som oväsentliga för produktionsprocessen, kan de behandla dem lätt, så att konstnärens skämma ner dig!
Även om en musiker är helt bekväm om sin miljö, finns det saker du kan göra för att hjälpa honom att ta sin prestation till en annan nivå. Om de inte redan har mycket studioupplevelse kan de flesta musiker vara mycket självmedvetna om vad de spelar, speciellt efter att ha hört en uppspelning som avslöjar några brister som de inte kände till förrän till det ögonblicket. Det är viktigt att deras förtroende inte flaggar och det är direkt upp till dig för att hålla det från att hända. Här är några knep som hjälper.
En av de svåraste sakerna i att göra ett rekord försöker spela in en sångare som är obekväma. Även en erfaren pro kan inte göra sitt bästa om inte villkoren är rätt. Tänk på några av dessa förslag före och under en vokalsession.
Medan erfarna studio spelare kan skära ett bra spår utan en guide eller "scratch" vokal, skulle nästan alla spelare föredra att få en att spela mot. Guiderången fungerar inte bara som en ledtråd för vissa delar av sången, men lägger till spåret och känslan som hjälper en spelare att utföra sitt bästa. En av de andra fördelarna är att huvudsångaren också kan ge riktningar och påminnelser till spelarna som låten fortskrider.
Det finns inga speciella regler för en scratch-vokal. Vissa vokalister har inget emot att vara i en vokalbod medan de utför en skraplåt, men nästan alla vokalister vill kunna se alla spelare under en sång som de tycker om att inte känna sig kopplad från resten av bandet. Som ett resultat skulle många sångare faktiskt föredra att vara ute i rummet med de andra spelarna. Skrapspåret låter inte så bra i den situationen på grund av läckaget (främst på grund av läckage från trummorna), men om det hjälper bandet och vokalisten att göra så är det vad du vill göra.
Många blysångare, producenter och ingenjörer kan ta ett skrapljud lätt eftersom det kommer att bli redone senare under bättre förutsättningar, men den smarta producenten är alltid beredd bara om magi händer som inte kan återfås igen. Behandla denna vokal allvarligt eftersom du aldrig vet när du kan fånga blixten i en flaska och det kommer att bli en målvakt.
Det var en tid på 70-talet när några höga budgetprojekt skulle ta en hel vecka bara för att få rätt snare trumljud. Medan de kanske har uppnått musikalisk snare trumma nirvana, måste 99,99999% av sessionerna gå fortare än det, och de borde. Ju längre tid du tar innan du spelar in, desto kortare tid kommer du faktiskt att spendera inspelning eftersom spelarens uppmärksamhetspanel minskar proportionellt med tiden att få ljud. Även om du vill att saker ska låta så bra som möjligt är ett dåligt ljudspår med en bra atmosfär mycket mer användbar än en välinspelad men musikaliskt inaktuell spår.
Att få ljud är dock ett nödvändigt ont i inspelningen och åtminstone en viss tid måste tilldelas för uppgiften. En bra producent vet när man ska gå vidare när det tar för lång tid, och ingenjören försöker bara ringa in den sista 5% av ljudet eller vet när man ska fortsätta när ljudet verkligen inte fungerar.
Bra spår kommer från deltagarens fokus och spelarnas komfort. Även om miljövänliga är till hjälp, spelar en spelare eller sjunger sitt bästa när hon hörs väl och i rätt proportion till de andra spelarna eller sångarna. Därför är hörlurar (ibland kallad "cue") blandning så viktig.
Kanske den största nackdelen med en session som går smidigt är att spelarna inte kan höra sig bekvämt i hörlurarna. Detta är en av anledningarna till att veteraningenjörer spenderar så mycket tid och uppmärksamhet på cue mixen och telefonerna själva, istället för att låta en assistent göra det. Faktum är att ett säkert tecken på en studio neophyte behandlar hörlurarna och cue mix som en eftertanke, istället för att spendera så mycket tid som krävs för att få dem att låta bra. Medan det är sant att en veteranstudentspelare kan skaka av en dålig eller förvrängd telefonblandning och fortfarande leverera bra prestanda, gör bra "burkar" en session snabbare och lättare, och tar en variabel som kanske är den största nackdelen för en session ur ekvationen.
Klickspåret, eller inspelning när du lyssnar på en metronom, har blivit ett faktum i livet i de flesta sessioner dessa dagar. Det spelar inte bara bättre ljud på ett jämnt tempo, men det gör det möjligt och enkelt att klippa och klistra in redigering mellan föreställningar i en DAW. Att ha ett spår baserat på ett klick gör också saker som fördröjning och reverb-timing enklare under blandning.
Att spela till ett klick kan dock uppvisa ett antal problem, till exempel läckage av klicket i mikrofonerna och det faktum att vissa människor inte bara kan leka i jämn tid för att rädda sina liv. Med det sagt är de flesta spelare idag upptagna med ett klick eller en slinga, så problemet blir då en av att hjälpa spelaren att höra klicket mer än något annat.
Många gånger ger bara en metronom i telefonerna inte tillräckligt. Vad bra är ett klick om du inte kan höra det, eller ännu värre, kan inte spåra till det? Här är några knep som gör att klicket inte bara kan höras, men skär genom de tätaste blandningarna och verkar som ett annat instrument i spåret också.
För att få bästa prestanda måste du hålla spelarna ständigt fokuserade och det bästa sättet att göra det är att en producent ska hantera sessionen bra.
Att ta spelarna in i kontrollrummet för att lyssna på en uppspelning kan antingen vara störande eller användas för att strategiskt stärka tempot i sessionen. Om spelarna lyssnar på en uppspelning efter varje gång sänks energin när spelarna lägger in i kontrollrummet och sedan tillbaka efteråt. Även om spelarna lyssnar på en uppspelning via sina telefoner kan momentet störas. Det tar vanligtvis en minut eller två tills de blir bekväma igen, vilket kan ta dig längre bort från det perfekta taret än närmare.
Ett av de bästa sätten att få din poäng över men ändå hålla energin hög är att vara selektiv vid kontrollrumsuppspelningar. Det är vanligtvis bäst att få spelarna in för en lyssna efter det första paret tar och alla är till den punkten där de känner sig bekväma med ljudet och studion. På den tiden kan de få en referenspunkt för var de är nu och var de måste gå. Ta inte tillbaka dem i kontrollrummet tills de antingen har vad som kan vara en målvakt, eller om en annan lyssning hjälper dem att spela något bättre. Färre resor till kontrollrummet kommer att bidra till att hålla energi högt och momentum framåt.
En av de bästa förmågorna för en producent att utveckla är att bestämma när det är dags att ta en paus. Ibland kan en tio minuters paus pumpa ny energi i en flaggningssession, så producenten måste alltid hålla fingret på spelarens puls för att mäta deras koncentration. Faren är att du ska ringa en paus precis som spelarna kommer i ett spår och det blir svårt att få tillbaka det efter pausen, men vanligtvis spelar spelarna dig att de vill fortsätta eller de kommer bekräfta att en paus behövs också. Det är vanligtvis bäst att hitta en paus minst var tredje timme eller så, beroende på hur sessionen fortskrider.
Middagspauser kan vara farliga eftersom de måste hanteras med omtanke så att du kan få spelarna tillbaka i ett spår efteråt. Om pausen är för lång kan det ta lika lång tid för spelarna att få uppmärksamheten igen. Detsamma gäller om du tillåter dem att lämna studion för att äta någon annanstans, varför det alltid är bättre att få mat in. Ett av de största problemen att skydda mot är en stor måltid, eftersom normal uppslutning avspeglar naturligtvis spelarens förmåga att koncentrera efteråt. Håll måltiden kort, delarna små och tillåta absolut ingen alkohol så att alla blir fria och sessionen hålls på rätt spår.
Tillbaka i de dagar då de flesta musik spelades in i kommersiella studior växte allt runt 12 timmars "lock-out". Det innebär att medan du bara laddas för 12 timmar, kan ingen annan använda studion för de andra 12 så alla musikerens redskap och växeln i kontrollrummet kan förbli inställda.
Med 87% av musik som kommer från personliga studior idag är uppehållstillstånd inte lika mycket av ett problem, men den mentalitet som du kan spela så länge du vill kan faktiskt spela tungt på sessionens medvetenhet. Om du betalar 12 timmar i en kommersiell studio är det inte ovanligt att du vill få varje minuts värde genom att stanna i studion långt förbi utbrändpunkten. Detta kan vara kontraproduktivt som helhet eftersom utbränningen tenderar att komma ikapp med alla på alla på varandra följande inspelningsdagar därefter, vilket gör det svårare och svårare att koncentrera sig och göra den användbara tiden i studion kortare och kortare. Om du inte betalar för tiden, är det lätt att bli lackadaisical om tiden och håll dig långt bortom punkten för ett produktivt arbete.
Studioproffsen har funnit att det är bäst att hålla dagarna till en rimlig 8 eller 9 timmar, bara skjuta förbi det om du är riktigt nära någonting bra och alla vill fortsätta eller en deadline vävstolar. En av producentens främsta jobb känner av när utbrändpunkten har uppnåtts och avslutar sessionen vid den tiden.
Att veta när du har målvakten som du behöver göra bra rekord är en av de svårare bedömningarna för en producent att göra. Under grundläggande spårning är ultimat en perfekt prestanda med ett bra spår och mycket känsla, men att uppnå alla tre attribut är mycket svårt. Vet att du får tillräckligt med tid och tillräckligt tar det perfekta uttaget inom din grepp. Det är inte ovanligt att göra dussintals tar tills den perfekta visas (Jimi Hendrixs landmärke All along Watchtower var Take # 28).
Men ibland är det bäst att bestämma att, medan spåret inte är perfekt, har du tillräckligt med att arbeta med. Kan du klippa och klistra in flera samlar för att få det du behöver? Ska du gå vidare till en annan låt och återvända till den här låten senare för ett annat försök? Återigen kommer den som betalar dig att ha dikterat sina behov innan du ens har börjat spåra. Om ditt jobb är att få ett antal låtar färdiga inom en viss tid, kanske du måste avgöra på vissa föreställningar för att möta tidsfristen. Om ditt jobb är att få bästa möjliga produkt, kan du kasta tidsplanen och budgetera ut genom fönstret.
Hur som helst kan den grundläggande spårningen vara över i några timmar (som vid registrering av ett jazzprojekt), eller kan fortsätta i flera månader eller till och med år (som ett stort budgett arvband), men det är upp till producenten för att göra samtalet att uppdraget att fånga exakt vad som behövs för denna fas av inspelningen har uppnåtts.
Nästa månad ska vi titta på processen att överdriva.
Accentsconagua